Estetica y Dirección de Arte

KRISTYNA MILDE: CONVENTIONS, CONSUMERISM, ART AND WOMAN.

2011-03-16T21:57:00.016+01:00

Kristyna Milde is a Czech multi-discipliner artist who owns a very genuine style and a huge plastic versatility. Her work explores several sources of creation and inspiration; consumption, mass culture, women image, the auto-perception into the world, the culture models… Reflective, critical, even incisive, but at the same her work accumulates magic and almost childlike sweetness: no doubt she attains her artwork by talking itself.

Q - Kristyna, would you please tell us just a bit about your career. How did you start in the artistic world?

A - I am coming from a creative family; my mother and my younger brother are both artists. My mother is a painter and she also writes poetry. My brother is a conceptual artist working with the theme of personalizing the urban environment.

I have been creating things since I was really young – drawings, paintings, sculptures. It was the most natural way of expression for me. I started to take various courses and finally decided to study painting. I went, along with my future husband Marek, to Basel Switzerland to study at the Assenza Malschule and spent four years there. After that we moved to New York and went to the MFA program at the Queens College, where we both graduated in 2007.

Q - Many of your works use Barbie dolls, Action men, or their accessories to be developed. Why do you use these tools for your creations? What are the meanings or intentions?

A - When I was little, there was still a communism in my home country. The market was very limited. I played with simple toys, most of them made by my mother or grandmother. I also had some old toys. After therevolution in 1989 the market was suddenly overflowed with the western products I was shocked by the amount of things and commodities, and the mechanisms of a quick disposal. I mean, after the period of restriction, everything was suddenly allowed. People started to buy things, they could not even dream of before. Instead of one type of yogurt you have 20. I guess people were also disoriented, they did not know what is enough. So on one side you have this hyper consumption and on the other side you have the disposal of "old" things, which are not "god" anymore. And we end up in the cycle, which can't really fulfill anything. I think that is why I feel still quite sensitive to the overpowering market production, and its effects on the human behavior. In my view kids playing with toys are not just playing, they are learning and absorbing specific perspective of reality given by the producer. Children project their self-image onto the doll in an attempt to identify with it, which often results in a so-called Barbie syndrome: the child longs for having the same physical appearance and social status as the doll. The plastic toys, especially Barbie dolls, in my opinion symbolize the dark side of commodity exchange. By placing them in a different context in my artworks, I am trying to disclose the nakedness and emptiness of such things.

One of the inspirations for this part of my work is a book called “Momo” by Michael Ende. The girl Momo has the gift to listen to people in such a way, that they start to understand themselves better. She lives in an old amphitheater and has almost nothing, but she also does not need much. The only think she really needs is friendship. There are Grey Men in the city, stealing time from people. Momo, who tends to spend time with playing and listening to stories, gets uncomfortable for them and they are trying to get rid of her. First they separate her form her friends by making them too busy to come and play with her. When she is quite alone, they come with a car full of stuff and give her the perfect doll. Momo tries to play with her, but the doll says the same things over and over again. She only wants to get more clothes and accessories. Finally, Momo gives up and gets bored, which never happened to her before.

I think that this story is quite significant as it says a lot about our social and cultural behavior today.

Q - Specifically in works like cUMENI or The Tribuna of the Uffizi, what do you try to transmit/denounce?

A - cUMENI combines two seemingly different approaches of depicting women: the history of European painting and modern pop culture. The word čUMENI, ~~plays~~ in Czech language, plays with the words art and gaping. In this project I critically examine how modes of representation distort our perception of women. The Barbie doll plays the role of historical icons in recreations of world famous paintings.  The presented ideal manipulates a woman’s concept of her body and creates an artificial identity. This model reduces a woman to an object of desire and visual pleasure and has a negative effect on her self-image.   As traditionally recognized media; paintings sanction the male gaze, which would be considered voyeurism in other contexts.  Using the historical painting as a stage, with a female icon represented by the modern Barbie, I want to show the similarities between stereotypical representation in the past and in the present time. I am also interested in how playing with artificial mass produced toys influences the youngest generation. What ideals are they identifying with? What consequences does it imply for their development? With cUMENI I want to inspire contemplation and reconsideration of the visual culture and its impact on the formation of identity and gender relations.

Q - And what about your work 1959?

A - 2009 marks the 50th anniversary since Ruth Handler designed the Barbie doll. I was thinking: How strange, that the doll did not age since then? She still looks as fresh as in the late 50s; a symbol of never aging beauty. So I decided to confront the idealized image of the Barbie Doll, the symbol of successful consumerism, with the everyday reality. I asked myself how would a person, who would live the life of the character of ”the perfect consumer” looks like in its fifties. I focused on the gap between the dream, the prefab ideal of consumerism, and the real process of ageing and deterioration. There is a photograph in the 1959 series, where Barbie is celebrating her birthday with a huge cake in her apartment. In my project, she does not look like Cinderella, but rather as a middle-aged woman she is supposed to be. Her body is affected and transformed by the reality of her life. She is obsessively shopping and over consuming the products of the never-ending sales and media spectacle. While obeying the rules to became the perfect consumer, she turns in to an absurd character fulfilling the imperative to enjoy!

“Diet, injections and injunctions will combine from a very early age to produce the sort of character and the sort of beliefs that the authorities consider desirable and a serious criticism of the powers that be will become psychologically impossible.”

Bertrand Russell, “The Impact of Science on Society” 1952

Q - There are many other artworks not related to Babies nor dolls, but with women. For example Her Hair, where you show your creations developed with hair. Tell us a bit about this project.

A - In the project “Her Hair,” I have worked with female hair using various medias such as photography, installation, and animation. It explores my identity in the relationship to the outer world. The perspective of my body and my personal experience is the starting point of my exploration. I use the feminine attributes to deconstruct our images of identity and cultural conventions.

I see the hair as a mediator between my own body, the outside and myself. The hair is part of my identity, something familiar, but it also has its own life. It is growing, expanding into the space. In the project “Her Hair”, I want to stretch the possibilities of the physical limits of hair. The underlying content focuses on the psychological aspects of physical experience and the search for emotional closeness and connection.

The perspective of my body and my personal experience is the starting point of my exploration. I use the feminine attributes to deconstruct our images of identity and cultural conventions.

Q - What are you currently working on? And are there any future projects?

A - One of the projects I am currently working on is “The Tribuna of the Uffizi”. I am recreating a painting byJohann Zoffany from 1772-8. It portrays the Uffizi Gallery in Florence with the major paintings and sculptures from renaissance and antiquity. It is a very complex project; ~~because~~ I am restaging every single painting in the picture and afterwards I will recreate the whole piece in 3D. The final presentation will be a large-scale photograph. Zoffany's painting can be used as an illustration of the eighteenth century idea of the "masterpiece”. Zoffany is creating a conceptual framework to parallel the classical ancient and renaissance tradition. He is trying to justify the idea of cultural continuity. By replacing the human figures in the paintings by contemporary toys, I am adding a new layer of reference to deconstruct the idea of a masterpiece.

Q - Your works are exhibited to the public in the flickr’s account from MILDEART, what is exactly MILDEART?

A - MILDEART is a loose name, which combines my and my husband’s work. It derives form our last name Milde. We are collaborating on most of our projects. Each of us has an individual art practice, but we are always conceptually and practically helping each other. We also have some projects where we are “officially” working together.

Q - Are currently any other exhibitions/galleries where we can find your artworks?

A – During this month my husband and I we are participating in a one-month work-in-progress residence at the Queens Art Center in New York. We work on a project called “Looking for Home”, which deals with the theme of consumerism and mechanisms of disposal. We will create an apartment room furnished solely with furniture found during the period of one month on the streets of New York. It will be followed by a group show in May at the same location. I was also featured in the March issue of the Godele Magazine in Belgium. The article has 6 pages with large size photos of my cUMENI.

Q - What is your personal opinion about the current situation of the Contemporary Art and artist? How do you see the Contemporary Art market?

A - This is a very complex issue, with a wide range of angles. I had the possibility to get the know some of the mechanism in the art market and I would say that the experience was rather controversial. I think that is very important to differentiate between the creation of art, the presentation and the market. Each of them has a specific rules and problems. It is a very competitive and selective system.

Collector wants to be a curator, curator wants’ to be an artist and artist wants to marry a collector.

Other related links:

http://www.mildeart.com/

http://www.queenstribune.com/leisure/Leisure_020311_ExhibitQC.html

http://www.greenpointstar.com/pages/full_story/push?article-Artists+to+Audience-+Express-Local+puts+15+city+artists+in+Queens%20&id=11329241&instance=lead_story_left_column

KRISTYNA MILDE: CONVENCIONALISMOS, CONSUMISMO, ARTE Y MUJER.

2011-03-16T21:44:00.018+01:00

Kristyna Milde es una joven artista multidisciplinar checa que posee un estilo muy personal y una gran versatilidad plástica. Su trabajo explora diversas fuentes de inspiración y creación: consumo, la imagen de la mujer, la auto-percepción frente al mundo, los modelos culturales… Reflexiva, crítica, incluso incisiva, aunque al mismo tiempo su obra atesora una magia y una dulzura casi infantiles: sin duda consigue que sus obras hablen por sí mismas.

P - Kristyna, ¿puedes contarnos un poco acerca de tu carrera ¿Cómo empezaste en el mundo del arte?

R - Provengo de una familia creativa; mi madre y mi hermano menor son artistas. Ella es pintora, y también escribe poesía. Él es un artista conceptual y trabaja en la línea de la personalización del entorno urbano.

Llevo creando desde que era muy pequeña: dibujo, pintura, escultura. Para mí eran formas naturales de expresión. Hice algunos cursos y finalmente decidí estudiar pintura. Estuve cuatro años estudiando en Assenza Mlschule, en Basel, Suiza, junto con mi marido, Marek. Después nos mudamos a Nueva York y asistimos al programa MFA en el Queens College, graduándonos ambos en 2007.

P - En la creación de muchas de tus obras utilizas muñecas Barbie, Action Men, y algunos de sus accesorios. ¿Por qué incluyes este tipo de objetos en tus creaciones? ¿Cuáles son sus significados e intenciones?

R - De pequeña, en mi país, existía un régimen comunista. El mercado era bastante limitado. Yo siempre jugué con juguetes muy simples, la mayoría fabricados por mi madre o mi abuela. También tuve algunos viejos juguetes. Tras la revolución de 1989 el mercado comenzó a desbordarse repentinamente de artículos del oeste, yo me sentía abrumada ante la cantidad de productos y comodidades, ante los mecanismos de la disponibilidad. Quiero decir que, tras un gran periodo de restricción todo estaba repentinamente permitido. La gente comenzó a comprar cosas con las que antes no podía ni soñar. En lugar de un solo tipo de yogurt de repente tienes 20. Creo que la gente también estaba desorientada, no sabía cuánto era suficiente. Por tanto, te encuentras por un lado con un híper-consumismo, y por otro con el desecho de todas esas cosas “viejas” que ya no tienen “valor” alguno. Creo que por ese motivo soy completamente sensible al asfixiante mercado de producción en masa y a sus efectos sobre el comportamiento humano. Desde mi punto de vista, los niños juegan con juguetes que no son un simple juego, ya que también estarán aprendiendo y absorbiendo la visión específica de la realidad que imprima el fabricante. Ellos proyectan su propia imagen sobre el muñeco intentando identificarse con él, lo que a menudo provoca el conocido “Síndrome Barbie”: las niñas anhelan la misma apariencia física y estatus social de su muñeca. En mi opinión, los muñecos de plástico, especialmente las muñecas Barbie, simbolizan el lado oscuro del mercado de las materias primas. Situándolos en diferentes contextos dentro de mis obras, intento revelar la desnudez y la vacuidad de ese tipo de realidades.

