El último de la fila, el arte

En la Antigüedad y en el Renacimiento figuras como Lorenzo de Medici o El Papa Julio II promocionaron artistas de la talla de Miguel Ángel o de Rafael. Actualmente los estados suelen desempeñar este papel a través de los ministerios de cultura que pueden ser considerados como los nuevos mecenas del Arte. Sin embargo, a consecuencia de la actual crisis los fondos públicos asignados para estos fines se han visto sensiblemente mermados y han decaído en favor del cumplimiento de necesidades más imperiosas. De este modo, muchas proyectos planeados para los próximos años se han visto relegados de forma indefinida, como es el caso de la ampliación del museo IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno.

El proyecto aprobado iba a ser llevado a cabo por los prestigiosos arquitectos Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, conocidos como SANAA, autores de numerosos edificios de vanguardia como el New Museom of Contemporary Art de Nueva York y ganadores del premio Pritzer. Su estilo rompedor planteaba una nueva forma de visionar el museo, creando una especie de “jaula” a su alredor la cual permitía que el aire traspasara las paredes del museo, creando el flujo de los 5 sentidos.

La supuestamente innovadora ciudad de Valencia parece que se ha quedado estancada en La Ciudad de las Artes y de las Ciencias, y que por diversos motivos alegados que siempre suenan a simples excusas, el proyecto que la misma Generalitat presentó, está siendo retrasado ya indefinidamente. O no se quiere reconocer la falta de planificación y de adecuada gestión económica o en definitiva habra que reconocer que como siempre la primera víctima de las crisis económicas, y en este caso de la falta de previsión de nuestros gestores públicos, es la cultura y el arte.

Arte en el arte

La creación artística es considerada habitualmente como emanación del espíritu, del talento o del genio individual de un artista determinado. Hablamos de las pinturas de Velázquez, Picasso o Leonardo; de la música de Bach, Mozart o Beethoven, del David de Miguel Ángel o del discóbolo de Mirón.

Sin duda es la persona la que experimenta el acto creativo, pero en muchos casos éste se sumerge en una obra de un nivel superior al individual y podemos hablar de una auténtica creación colectiva.

En ocasiones descubrimos “colaboraciones” entre dos personas que han vivido distintas épocas históricas considerándose el artista posterior como un continuador o transformador de la obra del primero. El famoso Ave María de Schubert se interpreta sobre un preludio de Bach, Picasso pintó la Meninas de Velázquez, y así hay numerosos ejemplos.

La obra de Rodolfo Navarro, pintor y escultor valenciano, se basa en la interacción entre su propia creación y la que existe previamente a la que utiliza como marco arquitectónico y la transforma temporalmente para darle otra visión.

La fusión de la piedra de la Gran Muralla China con su pintura ha sido su obra más destacada ya que nunca antes se había utilizado este monumento como objeto integrado en una creación artística.En su libro “el Cuadro sin sombra” relata Navarro todo el proceso de elaboración de la obra de más de 1000 m2 asi como sus peripecias con las autoridades chinas para la obtención de los permisos correspondientes.

Violencia y arte

La historia de la humanidad es la historia de la violencia. En todas las épocas sin excepción se ha verificado el dicho de que “el hombre es un lobo para el hombre”.
El arte es una de las formas más eficaces de transmisión de esa indignación que nos provocan los crímenes que han sufrido los pueblos.
En ocasiones es más efectivo en esta misión que ver directamente o incluso presenciar una secuencia real violenta.
El Guernika de Picasso o los fusilamientos del dos de Mayo de Goya son claro ejemplos de ello.
Hoy las noticias de los horrendos asesinatos que el narco tráfico comete en México se asoman por nuestros medios de comunicación cotidianamente y el sobrecogimiento que inicialmente producen se va amortiguando poco a poco debido a su carácter habitual.
Sería necesario un Diego Ribera actual que llamara dramáticamente la atención con sus pinturas sobre la situación que se vive por ejemplo en Ciudad Juarez.
Este pintor supo comunicar como ningún otro el dolor que su pueblo sentía por los atropellos producidos en la conquista de su país.
Sin entrar en valoraciones históricas recogemos sus cuadros más famosos como un simple grito del artista ante la barbarie.
Nada menos que en el Palacio Nacional de México se encuentran sus murales que ya forman parte de la memoria colectiva de esa nación.

