Ernesto Neto

Las obras de Ernesto Neto pueden ser denominadas “experiencias de escultura” , pues exploran efectos corporales y sensoriales, e incitan al espectador a una participación activa. Cada vez los artistas buscan que el espectador se involucre para darle así el sentido completo a la obra.
En sus obras el cuerpo ocupa un lugar central, inseparable de una exploración de las dimensiones psicológicas y sociales del trabajo artístico. "Lo que trato de hacer con mi trabajo es proponer una nueva idea para sentir y entender nuestro universo. Yo no propongo una solución o un escape, sino un factor de bienestar… donde ellos (el público) pueda encontrar alguna tranquilidad espiritual" dice Neto.

El artista emplea tejidos que ejercen poderosos efectos sobre los sentidos, como el nylon, la espuma de poliestireno o la lycra con aspecto de caucho, que incitan a ser tocados a la vez que subrayan la ligereza y la permeabilidad de las estructuras que forman. En su obra “Nude Plasmic” realiza una construcción en forma de tienda de campaña se extienden por la estancia desde el techo al suelo, invitando a los espectadores a penetrar en ellas a través de angostos orificios. También construye voluptuosas esculturas corpóreas rellenas de espuma de poliestireno formando una mezcla de asientos y prendas de vestir, que el espectador puede utilizar para sentarse en ellos o llevárselos puestos (Humanoides).

Todas su obras son meditaciones íntimas a propósito de las sutiles membranas que constituyen los límites ente un individuo y su entorno, a la vez que aluden a los paisajes de una naturaleza terrena, extraterrena o bien microbiológica. "Me gusta pensar en el cuerpo como un paisaje de placer, como una meditación sensorial", afirma Ernesto Neto.

The Weather Proyect

El artista danés, Olafur Eliasson transformó en el 2003, el gran espacio del Turbine Hall de la galería Tate Modern de Londres, en un imitación de un gigantesco solarium, que atrajo a miles de fanático del sol artificial. Los espectadores, o mejor dicho, los participantes, al contemplar el espejo que formaba su techo veían un reflejo que completaba el semicírculo de la hilera de lámparas, así como un doble fantasmal de ellos mismos a través de una nube de vapor de agua. Esta técnica de introducir el exterior en el espacio interior de la galería, ya se trate de una cascada (Wasserfall,1998), una pista de hielo (The Very Large Ice Floor, 1998), un bosque (The Forked Forest Path, 1998) o un arco iris ( Beauty, 1994), como una crítica o instrumento para quebrar la visión institucionalizada de los que acuden a la galería, es sin duda una preocupación para Eliasson. Sin embargo, los proyectos internacionales y las exposiciones bienales a menudo lo sacan al exterior del museo, donde tiene mayor libertad para mantener su compromiso fenomenológico con el acto de ver y de experimentar el arte, bien sea vertiendo en un río decenas de litros de tite verde, bien dejando abierto un chorro para que el agua se infiltre en rincones ocultos de una ciudad. Los espectaculares resultados de una colaboración o investigación casi científica , como su caleidoscópica y cenestésica "Blind Pavilion" en la Bienal de Venecia de 2003, se obtienen desarrollando juegos de percepción. Eliasson se propone una situación y crea una maquina o un medio para conseguir su finalidad, pero dejando claro que, sin nuestra implicación, la maquina deja de funcionar.

Kara Walker, arte de sombras para no olvidar.

Kara Walker es una artista afroamericana reconocida por “explorar la cruda intersección de la raza, el género y la sexualidad, expresada a través de siluetas de tamaño real, que hacen alusión a la brutal y en ocasiones reprimida historia de las relaciones raciales americanas.”

La artista proyecta siluetas de papel, directamente en las paredes de la galería. Esto crea un ambiente teatral donde expresa la complejidad de identidades a través de personajes en forma de caricaturas, cuyas situaciones son fácilmente identificables. Cuando el observador atraviesa las instalaciones, su cuerpo produce una sombra en las paredes que se mezcla con las figuras de papel negro y paisajes.

En presentaciones de obras como la de Darkytown Rebellion (Rebelión de Darkytown) la artista utiliza proyectores con luces de colores en la parte superior de la sala, con el objetivo de iluminar el techo, paredes y el suelo y darle un toque realista a sus exhibiciones. Walker se basa en el realismo histórico de la esclavitud y en la fantástica ilusión de una novela romántica, para seducir e implicar al espectador a formar parte en las degradantes escenas de maltrato sexual, mutilación y humillación.

Mientras que el uso del lenguaje del siglo XIX crea cierta distancia del horror, el singular talento de Waker consiste en recordar al mundo civilizado un macabro espectro que no permanecerá en el olvido. Podemos decir que su arte hace referencia al concepto de sublime estudiado en clase, ya que se pone de manifiesto aspectos negativos basados en el temor.

Jenny Holzer, convierte la palabra en un elemento estético

A finales de los setenta y principio de los ochenta, artistas feministas empiezan a criticar abiertamente los conceptos de representación, de aura y de obra de arte y, sobre todo, potencia el diálogo con el mundo de los medios de comunicación. Artistas mujeres como Cindy Sherman, Robert Longo, Barbara Kruger, Jenny Holzer, entre otras, ya no trabajan con imágenes originales de la realidad o fruto de la imaginación, sino con imágenes apropiadas directamente de fotografías publicitarias, de temas televisivos y cinematográficos o de la misma historia del arte.

Estas artistas comienzan a reflexionar sobre el modo en que los códigos informativos y los mensajes publicitarios conformaban nuestras vidas. Para ellas, la forma en que percibimos la realidad no es nunca natural o neutra, sino que viene definida por los contextos políticos, económicos, culturales y sexuales. A partir de los años sesenta, el entorno queda definido, fundamentalmente, por los Medios de comunicación de masas.

Jenny Holzer empieza a utilizar en su obra los signos luminosos a los que recurren las grandes corporaciones, los edificios estatales y los centros comerciales para promocionar ideas y productos. Su propósito era recurrir a un instrumento de comunicación masiva para subvertir los mensajes y los modos de vida que esas instituciones defienden y promueven.En su trabajo, Jenny Holzer escribe textos profundos y filosóficos, que son proyectados o transmitidos en espacios públicos: en la calle, en las paredes de los edificios, en cuerpos de agua, en carteles publicitarios, en anuncios electrónicos. La palabra se convierte en un elemento estético. Expresa mensajes sobre temas tabúes como el sexo, la violencia, el amor, la guerra y la muerte.


A continuación unos videos donde Jenny Holzer explica alguno de sus proyectos.

Campaña "Disney Dream"

La compañía Walt Disney para promocionar sus parques temáticos decidió crear el año pasado ua campaña de imágenes reales de los clásicos de Walt Disney con celebridades. Las series de fotografías para esta campaña que se llamó “ Disney Dream”, fueron realizadas por la reconocida fotógrafa Annie Leibovitz. Podemos decir que estas imágenes son estetizadas, específicamente, autorreferenciales ya que no se refieren a algo real sino que nos sugieren otra realidad. A mi parecer son imágenes realmente mágicas y hermosas que nos hacen recordar nuestra infancia. Algunos de estas fotografías son:

Beyonde Knowles como Alicia en el País de las Maravillas

Gisele Bundchen como Wendy Darling, Mikhail Baryshnikov como Peter Pan

David Beckham como el príncipe de La Bella Durmiente

Julianne Moore como La Sirenita

Jessica Biel como Pocahontas

Un vídeo donde se muestra cómo la fotógrafa Annie Leibovitz recrea y realiza estas fotografías.

Ana Teresa Sucre