Una de mis fuentes de inspiración en este campo de mi trabajo es un libro llamado “Momo”, de Michael Ende. Momo es una niña que posee el don de escuchar a la gente de tal manera que ellos mismos comiencen a comprenderse mejor. Vive en un antiguo anfiteatro y apenas posee nada, aunque no necesita gran cosa. Lo único que necesita es amistad. Existen unos malvados Hombres Grises en la ciudad que se dedican a robar el tiempo de la gente. Momo, que suele pasar su tiempo jugando y escuchando historias, no les tiene ninguna simpatía; ellos, por su parte, tratan de eliminarla. Aprovechan un momento en el que está sola para presentarse con un coche lleno de cosas, entre ellas la muñeca perfecta. Momo intenta jugar con ella, pero la muñeca simplemente repite lo mismo una y otra vez. Sólo quiere tener más ropa y más complementos. Finalmente, Momo, renuncia y termina aburriéndose, algo que nunca le había sucedido antes.

Creo que esta historia posee un poderoso significado y tiene mucha relación con nuestros comportamientos sociales y culturales en la actualidad.

P- Específicamente en trabajos como cUMENI o La Tribuna del Uffizi, ¿qué tratas de transmitir/denunciar?

R - cUMENI combina dos aproximaciones, aparentemente diferentes, a la representación de las mujeres: La Historia de la Pintura Europea y la Cultura Pop moderna. cUMENI, en checo, es un juego de palabras que combina el arte con un concepto que hace referencia a “algo abierto”, a un “enorme hueco”. En este proyecto examino, desde una postura crítica, cómo las formas de representación distorsionan nuestra percepción de la mujer. Las muñecas Barbie personifican los iconos históricos que reflejan muchas pinturas mundialmente conocidas. El ideal representado manipula el propio concepto que la mujer tiene de su cuerpo y genera una identidad artificial. Este modelo reduce a la mujer a un mero objeto de deseo y placer visual, y produce un efecto negativo en su propia imagen.

La pintura, como medio de comunicación tradicional reconocido, consiente la mirada masculina que en otros contextos habría sido considerada voyeur.

Utilizando pinturas históricas como escenario y con un icono femenino representado por la “moderna” Barbie, pretendo mostrar las similitudes existentes en la representación estereotípica de la mujer tanto en el pasado como en el presente. También me interesa la influencia del juego con juguetes producidos en serie sobre las generaciones más jóvenes: ¿Con qué ideales se identifican? ¿Qué consecuencias implica esto en su desarrollo? Con cUMENI pretendo inspirar tanto la contemplación como la reconsideración de nuestra cultura visual y su impacto en la formación de la identidad y de las relaciones de género.

P - ¿Y qué nos puedes contar sobre tu serie 1959?

R - En el 2009 se cumplieron 50 años desde que Ruth Handler diseñara a la muñeca Barbie. Y yo pensé: - ¿Qué extraño que esta muñeca no haya envejecido desde entonces? Sigue estando tan fresca como a finales de los 50: es un símbolo de la belleza eterna. – Por lo tanto, decidí enfrentar la imagen idealizada de Barbie, estandarte del éxito del consumismo, con la realidad del día a día.

Me pregunté a mí misma cómo sería ese personaje, que vive la vida del “consumidor perfecto”, en la cincuentena. Me centré en la brecha existente entre el sueño, el ideal prefabricado del consumismo, y el verdadero proceso de envejecimiento y deterioro. Hay una foto en esta serie, 1959, en la que Barbie aparece en su apartamento, celebrando su cumpleaños con un enorme pastel. En mi visión no parece Cenicienta, sino más bien la mujer de mediana edad que realmente se supone que debería ser. La realidad de la vida ha transformado su cuerpo. Es compradora compulsiva e híper-consumidora de rebajas o saldos y del espectáculo mediático. Mientras va obedeciendo las normas del perfecto consumidor se va convirtiendo también en un personaje absurdo, que cumple con el imperativo de la diversión.

“Dietas, inyecciones y acciones se combinarán desde una temprana edad para producir el tipo de personajes y creencias que las autoridades consideran deseables ya que una crítica seria de los poderes se consideraría algo psicológicamente imposible.”

Bertrand Russell, “The Impact of Science on Society” 1952

P - También hay otros trabajos, no relacionados con Barbie ni con muñecas, pero sí con las mujeres. Por ejemplo Her Hair, dónde creas tus obras a partir de cabello. Cuéntanos algo sobre este proyecto.

R - Para Her Hair trabajé con cabello femenino utilizando varios medios como la fotografía, instalaciones y animaciones. Este trabajo explora mi identidad en relación con el mundo. La perspectiva de mi cuerpo y mi experiencia personal son el punto de partida de esta exploración. Utilizo estos atributos femeninos para deconstruir nuestras imágenes de convencionalismos culturales y de identidad.

Veo al cabello como si fuera un intermediario entre mi cuerpo, el exterior, y yo misma. Es una parte de mi identidad, algo familiar, pero que al mismo tiempo tiene vida propia. Crece y se expande en el espacio. En este proyecto quiero estirar las posibilidades de los límites físicos del cabello. El tema subyacente se centra en los aspectos psicológicos de la experiencia física y la búsqueda de la cercanía emocional y la conexión.

P - ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Tienes algún futuro proyecto en mente?

R - Uno de los proyectos en los que estoy trabajando actualmente es “La Tribuna de Uffizi”. Ahora estoy recreando una pintura de Johann Zoffany de 1772-8. Representa la Galería Uffizi en Florencia, que contiene una de las mayores colecciones de pinturas y esculturas del renacimiento y de la antigüedad. Es un proyecto muy complicado: estoy recreando prácticamente cada pincelada de la obra en la foto, y después crearé la pieza entera en 3D. La presentación final será una fotografía a gran escala.

La pintura de Zoffany puede usarse como ejemplo de la idea de “obra maestra” en el siglo XVIII. Zoffany crea un marco conceptual y pone en paralelo el clasicismo antiguo y la tradición renacentista. Trata de justificar la idea de continuidad cultural. Remplazando la figura humana de las pinturas por muñecas contemporáneas estoy añadiendo una nueva capa de referencia a la deconstrucción de la idea de “obra maestra”.

P - Podemos encontrar tus trabajos en el perfil de MILDEAR en Flickr, pero ¿qué es exactamente MILDEART?

R - MILDEART es un nombre que agrupa tanto el trabajo artístico de mi marido como el mío. Deriva de nuestro apellido, Milde. Colaboramos mutuamente en muchos de nuestros proyectos.

Cada cual posee su trayectoria artística independiente, pero siempre nos prestamos ayuda conceptual y práctica. También hay algunos proyectos en los que estamos “oficialmente” trabajando juntos.

P – Existe actualmente alguna exhibición o alguna galería en la que puedan contemplarse tus obras?

R - Este mes, mi marido y yo participamos en “One-month work-in-progress residence” en el Queens Art Center de Nueva York. Presentamos un proyecto llamado “Looking for Home”, que trata el tema del consumismo y los mecanismos de eliminación de residuos. Recrearemos una habitación de un apartamento amueblada únicamente con muebles encontrados durante un mes en las calles de Nueva York. Este trabajo se prolongará en una exposición colectiva durante Mayo, en el mismo lugar. También he colaborado en un reportaje en el Godele Magazzine de Bélgica en el que se publican varias fotografías de cUMENI.

P - ¿Cuál es tu opinión sobre la situación del Arte contemporáneo y la figura del artista? ¿Cómo percibes este Mercado?

R - Esta es una cuestión bastante compleja, con un amplio campo de perspectivas. He tenido la oportunidad de conocer alguno de los mecanismos del Mercado y debo admitir que la experiencia fue un tanto controvertida. Creo que es esencial diferenciar entre la creación de arte, la presentación de la obra y el mercado. Cada uno de estos aspectos tiene sus reglas y sus problemas específicos. Es un sistema muy selectivo y competitivo.

El coleccionista desea ser comisario, el comisario quiere ser artista, y el artista anhela casarse con un coleccionista.

Otros enlaces relacionados:

http://www.mildeart.com/

http://www.queenstribune.com/leisure/Leisure_020311_ExhibitQC.html

http://www.greenpointstar.com/pages/full_story/push?article-Artists+to+Audience-+Express-Local+puts+15+city+artists+in+Queens%20&id=11329241&instance=lead_story_left_column

Criticas frescas

2011-01-22T06:55:00.002+01:00

Hoy os traigo dos criticas recien salidas del horno. Son sobre True Grit (mal traducida al español como Valor de Ley) de los Coen y sobre Somewhere de Sofia Coppola. Estas dos peliculas todavia no han salido en españa por lo que resulta informacion de primera mano.
True Grit, remake de la pelicula de 1969 de John Wayne, resulta sorprendente en lo que se refiere a planos y a localizaciones. Con una historia sencilla y una interpretacion excelente de Jeff Bridge los Coen recrean una pelicula muy diferente a su anterior No es pais para viejos. Puede que decepcione a algunos, pero encantara a otros. Para ser una historia de vaqueros, genero al cual se le paso ya su epoca dorada con Sergio Leone, esta bastante conseguida, es entretenida y tiene un bonito final con moraleja sobre la amistad. Es muy recomendable para los amantes del genero porque es diferente pero conserva algunos topicos que queremos seguir viendo, casi todos caracterizados por Jeff Bridges.
En cambio Somewhere, de Sofia Coppola, resulta una de las mayores decepciones cinematograficas que haya tenido, sobretodo despues de que nos demostrase de que podia hacer cosas digeribles como Lost in Translation. Verdaderamente se podria decir que esta pelicula es pedante. No se la recomiendo a nadie. Es aburrida. Hay peliculas que resultan lentas pero que son muy buenas. Esta no, ya que realmente en toda la historia no ocurre nada, no hay tres actos, nada se resuelve. La idea es buena, pero la forma en la que se llevo a cabo no. La historia trata sobre la miserable vida de un actor hollywoodiense que nada en la abundancia pero que por dentro es un desgraciado que vaga en la soledad. Desde luego, Sofia nos a timado a todos. Lo que si que tiene merito es el que hizo el Trailer, que hace que parezca buena y todo.

2011-01-17T14:35:00.004+01:00

el estilo de los cinematógrafos

2011-01-17T03:12:00.002+01:00

Los cinematógrafos, conocidos en Europa más bien como directores de fotografía, son los encargados de conseguir que lo que imagina el director en su mente se transforme en realidad mediante el uso de la luz, del encuadre de la cámara y del foco, principalmente. En este documental de 80 minutos se entrevistan a docenas de cinematógrafos conocidos dentro de su mundillo y se les pregunta sobre todo sobre cómo llegaron a ser lo que son y como definieron su estilo. El tipo de documental para la gente interesada en la industria del cine. Desde luego no es muy entretenido para la gente que no tenga unos conocimientos básicos de cine o a la que no le interese el proceso de creación de las películas. Entre todos los entrevistados se encuentra cinematógrafo encargado de darle su aspecto al Padrino, Gordon Willis, que da buenos consejos para todos aquellos a los que les gustaría jugar a ser un ilusionista de la imagen. Aunque este no es el único ya que hay muchas otras leyendas, como Vilmso Zsigmond, ganador del Oscar por El Cazador. Desde luego, este documental es una joya para todos los que de verdad quieran aprender directamente de los maestros algunos de sus secretos.

Las artes de Los Ángeles

2011-01-16T23:08:00.003+01:00

Los ángeles, ciudad de las estrellas, está lógicamente enfocada al mundo del celuloide, pero también esconde rincones en los que se pueden ver otras artes que no tienen que ver con el número 7. El principal museo de arte es el centro Paul Getty. Comenzó como la colección privada de un multimillonario hasta que su hijo, J. Paul Getty decidió abrir las puertas al público en la villa Paul Getty en la ciudad de Malibú. En ella se pueden ver grandes colecciones de arte griego, romano y etrusco, aunque al haber sido una colección privada tiene una gran variedad de estilos y de obras de diferentes época, cifrandose en un total de 44.000 piezas entre esculturas, pinturas y obras arquitectónicas.

Pero Los Ángeles está caracterizada por muchas más cosas que por la opulencia de los millonarios. El carácter y el estilo de la calle están muy desarrollados, dándose mucha importancia al arte underground. Una página web excelente que recoge muchas de estas “obras” es 50mmlosangeles. Desde luego L.A. tiene carácter propio, con el tatuaje como forma de vida y la cultura del gangster.

Mayormente, estas dos artes, la que se compra con el dollar y la que se crea en las calles, son las que viven en L.A. y que imperan, conviviendo pacíficamente por la extensidad de la ciudad y por la indiferencia de la gente por el vecino.

"Primos"

2011-01-12T19:51:00.004+01:00

“Primos” es la nueva película del director español Daniel Sánchez Arévalo, anteriormente ha dirigido dos comedias, de un humor un tanto peculiar, como “Azul, oscuro casi negro” y “Gordos” hay que decir que ambas tuvieron en su momento una gran acogida por parte de la crítica y el público, convirtiendo a este director en una de las más firmes promesas del cine español.

En un principio “Primos” había sido un corto que el director había grabado pero a causa del éxito recibido y de la capacidad de Sánchez Arévalo de construir historias totalmente surrealistas, ha decidido finalmente adaptarlo a largometraje.

La historia nos habla de tres primos que además son también bastante ingenuos en la vida real. Cuando a uno de ellos le deja plantado su novia en el altar todos deciden emprender un viaje en un fín de semana para ayudarle a superar sus problemas. En este viaje el protagonista se cruzara con una antigua novia y tratará de reconquistarla por todos los medios posibles.

El reparto de la cinta está encabezado por actores que anteriormente ya han trabajado con el director como Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo y un tipo a reivindicar, Adrián Lastra.

La película está previsto que se estrene el 4 de Febrero de 2011 y la verdad es que por el tráiler yo personalmente creo que promete mucho asique os lo dejo para que podáis disfrutarlo.

Nuevo dispositivo de Apple

2011-01-12T19:22:00.002+01:00

Este dispositivo se conoce con el nombre de Broadway y para todos aquellos que tengan en posesión suya un iPad, un iPod o un iPhone este dispositivo les permitirá ver canales de televisión por medio de su tableta sin importar en que lugar del mundo se encuentren. Esto se debe a que este dispositivo hace un streaming con la televisión que tengamos en casa y lo pasa a nuestro dispositivo de Apple.

Este dispositivo se ha presentado en sociedad en el CES2011 sin embargo todos aquellos usuarios que quieran disfrutar de canales de televisión deberán tener una señal de internet, ya que al fin y al cabo el Broadway no deja de ser un router que permite sintonizar canales de televisión vía online.

Su funcionamiento es simple, primero captura la imagen de la televisión y posteriormente la transforma a las dimensiones adecuadas dependiendo de en que dispositivo de Apple vayamos a sintonizarlo,. Finalmente la imagen llega en streaming a nuestro dispositivo sin presentar una gran pérdida de calidad y de una manera bastante rápida y efectiva por lo que puede resultar un accesorio bastante interesante para algunas personas.

Sin embargo también tiene sus inconvenientes y es que este dispositivo, al igual que muchos otros, solo funciona con dispositivos de la marca Apple lo cual priva a muchos a otros muchos usuarios de su disfrute. Este factor viene siendo bastante determinante en la compañía ya que casi siempre sus accesorios son de manera exclusiva o simplemente no sirven los de otros dispositivos.

Pero los demás usuarios no deberían preocuparse ya que solo es cuestión de tiempo que aparezca otro dispositivo con opciones idénticas al Broadway para todos los dispositivos

Robert De Niro presidente del jurado de Cannes

2011-01-12T19:18:00.002+01:00

El próximo festival de Cannes ya tiene presidente de jurado y no será otro menos que Robert De Niro. De Niro es fundador del festival de cine de Tribeca por eso en Cannes han querido darle el homenaje que se merece, no solo por su contribución al cine durante tantos años sino también, por el apoyo mostrado a los jóvenes talentos del cine durante estos últimos tiempos.

El actor se ha sentido muy honrado por el cometido que le han designado y ha declarado que es un orgullo para él formar parte de uno de los festivales más antiguos y prestigiosos del cine. Aún así reconoce que le espera una difícil misión como miembro de jurado y espera que no sea muy criticado ni se equivoque demasiado con las elecciones que pueda hacer de cara a nominados y ganadores.

Anteriormente el actor había estado en el festival para defender 8 películas que había sido nominadas a la palma de oro a la mejor película del festival de esas 8 veces solo dos de ellas se alzaron con el premio. La primera fue por el gran clásico de Martin Scorsese “Taxi driver” y la segunda por la película “ La misión”.

Pero no solo aquí acaba el reconocimiento a la carrera de este grandísimo actor ya que en la ceremonia de los globos de oro recibirá el premio Cecil B Demile por toda su trayectoria como actor.

Actualmente Robert De Niro se encuentra en promoción de su última película “Ahora los padres son ellos” con la que está cosechando unos buenos resultados en taquilla

Save or Delete jungle Book", del grafitero británico Banksy

2011-01-12T18:23:00.000+01:00

Esta obra de un conocido pintor de grafitis se ha vendido por 78000 libras. En un principio esta obra había sido realizada por el artista para apoyar una campaña de la organización ecologista Greenpeace, sin embargo al final no llego a ser utilizada por esta organización cayendo en el olvido hasta hoy.

La obra se compone de dos partes diferenciadas claramente en una primera podemos ver a los personajes de la película clásica de Disney “El libro de la selva” maniatados y con los ojos vendados ya que están a punto de ser ejecutados por un cazador. Por otro lado el autor superpuso la imagen descrita anteriormente sobre una fotografía en blanco y negro de un bosque que ha sido totalmente arrasado.

Desde luego la imagen habla por si sola del mensaje que trata de mandar a los seres humanos para intentar buscar una reacción por parte de estos, mostrando una imagen tan cruda y fría de sentimientos, utilizando a personajes recordados por las películas de dibujos animados.

La pieza de Bansky puede considerarse como inédita ya que Disney no autorizo en ningún momento al artista a utilizar sus personajes para tal campaña publiciaria.

Una obra de Picasso protagonizará la subasta de Sotheby´s

2011-01-12T18:07:00.000+01:00

La obra en cuestión se conoce bajo el nombre de “La lectura” y muestra el retrato de una mujer conocida con el nombre de Walter, la cual, aseguran, cambio la vida y obra del famoso pintor cubista. La mujer sale representada en el cuadro dormida en un sillón y con un libro en su regazo.

La relación que pudieron mantener Picasso y esta mujer ha permanecido en el mas absoluto de los secretos, ya que cuando la conoció el artista estaba casado y aunque le pinto mas retratos a lo largo de su vida, estos siempre han estados vetados de cara al público por temor a que su mujer descubriera las infidelidades del artista.
Los responsables de la casa de subastas han relacionado esta obra del pintor con otra conocida como “Le Rêve” que el pintor dibujo en la misma época que el cuadro que hoy nos ocupa.

La obra podrá verse expuesta en la gran manzana hasta el 13 de Enero. Mas tarde, el 8 de Febrero, empezará la subasta por dicha obra cuyo precio de salida se estima que rondara entre los 18 y los 28 millones de dólares. Quizás este sea un ejemplo más de que finalmente el arte se ha convertido en un mercado de especulación en vez de belleza.

Por otro lado no solo la obra de Picasso será la representante española ya que, también, Sotheby´s subastará un retrato del pintor Salvador Dalí que le hizo al poeta Paul Eluard, considerado como una de las principales figuras del movimiento surrealista.

PARKOUR

2011-01-12T17:43:00.000+01:00

Esta tendencia callejera parece que se está volviendo a poner de moda poco a poco. Para todos aquellos que no lo conozcan el parkour consiste en desplazarse de un lugar a otro lo más rápido posible, tratando de sortear todos los obstáculos que pongan en el camino solo con la ayuda del cuerpo humano. La mayoría de los movimientos se componen de maniobras de lo más espectaculares como saltar todo tipo de vallas o escalar en un par de movimientos una pared de la manera más fluida posible.

Muchos de los practicantes de este “deporte” consideran al parkour como una filosofía de vida ya que consideran que solo viven para realizar parkour al igual que creen que es una forma de arte con el que poder expresarse al resto de individuos de la sociedad. Lo cierto es que los practicantes de este deporte se caracterizan por no dañar el medio urbano ni molestar a los demás transeúntes.

Quizás los practicantes tengan razón y solo busquen una forma de expresarse al resto de la sociedad por medio de sus espectaculares piruetas, desde luego mientras que no dañen a nadie deberían poder expresarse de la forma que más les gusta.

DOS ACTRICES CONFIRMADAS PARA LA TERCERA PARTE DE "BATMAN"

2011-01-12T17:14:00.000+01:00

Muchos han sido los rumores desde que se anunció la tercera parte de la exitosa saga de Batman dirigida por Cristopher Nolan. Hasta entonces el único actor que se había confirmado para el reparto, además de los protagonistas de las anteriores películas, ha sido Tom Hardy el cual se especula que pueda hacer del villano “Hugo Strange”.

Este personaje fue el primer villano que apareció en los comics del caballero oscuro y era un prestigioso psiquiatra que se vuelve loco alcanzando una gran obsesión por matar al hombre murciélago.

Pero ahora mismo se han confirmado a las actrices Naomi Watts y Eva Green. De la primera de ellas se dice que podría interpretar el papel de la periodista que anteriormente protagonizo Kim Basinger en la adaptación de Batman por parte de Tim Burton. En cuanto a Eva Green los rumores apuntan a que podría encarnar a la hija de Ra’s al Ghul, el villano de “Batman Begins”.

Por ahora solo son rumores y queda esperar a que comience el rodaje en el mes de Mayo para poder salir de dudas definitivamente.

JAMES BOND VÉRÁ LA LUZ

2011-01-12T17:09:00.000+01:00

Tras muchas confirmaciones y desmentidos por parte de unos y otros finalmente, finalmente la nueva película del agente secreto mas conocido del mundo verá la luz.

Después de todos los apuros económicos que ha pasado la MGM gracias a su restructuración financiera podrá llevar a cabo la producción de la película número 27 del agente 007.
Por el momento parte del reparto que se había dado públicamente sigue en el proyecto. Como es el caso de Daniel Craig en el papel del agente 007, la dirección correrá a cargo de Sam Mendes y del guión de la película se ocuparán Neal Purvis, Robert Wade y John Logan.

Por ahora se prevé el estreno de la cinta para el 9 de Noviembre del 2012 si todo sigue según lo previsto. Solo falta confirmar por parte de la metro y del director de la cinta si finalmente Rachel Weisz interpretará a la villana que esta detrás de la organización Quantum de la segunda película.

CORINNE DAY

2011-01-12T17:04:00.001+01:00

Ha sido una de las fotógrafas “underground” más importantes de finales del siglo XX. Saltó a la fama cuando expuso un diario fotográfico que relataba todo lo que había sido su adolescencia y parte de su madurez hasta entonces. Donde mostraba sin pudor sus flirteos con las drogas, el sexo y el alcohol relatando de manera fotográfica las juergas con sus amigos. Sin embargo lo que menos se esperaba es que ese diario efectuado con una cámara polaroid la encumbraría a la fama y le reservaría un hueco en la historia de la fotografía.

Después del éxito cosechado con su exposición se rehabilito de las drogas y comenzó a trabajar como fotógrafa para la revista Vogue realizando diversa portadas de conjuntos de ropa dandole esa estetica desenfadada que la caracterizaba por encima d elas demas fotógrafas de moda. Fué en Vogue donde encumbró a una modelo entonces desconocida como Kate Moss convirtiendolá en uno de los iconos de la moda mas grandes del momento. También creó y le dió la estética a la campaña de la marca de ropa Diesel que hoy en día conocemos.

Sin embargo a finales de los 90 se le detecto un cáncer y vendió casi todas sus obras para poder costearse el tratamiento. Pero esto no tuvo efecto Corinne Day falleció en el año 2010 a causa de su larga enfermedad. Sin embargo su obra aún queda latente hoy en día.

LA LIGA DE LOS HOMBRES EXTRAORDIARIOS

2011-01-12T13:53:00.000+01:00

Esta novela gráfica de gran éxito internacional fue escrita por Alan Moore en el año en el año 1999, posteriormente se lanzaron dos tomos mas para todos los fans que querían satisfacer sus ansias de conocer nuevas aventuras de este grupos de “héroes” un tanto atípico. Cuando digo atípico me refiero a que, al igual que casi todas las obras de este escritor, “La liga de los hombres extraordinarios” está compuesta por personajes sacados de la literatura victoriana y que tienen cierta relevancia. Esta liga está compuesta entre otros por: El capitán Nemo y su nave el Nautilus, Dorian Gray o el doctor Jekyll entre otros. La peculiaridad de la obra es que no nos muestra a unos personajes refinados ni mucho menos ya que todos ellos rozan lo sublime puesto que en los diferentes tomos de la obra hay escenas eróticas en varias de sus viñetas y un exceso de violencia bastante considerable.

Por otro lado, esta obra, al igual que muchas otras novelas gráficas fue llevada al cine a finales de los 90 con un reparto encabezado por Sean Connery obteniendo una respuesta por parte del público y la crítica bastante mediocre. El propio Alan Moore critico la película añadiendo que era una de las peores mierdas que había visto en su vida.

Mario el pop

2011-01-12T11:17:00.001+01:00

¿Quién sabía que un plomero corto, nariz gorda, grande y el bigote del barrio de Brooklyn en la ciudad de Nueva York se convertiría en uno de los mayores iconos de los juegos y la cultura pop? Y con el juego "Super Mario bros." Celebrando 25 años el lunes (13), el personaje tuvo su primeros saltos en la parte superior de las tortugas, que enfrentó a la formidable Bowser y salvó a una princesa incapaz de éxito que superó generaciones y los juegos de nicho.

". Super Mario Bros" Responsable de la venta de más de 40 millones de copias en todo el mundo, el juego es el tipo de plataforma de desplazamiento lateral "- juegos en 2D donde el personaje va de izquierda a derecha y puede saltar en plataformas que más éxito de todos los tiempos. Aunque no es la primera, "Atari Fútbol" en 1978, es considerado el más antiguo, era lo que se rompió los paradigmas de una industria que amarga los resultados de ventas miserable. Todos los juegos del mismo género que se produjo después de "Sonic", por ejemplo, siguió la tendencia marcada por Nintendo.

Little Is Drawing

2011-01-12T09:33:00.003+01:00

Os voy a hablar de una conocida bloguera e ilustradora de actualidad. Su nombre es Carla Little, y se hace llamar ''Little Is Drawing''.
Es una chica de 23 años de Valencia, España, una gran apasionada de la ilustración, el diseño y la fotografía.
Gracias al mundo de las redes sociales ha conseguido diseñar para la imagen de grupos musicales como Russian Red, La Habitación Roja, Zahara y Pollock, y cartelería para artistas como The Strange Boys, Ariel Pink y The Pine Hill Haints.Es colaboradora habitual en la revista de tendencias VANIDAD y sus trabajos han aparecido en publicaciones internacionales como Nylon (Mex.) y Art Rocker (UK) Nero (Japón), entre otras. También ha sido la diseñadora de líneas de ropa para Kling y Whoman Secret.
Trabaja como ilustradora y fotógrafa freelance para estudios de diseño gráfico y publicidad y ha realizado para ellos trabajos de consultoría artística.
Fue nombrada talento de la semana de el diario El País y ha realizado uno de los videos promocionales para el Sony Rolly de Sony, seleccionada junto a otros diez creativos por la marca.

Hace ya tiempo que sigo su blog, y es un espacio donde podemos descubrir todo tipo de información de nuevas formas de diseño audiovisual, fotografía, cine, ilustración, ...

Aquí os muestro algunas de las imágenes de su trabajo, caracterizado por la fotografía de moda y las ilustraciones empleando motivos animales para representar ámbitos musicales.

Me llama la atención el caracter de esta artista. Emplea todo tipo de texturas en sus ilustraciones con influencias claras del street art y del pop art.
Está claro que el mundo de las redes sociales y, en definitiva, el mundo online, están ayudándonos a descubrir y, por qué no, darnos a conocer.
Carla Little añade diariamente en su blog numerosos posts referidos a todo tipo de creaciones de varios artistas, nacionales e internacionales. Es toda una enciclopedia del arte del siglo XXI.
Aquí tenéis el enlace de su blog, llamado ''Cuaderno de todo''.

http://cuaderno-de-todo.blogspot.com/search/label/Ilustraci%C3%B3n

Otra forma de crear animación

2011-01-12T09:22:00.000+01:00

Siempre me ha llamado mucho la atención la técnica del Stop motion. Ya conocemos varias técnicas, con plastilina, con ilustraciones en hojas de papel, con fotografía real. Una que yo no conocía es la ''Whiteboard illustration'', que consiste en crear Stop Motion dibujando en las típicas pizarras blancas en las que se dibuja con rotulador.
No he conseguido descubrir al creador del video que os muestro arriba, pero os recomiendo que lo veais porque tiene una calidad brillante, incluso sin haber empleado ningún tipo de postproducción o edición gráfica.

Aquí tenemos otro, aunque este sí que contiene el apoyo de la edición gráfica.

Últimamente hemos podido comprobar un creciente desarrollo en el mundo de la animación. Las distintas técnicas hasta ahora existentes y la cantidad de nuevas herramientas unidas a una greatividad increíble han desembocado en creaciones que han desembocado en el descubrimiento de nuevas técnicas.

Un ejemplo de referente de la técnica del stop motion drawing es el artista “Paul Alexander Thornton”, que bajo este concepto realiza composiciones animadas, partiendo de fotogramas empalmados, en los que muestra su proceso de animación.

Y es que no siempre es necesario emplear los medios digitales para hacer cobrar vida a nuestras creaciones e ilustraciones.

Escultura en la punta de un lápiz

2011-01-12T09:13:00.000+01:00

Su nombre es Dalton Getty, y se dedica a tallar esculturas en las puntas de los lapiceros. Además de ser un trabajo casi imposible, se trata de una novedad, y hoy en día es muy dificil crear algo diferente.
Dalton crea cada escultura con una precisión y detalle que casi habría que observar con microscopio.
Son muchas horas, e incluso días, los que pasa el artista a escasos milímetros de sus lápices.
Desde que era muy joven, este artista reconoce haber experimentado con materiales como tiza, grafito, jabón... Pero es en la mina y la madera donde ha encontrado su identidad definitiva.
Dalton lleva más de 25 años haciendo estas esculturas que incluyen cadenas tan mínimas que, como he dicho, habría que usar una lupa para poder apreciar la grandeza del detalle.

Ya ha bautizado esta forma de arte como ''pencilart''.

skateART

2011-01-12T08:57:00.000+01:00

El skateboard ya no es concebido sólamente como un deporte, es más, en mi opinión y, en la de muchos, se ha convertido en un modo de vida.
En los últimos años he podido observar que muchos artistas amantes del skate han fusionado estos dos ámbitos, y el resultado es el siguiente:

Este ámbito artístico está muy ligado al tatuaje Old School y al Graffiti, pero también podemos ver que las propias tablas se emplean para hacer muebles de diseño.
Las grandes compañías de skateboarding cuentan con numerosos diseñadores y artistas comisionados que crean y diseñan arte original dedicado al Skateboard, convirtiéndose en un medio muy buscado tanto por artistas como por coleccionistas.
Sean Cliver es el máximo exponente de este arte. En su libro titulado Disposable: A history of Skateboard Art, podemos ver más de 1000 imágenes de tablas de skate de los últimos 30 años.

http://www.disposablethebook.com/

Boom festival

2011-01-12T04:17:00.001+01:00

El Boom Festival es un festival bienal de cultura visionária realizado en Portugal durante la luna llena de Agosto . Se inició en 1997 mientras evento musical, pero evolucionó al largo de sus ediciones para una celebración de la cultura alternativa. El Boom es hoy un festival multidisciplinar, transgeracional e intercultural.

Es un acontecimiento multidisciplinar pues cruza diversas corrientes artísticas, como pintura, escultura, land art, instalaciones interactivas, música, video arte, galeria de artes Plásticos o graffiti . Las propuestas artísticas son complementadas por un vasto cartel de conferencias, workshops, tertúlias y presentaciones de temas como metodologias de ciencia alternativa, cultura visionária, culturas ancestrais, espiritualidade, antropologia, psicologia de la conciencia, paganismo o inteligencia emocional.

El Boom se afirma mientras transgeracional al tener un público que no se restringe sólo a una capa etária. Los participantes del Boom no son sólo jóvenes - como es apanágio de cualquier festival de Verano - antes existe una gran amplitud etária, de niños, adultos e inclusive una facción del público con más de 50 años. Esta diversidad es conseguida a través de propuestas artísticas y culturales vanguardistas que enfatizan no sólo el hedonismo como también el conocimiento.

Uno de los nobles aspectos de este festival es ser intercultural. El Boom dispone de una vasta red mundial de embajadores y atrae público de todos los continentes. Esto origina un contacto entre personas de diversas matrices culturales, que así interagem rodeadas de artes y cultura pudiendo disminuir las diferencias y el desconhecimento de otros grupos étnicos - favoreciendo lo derrumbe de estereótipos inter-étnicos.

Una de las peculiaridades del Boom es su independencia faz al sistema comercial. Con efecto, al contrario del que acontece en el mundo del entretenimiento, el festival no acepta cualquier patrocínio comercial; de forma a mantener su espacio libre de polución visual advinda de logótipos, la ética del Boom asienta en un clima de contacto con la naturaleza donde el público está defendido de cualquier estrategia de marketing .

En 2004, el Boom comenzó a desarrollar proyectos para hacerse totalmente auto-sustentável, de forma a no contaminar la naturaleza y educar para la conciencia ecológica. En estas prácticas se incluyen el desarrollo de cuartos de baño que no usan químicos; el tratamiento de las aguas del festival a través de biotecnologias; la utilización de energías solar y eólica ; la reciclagem ; la organización del espacio del Boom según los principios de la Permacultura: y el suministro gratuito de kits de limpieza al participantes (cinzeiros de bolso y sacos de basura).

Exposición "Jardines Impresionistas" en Museo Thyssen‐Bornemisza.

2011-01-12T03:21:00.001+01:00

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan este otoño la exposición Jardines impresionistas, un vasto recorrido por el tema del jardín en la pintura desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX. Se trata de un importante proyecto realizado en colaboración con la National Gallery de Edimburgo, donde la exposición fue presentada primeramente.
El gran atractivo es realzar "la agradabilidad" de ver seguidamente las maneras y los estilos tan diversos que artistas se dedicaran a pintar jardines. Prevalece cierta lleveza relacionada al mote. Tanto que Auguste Renoir (1841-1919) declaró que pintar flores era su "momento de descentración", pero al mismo tiempo, de experimento "con tones y valores" a punto de no se preocupar en "perder la tela". Por una feliz conjunción, además, el Museo del Prado, próximo al Thyssen, presenta hasta 6 de febrero la muestra Pasión por Renoir, con destaques de la colección americana de Robert Sterling e Francine Clark.
La muestra del Thyssen incluye una amplia representación de la pintura impresionista, con obras maestras de Manet, Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, Caillebotte o Berthe Morisot, pero también de algunos precursores del impresionismo, como Delacroix y Corot, y de grandes pintores de la generación siguiente, como Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Klimt, Munch y Nolde, entre muchos otros nombres. En conjunto, cerca de 140 obras maestras repartidas entre las salas del Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, con préstamos destacados de colecciones y museos de todo el mundo.

Museo Thyssen‐Bornemisza y Fundación Caja Madrid: Del 16 de noviembre de 2010 al 13 de febrero de 2011.

*INFORMACIÓN PARA EL VISITANTE.

Museo Thyssen‐Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid.

Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas. La taquilla cierra a las 18:30h.

Tarifas exposición temporal:
- Entrada general: 8 €,
- Entrada reducida: 5 € para mayores de 65 años, pensionistas, y estudiantes previa
acreditación y grupos familiares formados por al menos un adulto y tres descendientes
(o dos, si uno de ellos tiene alguna discapacidad) incluidos en el mismo título de
familia numerosa.
- Entrada gratuita: Menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.
Exposición temporal + Colección Permanente: Entrada general: 13 €
Entrada reducida: 7,5 €

Venta anticipada de entradas en taquillas o en la web del Museo y en el 902 760 511
Más información: 91 369 01 51 y www.museothyssen.org

Un Saludo, VColombini.

Arte o crime contra los animales?

2011-01-12T02:31:00.004+01:00

La nueva campaña de la WWF, con muestra imágenes de supuestos animales grafitados. Además de las escenas chocantes y de la gran falta de respeto del Hombre con la Naturaleza. Con la frase " what will it take before we respect the planet?", la inspiración de esta campaña, fue hecha tras un supuesto "artista" haber pintado un elefante en el zoo de Philadelphia, EUA. El artista inglés Bansky en una de sus recientes presentaciones, también expuso un elefante pintado. Hasta donde llegará el "arte" y el respeto por la naturaleza?

Equipaje inesperado

2011-01-12T02:17:00.002+01:00

El vuelo de Barcelona que seguía para Las Palmas ( España) el día 24 de diciembre de la compañía SPANAIR aterrizó cerca de la media noche. La compañía resolvió conmemorar el día de Natal con los suyos 190 pasajeros de una forma diferente. Al esperen su equipaje en la esteira, aparecieron presentes con el nombre de todos los pasajeros. Otro forma barata de crear una buena acción de marketing con sus clientes y con un gran impacto de aceptación. Las imágenes de los clientes hablan por sí sólo.

"Descriptión" de Dorit Margreiter en el Reina Sofía

2011-01-12T02:09:00.002+01:00

Hasta el 25 podemos ver la primera exposición individual en España de la artista vienesa Dorit Margreiter en el museo Reina Sofía de Madrid. La temática de la muestra llamada “Descripción” gira entorno a la destrucción y a la conservación de la arquitectura moderna, planteando cuál es el papel de la arquitectura en nuestro tiempo y el porqué de la conservación de determinadas construcciones en nuestro tiempo. Margreiter lleva años investigando y desarrollando su obra entorno al papel de la arquitectura y el cine en nuestra sociedad.

La exposición está compuesta por una veintena de obras realizadas desde el 2001 y de otras que nunca han sido vistas. Margreiter ha realizado para esta ocasión especialmente una obra que ha desarrollado en torno a cuatro potentes instalaciones en las que se proyectan películas, fotografías, textos y esculturas móviles. Todo ello se interrelaciona con la película Zentrum, en la que la artista investiga acerca de un edificio residencial recientemente derribado en Lepzig.

Además forman parte de la exposición el visionado de películas como 10104 Angelo View Drive (2004) o Poverty Housing Americus Georgis (2008) y una exposición con fotografías del Paramount Studio o Poverty House.

Mucho mas que un Juego

2011-01-12T02:03:00.006+01:00

En la novela de 1993 'Snow Crash', de Neal Stephenson, la increíble aventura de Hiro, el protagonista, arranca en el 'metaverso', un mundo virtual generado por ordenador donde los usuarios conectados crean sus propios cuerpos tridimensionales, presentan sus obras de arte, conversan entre sí o hacen negocios. Hoy ya no es una novela. Cualquiera puede tener su segunda vida en Second Life.

Mas que un juego!

La realidad virtual, con sus cascos y guantes de datos, ya aparecía en las noticias hace diez años, aunque luego la triste realidad se reducía a unos feos poliedros dando vueltas en medio de un espacio negro. Desde entonces, los videojuegos han avanzado a un ritmo frenético.

Second Life es lo último en realidad virtual. No hacen falta cascos ni guantes, pero sí una conexión de banda ancha. El usuario tampoco está aislado. Todo lo contrario. Second Life desciende directamente de la nueva generación de videojuegos conectados. Hace años que los jugadores ya no luchan contra orcos o alienígenas controlados por su PC o consola, sino con o contra otros jugadores, conectados a través de Internet en cualquier parte del mundo. Tanto es así que las consolas de nueva generación, como Xbox 360 o PlayStation 3, han hecho de la conexión a Internet su baza más importante.

El negocio de los juegos online es inmenso. Se calcula que hay 10 millones de personas que pagan cuotas mensuales para jugar a través de la Red, y otros muchos que se conectan esporádicamente. Entre los más conocidos están World of Warcraft, Los sims. Según esta definición, Second Life es un MMOG, o juego online multijugador masivo. Pero también es mucho más que un juego. En Second Life no hay misión, no hay orcos que degollar ni zombies que ametrallar. A cambio, hay dinero, negocios, juegos, cultura y sexo.

Regulación Publicidad cerveja

2011-01-12T01:52:00.002+01:00

Sao Paulo. (EFE).- El Consejo Nacional de Autorregulación Publicitaria (Conar) de Brasil vetó hoy la emisión de un comercial en el que la actriz y millonaria estadounidense promueve una cerveja, por considerarlo "demasiado sexy".
Los 60 segundos protagonizados por Hilton en la campaña publicitaria de la marca Devassa bem loira (Devassa, bien rubia), de la cervecera Schincariol, fueron retirados del aire, al igual que algunas fotos de la página de internet, según comunicó el organismo regulador.
La decisión se tomó en respuesta a las múltiples denuncias elevadas al organismo por algunos consumidores y a la solicitud de la Secretaría Especial de Políticas para las Mujeres, que calificó la campaña de "sexista e irrespetuosa".
El Grupo Schincariol divulgó un comunicado en el que indicó que recibió las tres notificaciones del órgano, pero reiteró que el comercial "no ofende, en ningún aspecto, cualquier norma o orientación emitido por el Conar". Sin embargo, la compañía "acata la decisión y ya trabaja en la defensa del caso".

Las imágenes provocativas y en ropas insinuantes de Hilton ya fueron vistas por unos 400.000 cibernautas en el sitio de vídeos You Tube, según números divulgados por la empresa.

Publicidad en redes sociales

2011-01-12T01:21:00.006+01:00

Las redes sociales son uno de los fenomenos de mayor crecimiento en internet debido a todos los servicios gratuitos, utilidades y entretenimiento que proporcionan, el simple hecho de no tener costo es lo mas atractivo, pero las herramientas que proporcionan para crear tu propio espacio en la red como subir fotografías, musica, videos e intercambiar y compartir tus ideas con la comunidad mas grande del planeta y tus amigos, es el otro atractivo mas interesante. Las redes sociales mas populares de España son YouTube, FaceBook y Tuenti.

Utilizar estrategias de marketing en redes sociales, es tener presencia en 3 de las 10 paginas web mas populares del mundo. YouTube, FaceBook y MySpace en conjunto reciben mas de 500 millones de visitantes cada mes. Los visitantes son una cosa, y el numero de usuarios cautivos es otra, solo para que te des una idea, FaceBook, tiene mas de 200 millones de usuarios activos. Por esta razon, la publicidad en redes sociales es sin lugar a duda un mercado sumamente atractivo.

Cada una de estas redes sociales tiene su propio sistema de publicidad, el principal atractivo para los anunciantes es que la publicidad se puede segmentar de una excelente manera.

Que es segmentar la publicidad? Es hacer llegar tus anuncios exactamente a un sector del mercado que te interesa. Como se hace esto? Algunas de estas redes sociales conocen a detalle toda la información de cada usuario, ya que al abrir su cuenta tienen que proporcionar entre otras cosas:su ubicación, sexo y edad. De esta forma, podrías hacer llegar tus anuncios solo a mujeres solteras entre 18 y 25 años que viven en Venezuela. Te parece interesante?

Imagen subliminal

2011-01-12T01:20:00.000+01:00

Se considera publicidad subliminal todo aquel mensaje audiovisual que se emite por debajo del umbral de percepción consciente y que incita al consumo de un producto. También es aplicable a aquellos mensajes visuales que contienen información que no se puede observar a simple vista, como por ejemplo los anuncios de imagen fija en revistas ilustradas o en carteles. Puede considerarse subliminal una imagen transmitida de un modo tan breve que pase desapercibida por la mente consciente pero aun así, percibida inconscientemente.

Estas tecnicas dirigidas al subconsciente son utilizadas frecuentemente en los ámbitos de la publicidad, el cine o la fotografía

El estudio de la percepción comenzó su trayectoria a finales de la década de 1950. James Vicary, publicista norteamericano, demostró el taquistoscopio, máquina que serviría para proyectar en una pantalla mensajes invisibles que pueden ser captados por el subconsciente. Durante la proyección de una película aparecían fotogramas con el siguiente mensaje: "¿Tienes hambre?, come palomitas. ¿Tienes sed?, bebe coca-cola". Según Vicary el resultado fue asombroso: las ventas se dispararon.

Esta teoría causó posteriormente la preocupación de las autorizades de Estados Unidos en plena Guerra Fría, hasta tal punto que se aprobó una ley de prohibición del uso de la publicidad subliminal. Incluso la propia CIA lo quiso utilizar como recurso contra sus enemigos soviéticos.

Estudios posteriores no han demostrado que la publicidad subliminal genere ningun comportamiento cambiante en la actitud de las personas, aunque si bien es cierto, nunca sabremos con certeja qué reacción produce en nuestro insconsciente.

¿Mensajes ocultos para buscar respuestas o simples formas de la imagen?

Inauguración del museo no español con más obras de Dalí

2011-01-12T00:52:00.004+01:00

Ayer martes se inauguró en Saint Petersburg (Florida) “the Salvador Dalí Museum”, la mayor exposición del genio de la pintura Salvador Dalí fuera de España, demostrando la importancia a nivel mundial de su legado artístico. La inauguración va acompañada de muchos actos y de la asistencia de personajes importantes: El domingo se celebrará una jornada de puertas abiertas con visitas guiadas y talleres para los más pequeños y como guinda al final de la jornada la actriz Susan Sarandon ofrecerá una conferencia. También se ha celebrado un pasacalles “surrealista”, lleno de símbolos que representan al pintor, por las calles de la ciudad que ha finalizado en el museo y dónde la Infanta Cristina ha cortado la cinta inaugural en representación de La Casa Real Española. La fecha y hora elegida para la inauguración no son casual; la apertura oficial ha tenido lugar el 11 del 1 de 2011 a las 11,11 h como forma de homenaje al enigma y creatividad de Salvador Dalí.

El museo ha sido construido recientemente para sustituir a la antigua sede por el arquitecto Yann Weymounth y es un edificio moderno en forma de cubo y que incorpora un gran acristalamiento que pretende representar el misterio que emanan las obras de Dalí.

Este nuevo edificio acoge 2140 piezas de Dalí. Muchas de estas obras son procedentes de Cleveland Albert Reynolds y su esposa, que tuvieron una estrecha amistad con Dalí y Gala durante 45 años.
La dirección del museo tiene el propósito de hacerlo dinámico corvirtiéndolo en un centro referente del arte y la cultura: organizando charlas, proyecciones de películas e incluso clases de yoga inspiradas en la filosofía “Daliniana”.

Publicidad Intel Core i5

2011-01-12T00:10:00.001+01:00

Que el procesador Intel Core i5 es uno de los más rápidos del mercado ya lo sabíamos. Pero, yo nunca he imaginado ver una publicidad tan creativa para enseñarme eso. El video es todo basado en la idea del procesamiento simultáneo, o sea, aquél en el que podemos hacer varias cosas al mismo tiempo y con gran velocidad. Sin llevar en cuenta que él nos muestra todas las actividades en las cuales podemos aprovechar el gran desempeño de este procesador multinucleado. Lo que más que gustó fue ver como todo se ajusta perfectamente. Por ejemplo, la espía saliendo de un video y entrando en una publicidad en la cual coge un coche y sigue intentando escapar de sus perseguidores. ¡Chulísimo! Espero que os guste.

Via Updateordie

Procesos de trasformación visuales: Time-lapse

2011-01-12T00:09:00.006+01:00

Nada se construye de cero. Todo conlleva un proceso evolutivo hasta completar el resultado final, y este resultado es el momento visual final que nosotros podemos ver.
Los que busca la técnica de Time-lapse es mostrar cada uno de los momentos de creacion de los objetos o la naturaleza, desde su origen hasta su resultado final o muerte.

Solemos llamar time-lapse a una secuencia de vídeo acelerada, donde los acontecimientos suceden a una velocidad mucho más rápida de la normal. Hay dos metodos de realización: grabación de video y aceleración de la imagen, o la exposición de la imagen por fotografías a distintos intervalos de tiempo.

Esta ténica es muy utilizada en construcciones, fenomenos de la naturaleza o creaciones artisticas y publicitarias, mostrando de esta forma todo un proceso de creación que puede llevar días, semanas o meses, reduciento su tiempo en segundos.

Aqui tenemos una muestra de la erupción del volcan Eyjafjallajökullpor técnica Time-lapse

2011-01-12T00:07:00.001+01:00

Caixanova muestra 40 obras pertenecientes a la familia Zanchi

2011-01-11T23:58:00.003+01:00

Caixanova presenta, en su Centro Social de Santiago de Compostela, una exposición que reúne una selección de 40 obras de la pinacoteca privada de la familia Zanchi.

Se trata de piezas excepcionales, en la que se muestra la creatividad europea desde el s.XV hasta mediados del XIX. Su habitual ubicación se sitúa en Suiza, es por eso por lo que no podéis desperdiciar esta oportunidad única para apreciar obras de Mantegna, Durero, Tiziano, Miguel Ángel, Van Dyck, Caravaggio, Rubens, Murillo, Ribera, Ingres o Turner, fuera de su ubicación habitual en Suiza.

La exposición reúne obras procedentes de 27 figuras europeas de primer orden.
Para los amantes del arte europeo, podéis disfrutar de esta exposición hasta el 16 de enero.

Más información sobre horarios y visitas guiadas en

http://www.obrasocialcaixanova.com/es/cultura/detalle/10_10_zanchi_en_santiago

Arena un lienzo para en blanco

2011-01-11T23:53:00.002+01:00

Kseniya Simonova, una artista ucraniana que fue premiada por sus obras en la arena. Poco a poco se va haciendo un hueco entre ese mundo de 'artisteo' que tan plagado está.
En el Got Talent de Ucrania ésta mujer tan sólo utilizó arena + música + luz = Obra de arte.
Con estos tres apoyos es capaz de crear mil maravillas.

Got Talent es un programa de televisión de origen británico que ha sido vendido a muchos países (España está entre ellos) y Ucrania lo compró y puedo observar el talento de sus habitantes. La que más sorprendió fue Kseniya Simonova con su arena.

Ella retrató imágenes de la segunda guerra mundial de cómo la gente lo pasaba en ese conflicto bélico en el que Alemania invadió Ucrania. Momentos dificiles y a la vez bonitos de ver en la arena con esa música que es como si te llevase por un momento a esa situación.
Es un ambiente perfecto de creación.

Aquí está el vídeo con el que ganó el concurso. No hace tan sólo una imagen sino que hace una imagen y a partir de esa crea otra, simplemente... Increible.

El vídeo ha sido un gran éxito ya que ha sido visto por más de diez millones de personas en todo el mundo. De un programa de televisión al éxito asegurado.

Un museo poco convencional

2011-01-11T23:45:00.002+01:00

Adobe Museum of Digital Media es un proyecto que lleva un año funcionando y que propuso una novedosa propuesta interactiva a la que cualquiera puede acceder desde un ordenador, conjugándolo con una imagen futurista y las nuevas tecnologías. Es un museo poco convencional sin puertas ni guardias y abierto 365 días al año y 24 horas al día ya que se visita a través de internet.

El principal objetivo del museo es mostrar y preservar los trabajos que se hacen en un soporte digital y como estos afectan a nuestra sociedad. En el se aprecia la importancia de los medios digitales en nuestro día a día actual. Debido a esto y a la rapidez con la que se crean nuevos contenidos es Adobe Museum es una exposición dinámica y cambiante.

El arquitecto Filippo Innocenti se encargó de dirigir al equipo que diseñó el edificio virtual del museo, el cual si fuera físico ocuparía alrededor de 60.000 metros cuadrados. La dirección del museo corre a cargo de Rich Silverstein.

Al acceder a la página un guía con el que podemos interactuar nos irá mostrando la exposición. Aquí os dejo el link http://www.adobemuseum.com

El cómic que ganó el premio pulitzer

2011-01-11T23:44:00.004+01:00

Este cómic es ''Maus, Relato de un superviviente''. Es un cómic alternativo creado por el artista estadounidense Art Spiegelman. La obra, de casi trescientas páginas, se publicó partida en dos obras '' Mi padre Sangra historia'' e ''Y allí empezaron mis problemas'', concluyendo en un volumen final.
Recibió un premio Pulitzer en el año 1999, y ahora trataré de explicaros por qué. A parte, esta obra dio origen a una vía de novela gráfica contemporánea, la autobiográfica, frente a las y superheróicas y comerciales del estilo Watchmen y Batman.
Maus es la historia de un superviviente de Auschwitz, Vladek Spiegelman narrada a su hijo Art, el autor del libro. Además, el autor también realiza un retrato de su padre en la actualidad (en el momento en que se entrevista con él para que le relate sus recuerdos de la guerra). Spiegelman va más allá del Holocausto para introducirse en la psicología del superviviente y de las secuelas que dejó su experiencia el resto de su vida.
Para ello, Art emplea animales antropomórficos. Para representar a los judíos, emplea ratones (de ahí el nombre de la obra ''Maus'' que significa ratón en alemán), para los alemanes, los gatos, cerdos para los polacos, ranas para los franceses, ciervos para los suecos y perros para los estadounidenses.
Con una calidad gráfica y tales caracteres, parece imposible conseguir reflejar todas las dificultades que vivió el padre del autor y todas las horribles situaciones que se vivían por aquel entonces. Pues bien, lo consigue de un modo sublime. Tanto que a más de uno/a (me incluyo) se les ha caído alguna que otra lágrima durante la lectura de varios capítulos. ¿La razón? Es duro, realista, amargo, preciso, y transporta y atrapa al lector desde principio a fin.
Nunca he estado muy interesada por el mundo del cómic, pero fue un modo de abrirme los ojos para saber que este mundo es mucho más amplio de lo que pensamos.
Recomiendo sin duda que lo leáis, y a los que no os gusten mucho los cómics, hacedlo!

Panta Rhei, el paraíso de la ilustración en Madrid

2011-01-11T23:30:00.004+01:00

''PANTA RHEI EDICIONES se especializa en libros ilustrados para mayores y algún pequeño. Somos grandes admiradoras del trabajo de los ilustradores e ilustradoras, de los que dibujan e inventan historias y por eso dedicamos nuestra editorial a sus trabajos''

Panta Rhei es el nombre de una librería seminueva de Madrid, situada muy cerca de la calle Fuencarral, en C/Hernán Cortés.
La descubrí paseando por allí, y es que en este sitio tienen de todo. Desde cómics, hasta cuentos clásicos ilustrados por los ilustradores más actuales, libros de moda, de cine, ... Podría decirse que es el cielo para los lectores amantes de las artes gráficas.
Un detalle muy importante es que en la planta baja organizan exposiciones de todo tipo. La última que pude ver fué del ilustrador Sergio Jiménez, más conocido como ''sub_crew'' (WWW.SUBCOOLTURE.COM) Aquí podréis ver sus obras.

Y aquí os facilito el enlace de la librería:

http://www.panta-rhei.es/

L.A. Noire

2011-01-11T23:28:00.000+01:00

L.A Noire es un videojuego para PS3 y XBOX 360 que será lanzado probablemente en el segundo trimestre de 2011. El juego, creado por Team Bondi, es la perfecta recreación de Los Ángeles de finales de los años 1940. La historia es del detective novato Cole Phelps, que tiene que resolver una serie de asesinatos. Y como el nombre indica, L.A. Noire está muy influenciado por el mundo del film noir, que emplea temas detectivescos, tales como corrupción y drogas, por ejemplo. Otro punto interesante es que el juego se pasa en un mundo abierto, o sea, el jugador tiene un vasto escenario para explorar. En otras palabras, es lo mismo que ocurre en GTA o Prototype, hay un gran mapa que representa una ciudad y el jugador puede ir libremente donde le dé la gana sin ningún problema. No es como en los otros juegos que se tiene que seguir un determinado camino. Pero lo que más me llamó la atención en este título es la tecnología de captura de movimientos empleada para dar más vida a las expresiones de los personajes. Sí te interesa, haz clic aquí para ver el making of. Si a ti te gustan historias de detective, este es un gran juego para tener en su colección.

El poder de la creatividad

2011-01-11T23:26:00.004+01:00

¿Hasta que punto puede llegar un creativo? Siempre repleto de ideas, en muchas ocasiones muy sorprendentes.

Son muchas las campañas publicitarias que vemos día a día, oimos o percibimos. La cosa es que sólo algunas relamente llegan a impactar realmente al espectador o al menos a crear una cierta incertidumbre. Como si de un McGuffin se tratase, gran concepto de Alfred Hitchcock.

Imágenes gigantes, efectos especiales, incrustrar objetos en edificios etc. A veces parece simple porque muchas veces se cree que ya está todo inventado o pensando pero no. Cada vez utilizan un 'algo' nuevo que sorprende.

La publicidad creativa o más bien los creativos son imaginativos sin fin y gracias a ellos las campañas en ocasiones se pueden asemejar a películas de 35 mm.

No podemos olvidarnos de Coca - Cola empresa que tiene el mejor equipo de publicistas y creativos.

Nunca dejarán de sorprendernos [!]

La tartamudez de Jorge VI puede conquistar los oscars

2011-01-11T23:10:00.002+01:00

Como ya se ha podido comprobar con muchas otra películas como (“the queen” o la miniserie “Felipe y Leticia” en España) las historias de la realiza siempre venden. Este año parece que la película que opta a más estauillas en los OSCAR es “el discurso del rey” del director Tom Hooper y protagonizada por Colin Firth y Geofrey Rush.

La película nos traslada a la época en la que accedió al trono el padre de la actual reina de Inglaterra, Jorge VI. Esta fue una época turbulenta (el inicio de la Segunda Guerra Mundial) y de cambios tecnológicos. El boom de la radio era una ventaja ya que el pueblo podía acceder mejor a la información, pero en el caso del protagonista fue un motivo de gran angustia por su tartamudez e incapacidad de hablar en público. Por ello todavía siendo Duque de York intentó remediar su problema acudiendo sin éxito a muchos especialistas del habla. Su mujer finalmente encontró a un logopeda que empleaba técnicas modernas para el momento. La historia de la película narra la relación que se establece entre dos hombres tan distintos como un miembro de la familia real y un simple logopeda plebeyo.

El futuro Jorge VI en un principio no tendría porque convertirse en rey pero tras la abdicación de su hermano es el único candidato a asumir el trono. Los beneficios de la radio podían convertirse en su mayor enemigo para gobernar ya que para el pueblo era muy importante oír la voz de su rey y una persona tartamuda en aquella época era sinónimo de retraso mental. En todos estos momentos Jorge VI contaría con el apoyo de su logopeda, consiguiendo juntos solucionar el problema.

Es de celebrar que una película como esta sea la favorita para los oscar puesto que no es una película demasiado comercial. El film cuenta una historia apasionante de dos personas de mundos muy distintos que llegan a tener una verdadera amistad. Además la actuación de Colin Firth es execelente ya que es el en si mismo representa a la perfección la imagen de recio caballero inglés.

Lo Vintage está de moda

2011-01-11T23:07:00.005+01:00

Lo 'retro' lo 'vintage' que significa antiguo ya hasta fuera de moda. Pues en el terrenos de la fotografía e incluso de la moda (todas las modas vuelves) eso que quedó atrás vuelve a estar presente entre nosotros.

Ya no me refiero que se utilices cámara de hace 20 o 30 años o más sino que hoy con la tecnología que tenemos muchas veces queremos dar ese toque antiguo a nuestras fotografías.

Sin ir más lejos, Apple con su teléfono iPhone tiene aplicaciones como Hipstamatic, Quadcamera etc. en la que te permite sacar una fotografía con forma de antigua.

Al igual que las Polaroid, desde que el pasado año anunciase el cierre, los amantes de la fotografía fueron corriendo a comprar antes de que desaparezcan y puedan guardar esa reliquia tan preciada. Al final no hubo cierre por lo grandes ingresos que tuvieron o ¿fue una campaña publicitaria?

Parece que el pasado vuelve, habrá que estar preparado!

''Facebookmania'': la red de masas

2011-01-11T22:53:00.007+01:00

Facebook podría considerarse el boom de la sociedad de masas actual. La unificacion de tendencias igualitarias, gustos, sueños y estilos personales se dan vida a través de lo que podríamos denominar la red de masas, una sociedad controlada por internet, medios de comunicacion online y las redes sociales.

Las palabras 'tuenti' y 'facebook' son las más buscadas en internet en España, y cada día suma millones de usuarios a sus páginas. Es plataforma de lanzamiento de marcas, medios de comunicación, ideas, tendencias, creencias y al fin y al cabo formas de vida.

La sociedad de masas a convertido Facebook en su nueva tendencia, lo que ha provocado la necesidad de estar dentro de la red social, ya seas empresa, individuo o grupo. Formar parte de un grupo social de la red es necesario para estar actualizado, al igual que ocurre con las empresas y la red social como plataforma de conexion con sus clientes y lanzamiento de su marca.

Podemos encontrar millones de paginas creadas por usuarios de facebook que definen claramente esta cultura de masas.
Por ejemplo:
- En el top ten de las paginas con más usuarios de facebook, en el numero uno la plataforma de seguidores de Michael Jackson con más de 10.500.000 usuarios.
- En quinta posicion situamos a Barack Obama con casi 7.500.000 amigos.
- Cocacola gana adeptos en un decimo puesto con 5.000.000 de usuarios.

Luego encontramos las paginas más absurdas que llegan a conseguir miles de fans, una buena plataforma para promocion indirecta de productos, empresas o personas.Por ejemplo:
- Con 42.000 fans encontramos la pagina siguiente: 'Si dices 5 veces Belen Esteban delante de 1 espejo se te cae la nariz.'
- Con casi 200.000 encontramos 'Yo tambien he huído de una bolsa pensando que era una medusa'

Y es que 'Si no estas en la red, no existes'.

IV Premio Bienal de Pintura "Torres García-Ciutat de Mataró"

2011-01-11T22:38:00.003+01:00

La Associació Sant Lluc per l'Art Mataró (Cataluña) organiza de forma bienal un concurso en el que cuyo ganador será dotado de 9.000 euros. La presentación está abierta a todos los artistas mayores de edad y el tema y la técnica de la obra a concurso es completamente libre. La fecha límite es hasta el 15 de febrero.

Con esto se quiere fomentar el carácter creativo y emprendedor de aquellos artistas que no tienen esponsor ninguno, y cuya única plataforma de reconocimiento es a través de concursos de este tipo.

Para más información y alguna que otra indicación a seguir os dejo en link de la página con toda la documentación necesaria para participar.

http://www.artelista.com/articulos/news2245/iv-premio-bienal-de-pintura-torres-garcia-ciutat-de-mataro-html

Reflexión fallida sobre la muerte del límite artístico

2011-01-11T22:31:00.007+01:00

No se trata de un post nostálgico recordando aquellos tiempos en los que las redes sociales no condicionaban nuestras vidas, aquellos tiempos en los que había otros valores en cuanto a lo que el arte se refiere, aquellos tiempos en los que los músicos hacían las grabaciones musicales más complejas del modo más natural e innato... Básicamente porque no he tenido la suerte de pertenecer a las generaciones que pueden (o no) defender dicha postura.
Utilizaré la palabra Jazz y las referencias que haré hacia éste mundo (lo concebiré como mundo y no como estilo musical), para aludir a todo tipo de creación artística.
Músicos como Miles Davis, Ray Charles, Pinetop Perkings, Muddy Watters... (Todos procedentes de aquella seguramente añorable etapa artística) ¿Ya no existen? Sí, es una pregunta. A menudo pienso la cantidad de músicos superdotados que reinventaron algo tan dificil como el Jazz, creando el beebop o el acidjazz... Estilos nuevos, pero sin abandonar la esencia (cosa que creo que ahora se ha casi perdido). Al igual ocurre con los creadores de los cuadros más clásicos, y los que se atrevieron a dar el paso, a avanzar. Mi pregunta es ¿Hemos sobrepasado la linea imaginaria que limita lo que está bien y lo que no es posible, lo convencional y lo novedoso? ¿hemos perdido ese miedo que posiblemente formaba parte del encanto de toda creación artística? ¿Qué objetivos hay ahora? Me inquieta, personalmente, pensar que sí, que hemos sobrepasado dicha frontera. Que ya no impresiona tanto la novedad, que cualquiera puede considerarse músico, dibujante, editor, o lo que se quiera considerar.
Siguiendo en la línea del Jazz, me parece que pasa algo un poco más excepcional. Cada día escuchamos decenas y decenas de nuevos artistas que se aferran a la fama y olvidan su profesión. ¿Qué ocurre en la penumbra? ¿Qué les ocurre a los verdaderos músicos? o, mejor, ¿dónde carajo están?

En esta ciudad, cualquier día de la semana, puedes percatarte de que están ahí, de que la música sigue viva, pero la mayoría quizá no lo sepa.
''La Cockette'', el ''Café Central'', ''La Boca del Lobo'', ''Junco'', ''Tempo'', son algunos de los nombres de garitos en los que podemos introducirnos posiblemente en el verdadero mundo musical. Bandas de Blues, Soul, Jazz, Funk, pactan silencio y hacen resucitar cada noche músicos como James Brown o Nat King Cole.

Volviendo a la ''reflexión'', es posible que me responda a mí misma. Los límites entre lo posible y lo imposible van desapareciendo a una velocidad de vértigo. Sí, a mí me da vértigo pensar en la infravaloración de la música que considero un tesoro. Un verdadero arte (y con esto no trato de quitarle sentido a cualquier otro estilo o creación).
Lo más razonable es pensar en lo positivo de la ruptura de éste confín. Diremos que ahora hay más registros a los que acceder, aunque otros pensaremos que quizá estos registros eran más valiosos sin ser tan cercanos, tan explotados, tan comercializados.

Concluyo el post con un recuerdo musical y con algo actual y desconocido

Tennis Girl, una de las fotos más vendidas de la historia

2011-01-11T22:27:00.007+01:00

La fotografía titulada Tennis Girl fue realizada por Martin Elliott en septiembre del año 1976. En aquella época, Martin Elliot, era estudiante de fotografía en la Universidad de Birmingham.
Esta fotografía que se transformó en un cartel emblemático, supuso un icono que ha transmitió la liberación sexual, la sociedad permisiva, la hostilidad hacia las normas y las autoridades de la década de los 70. La protagonista es Fiona Butler, la novia del fotógrafo en aquella época, que posó para él con un vestido prestado, raquetas y pelotas de tenis.

A modo de póster y por el precio de 2 £ se han vendido más de 2 millones de copias, ocupando así las paredes de las habitaciones de muchos adolescentes. El póster hizo rico a su autor, sin embargo la modelo no cobro nada. Aunque Fiona Butler después se casó con un millonario y nunca se ha avergonzado de su posado.

Existen numerosas versiones de esta famosa fotografía como por ejemplo una interpretación con muñecos de Lego, el humorista Alan Carr o la cantante Kylie Minogue.

Rio 2016

2011-01-11T22:23:00.002+01:00

Hace poco más de una semana que nos han presentado el logo de los Juegos Olímpicos del Rio 2016 y él ya está generando controversias. Bueno, pero vamos a empezar desde el inicio. El logo presentado en 31 de diciembre del año pasado fue creado por la oficina de diseño Tátil y fue el elegido entre más de 100 propuestas en un proceso que duró cerca de 5 meses y envolvió 8 jurados expertos en diseño gráfico. Lo que el logo representa, como nos cuenta el propio sitio web del evento, es “la pasión del alma ‘carioca’, que acoge los demás con un abrazo y simpatía, como en un movimiento colectivo, excitante, y que representa nuestro modo apasionante de celebrar”. Pasión y transformación, esas son las dos palabras clave que resumen todo lo que se quiere transmitir con este símbolo. Y un detalle interesante, este es el primer logo ‘3D’ de la historia de los Juegos Olímpicos.

Si quieres, hay este video en portugués y subtitulado en inglés que enseña cómo fue creado el logo y las ideas e inspiraciones del equipo creador. Haz clic aquí para verlo. Hay también este otro, que es el video de presentación de la marca Rio 2016.

Y la polémica que dije en el comienzo del post es que hay gente que dice que este logo es un plagio de la marca de Telluride Foundation. A mí los dos no se parecen nada, pero hay personas que encuentran semejanzas.

¿Sería el contorno del “Pão de Açúcar” tan semejante así a un corazón? No me lo creo.

"La cocina en su tinta" exposición gastronómica en la BNE

2011-01-11T22:22:00.003+01:00

La gastronomía es un elemento fundamental en nuestro día a día desde hace miles de años: A parte de ser una necesidad humana, el bueno uso de la comida es importante para prevenir enfermedades. Además el acto de comer es desde siempre un hábito social en el que se da mucha importancia a las formas. Por todo ello, desde el pasado 22 de Diciembre de 2010 y hasta el 13 de Marzo, se celebra en la Biblioteca Nacional una exposición gastronómica, llamada "La cocina en su tinta", y en la que se hace un recorrido por la evolución gastronómica desde hace mil años a la actualidad.

En la exposición se aborda la gastronomía desde distintos puntos de vista importantes. Por ejemplo el de la higiene que es necesaria para prevenir enfermedades y que evitó muchas epidemias gracias a los primeros tratados de higiene. También se tienen en cuenta las ventajas que han traído los avances científicos y técnicos a la gastronomía desde el siglo XVIII para un mayor rendimiento en los cultivos.

En nuestros días las comidas y las cenas de negocios, celebraciones entre amigos o familiares, etc, son actos eminentemente sociales en los que son muy importantes las formas y el comportamiento en la mesa; pero ya hace siglos estos modales eran imprescindibles para las clases altas y en nobleza y realeza (protocolo). Por ello la galería también muestra la evolución de las costumbres en este sentido.

En la exposición podemos encontrar documentos que se guardan en la BNE como manuscritos, libros, revistas, fotografías, carteles, etiquetas publicitarias, música, etc: Algunos de los testimonios escritos que se presentan son del siglo XIV como el “Llibre del Sent Sovi” o el “libro de horas de Carlos VIII” y son fundamentales para conocer la historia de la alimentación europea en la Edad Media. Otros documentos son recetarios y menús de cenas reales, un ejemplar del “Dioscórides” que representa algunos de los alimentos procedentes de américa o el “Llibre de Coch” considerado el primer recetario escrito de España.

La muestra cuenta con unos comisionados de lujo: Ferrán Adrià, Isabel Moyano y Carmen Simón Palmer. Ellos también han querido aportar sus testimonios y experiencia en un soporte audiovisual junto a otros restauradores importantes.

El arte se adapta a las nuevas tecnologías

2011-01-11T22:18:00.006+01:00

Como todos sabemos, desde hace 10 años atrás, hemos podido ver como la herramienta de internet ha crecido a pasos agigantados. Todos sabemos que el futuro está en la red y prueba de ello es que hoy en día podemos adquirir o comprar cualquier cosa sin necesidad de movernos de casa.

La página web http://www.artelista.com/ no ha querido quedarse atrás y no solo ofrece información de las exposiciones más importantes a nivel nacional e internacional, sino que ofrece una amplia galeria de obras de arte como pinturas, esculturas, fotografías, collage y grafitis pudiendo ser adquiridos por el cibernauta bajo previo pago.

Las obras están creadas por jóvenes artistas que no tienen otro medio para ganarse la vida. Podemos apreciar que algunas obras no tienen mucho que envidiar a las creaciones de algunos artistas consolidados internacionalmente.
Aquí os dejo dos creaciones que se pueden adquirir en la página web.

Ruido y Luces de arte

2011-01-11T22:16:00.004+01:00

Son muchos artistas lo que se suman a la rama del arte sonoro. No tienen grandes seguidores, pero se hacen un hueco entre los artistas importantes de grandes exposiciones.
Este tipo de arte combina la luz y el sonido de objetos cotidianos de la vida, especialmente el sonido de la electricidad de la luz. Este concepto parte de la premisa de que 'El silencio NO existe desde el punto de vista del oído',un concepto que produce muestras en espacios llenos del ruido de la luz: sonido electrico, barras de sonido, pitidos, etc.

Arte sonoro es un concepto artificial que surge como una necesidad de definir todo lo que no cabe dentro del concepto música. Las obras artísticas de esta tendencia, utilizan el sonido como vehículo principal de expresiónLa mayor parte de estas obras son de carácter sonoro-visual, dando a la obra una nueva dimensión que envuelve al espectador.

La escultura sonora y la instalacion que conlleva genera nuevos sonidos constantemente, derivados de las conexiones electricas y tecnológicas, lo que hace de estas estructuras una renovación constante de su composición.

En el siguiente video se muestran un ejemplo de lo que podríamos definir como arte sonoro: Ryoji Ikeda con su escultura “Disenchanted Forest x 1001″

¿Realidad o ficción?

2011-01-11T21:38:00.013+01:00

Hay veces en los que realmente no sabemos si lo que estamos viendo es real o forma parte de un montaje tan realista que ni la percepción humana es capaz de distinguir.

Con esa herramienta es con la que juega el artista Filip Dujardin creando una serie de obras tituladas Fiction.

En la exposición podemos ver una serie de edificios urbanos creados a partir de fotomanipulaciones en escenarios que rozan el hiperrealismo y la fantasía.

Podéis ver la galería virtual y otros trabajos del artista en su página web http://www.filipdujardin.be/

El secreto de sus ojos

2011-01-11T21:38:00.009+01:00

El secreto de sus ojos se trata de una película del director Juan José Campanella, ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Una película ingeniosa y sorprendente ambientada en la Argentina de los años 70. En ella se relata la historia de Benjamín Espósito, secretario de un Juzgado de Instrucción de Buenos Aires que está a punto de retirarse. Obsesionado por un brutal asesinato ocurrido treinta años antes, decide escribir una novela sobre el caso del cual fue testigo y protagonista. Reviviendo el pasado, viene también a su memoria el recuerdo de una mujer, a quien ha amado en silencio durante años.

El video anterior es una parte de la trama y se trata de un espectacular plano secuencia de apenas 5 minutos de duración y según la crítica es uno de los mejores de la historia. Para su realización se necesitaron dos años de preparación, tres días de rodaje con los actores protagonistas y 200 extras, y nueve meses de postproducción, utilizando el mismo software que usó Peter Jackson para 'El señor de los anillos'.

Este clásico del cine está realizado por la productora 100 Bares propiedad de Campanella. A continuación podeis ver el making of que es aún más sorprendente.

Calendarios Pantone 2011

2011-01-11T20:45:00.007+01:00

Empieza el año y muchos negocios llevan repartiendo desde hace un mes calendarios con su logotipo con diseños muy poco atractivos. Pero también se pueden hacer calendarios muy creativos. Algunos blogs están regalando originales calendarios. Entre los calendarios con estilo Pantone que se han realizado para este 2011 destacan tres muy interesantes que incluso podrían llegar a decorar nuestras casas.

Pantone Calendar por Mutant Media, “un año en color”. Donde los colores van desde los colores cálidos (rojo – marrón) para los meses más calientes y lo frios (azules – grises) para los meses de invierno, los colores mostrados son verdaderas imitaciones del pantone.

Otro es el Dayboard Pantone Calendar por StokkeAustad un calendario poco visto y hecho en ocasiones especiales por los diseñadores de StokkeAustand con carácter minimalista, 365 placas magnéticas componen este calendario, con los colores que representan cada estación de año.

Y por último el de Derek Bowers, el calendario Oficial de 2011 para Pantone. Es un Calendario espectacular con el alma de Pantone, la idea era crear un calendario reconocible a nivel global, así que utilizó un círculo cromático que es un símbolo universal, de ahí se dispuso poner imágenes y motivos conocidos por la mayoría, utilizando fotos que acomodó de manera manual, casi 1440 fotografías. No se olvido ni de los días festivos.

Suburbial Song de Juan Cuéllar

2011-01-11T20:32:00.010+01:00

Juan Cuéllar expone hasta el 28 de enero en la conocida galería madrileña My Name's Lolita Art su trabajo Song, donde muestra lienzos y carboncillos realizados por este artista valenciano.

Los años 50 protagonizan esta exposición. No olvida esta vez la figura de Mickey, que aparece en numerosos proyectos a modo de inquietante pájaro, colgado en un cable o en un columpio, como propios espectadores o como una fiel amenaza (referencia a los pájaros de Hitchcock). En otras ocasiones utiliza la figura de Mickey para representar “el icono del ciudadano universal que lo impregna todo, como turista en su propio mundo”

Inland Empire

2011-01-11T20:25:00.003+01:00

David Lynch es uno de los directores de cine estadounidense más polémicos de la historia. Nación el 20 de enero de 1946 en Montana, Estados Unidos. Además de introducir su talento en el mundo del cine, también ha abarcado a lo largo de su carrera otros campos, como la pintura, la fotografía y, últimamente, está experimentando con la música electrónica.

Mas la obra que más me ha impresionado, sin duda alguna, es INLAND EMPIRE. Rodada en Polonia durante el 2005 muestra una historia retorcida con pinceladas pesadillescas. Deja entrever distintas tramas entrelazadas de manera compleja ocultando de manera sublime los nexos que existen entre ellas. El impacto visual es de gran potencia acompañado de una atmósfera sonora de distorsiones explosivas. El reparto cuenta con actores de la talla de Laura Dern, Harry Dean Stanton o Naomi Watts.

Lynch describe la película como “un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”.

Para todo aquel amante de lo excéntrico y la polémica visual, Lynch le abre las puestas de su mente para poder sumergirse en este mundo de fantasía.

¿Puede la tecnología convertirse en arte?

2011-01-11T20:22:00.001+01:00

Desde la aparición de los primeros síntomas de arte en la historia de la humanidad la tecnología ha hecho que se superen numerosas barreras en el campo de la exposición artística. Desde nuevos instrumentos de realización hasta nuevos formatos de expresión. Es evidente que no se puede desligar el arte de la tecnología.

Pero, ¿podríamos considerar a la mera tecnología un arte? Esta pregunta a acompañado a los artistas y la crítica durante muchos, muchos años.

Indagando por la red encontré este video.

Y no fue leve mi asombro al contemplar tal proeza tecnológica producida por un visionario. Aquí fue donde comenzó mi reflexión sobre esta conocida hipótesis: ¿Arte = Tecnología? Aquí es donde radica la propia reflexión y experiencia de cada uno.

Roca Barcelona Gallery

2011-01-11T20:15:00.005+01:00

Uno de los edificios construidos en Barcelona últimamente catalogados como un buen reto arquitectónico es el edificio referente de la marca Roca, líder mundial en espacios de baño, Roca Barcelona Gallery. Este innovador proyecto arquitectónico está destinado a acoger actividades sociales, culturales y expositivas de la marca.

Gracias a los led´s, que iluminan el entramado durante la noche, podemos admirar este edificio de 3 plantas, una de ellas subterránea, y 2.400 metros cuadrados. Esta concebido para compartir con el público todo lo referente a los espacios de baño. En su interior, gracias a las últimas tecnologías audiovisuales, podemos interactuar con él, por medio de pantallas táctiles y demás utensilios, para poder conocer la relación de Roca con el agua y la ecología.