Una portada mítica

En la música, los artistas muchas veces hacen "covers" de canciones que admiran,cambiándolas a su antojo, y llegando muchas veces estas versiones a ser más conocidas que las originales. Lo mismo ocurre en la pintura, Picasso o Dalí reinterpretaron Las Meninas de Velázquez, y al hacerlo en sus respectivos estilos la obra queda prácticamente irreconocible.

Sin embargo, esta reinterpretación ¿ mejora o las devalúa la creación artística?. ¿No puede perder la obra su valor original?, su “aura” como diría Walter Benjamin, o quizás podemos pensar que cobra más importancia ya que hay una renovación del espíritu creativo basado en un camino abierto anteriormente.

En el pasado mes de diciembre la conocida revista Rolling Stone rememoró la famosa portada salida a la luz en Diciembre de 1980. Esta fotografía, tomada por Annie Leibovitz, ha sido considerada por la crítica como tratarse una de las imágenes más originales de la fotógrafa. Sin embargo su importancia radica en lo que ocurrió unas horas después :

En la puerta del edificio de apartamentos Dakota de Nueva York John Lennon fue asesinado por David Chapman y a la mañana siguiente: esta portada pasaría a la historia.

En el 2010, al cumplirse 30 años de la muerte del genio, la revista Rolling pidió a 35 artistas que reinterpretaran lo que hoy en día está considerada como una obra de arte, una parte de la historia. Muchos dicen que la imagen es un reflejo de la extraña e incomprendida relación que para muchos mantuvieron Lennon y Yoko : ella, fría y estática y el a su vera, acurrucado como un recién nacido al lado de su madre. Otros ponen de relieve la obsesión de John por superar o asimilar la carencia de una relación maternal durante su infancia y que se manifiesta en canciones como Mother.

De este modo al igual que continuamente aparecen nuevas versiones de los temas del famoso cuarteto de Liverpool, esto son tres ejemplos de las treinta y cinco visiones de la ya histórica portada.

Cuadros vivientes

Muchos al observar esta imagen dirán que es un "gran cuadro" o una "bonita pintura". Sin embargo, nada está más lejos de la realidad. Las imágenes mostradas son obras de Alexa Maede, artista hiperrealista que nos hace dudar y sorprendernos mientras nos preguntamos qué es lo real y lo ficticio en su exposición "Living Paintings".

Mientras unos artistas se centran en crear obras con grandes efectos tridimensionales, sirviéndose de nuevas tecnologías para trazar entornos y figuras inverosímiles en escenarios de ensueño o surrealistas, otros todavía no han sido seducidos por estas técnicas y prefieren cultivar y continuar la explotando la realidad bidimensional, que al contrario

de lo que algunos piensan, no está ni mucho menos acabada.

Ese precisamente es el caso de Maede, artista hiperrealista que como muchos otros seguidores de esta tendencia ,pretenden plasmar la realidad con más fidelidad que la propia fotografía, o en palabras de la misma Maede , quiere conseguir una "integración de la realidad en la obra".

Muchos se sorprenderán al situarse frente a cualquiera de sus "cuadros" cuyos protagonistas son los seres humanos, customizados y cubiertos de pintura mediente el tan de moda "Body paint" y el posterior "rediseño de la piel, la ropa , y los materiales".

En mi opinión, la busqueda de la realidad objetiva, "la cosa en si" de los filósofos es una tendencia cosntante en el arte, pero quizás sea una tarea imposible despojarse de cualquier interpretación subjetiva del observador y siempre existirá una interpretación que impida la neutralidad del artista.

Todo depende del ojo con el que se mire

La percepción de cada persona ante la misma imagen por muy obvia que ésta parezca puede variar. La atención condicionada por determinados gustos y experiencias, la formación previa, el entorno en el que uno ha vivido y sus recuerdos, los deseos inherentes a cada alma humana pueden causar que una realidad única se transforme en múltiples realidades según quien sea el que la perciba. Del mismo modo que una página literaria o una composición musical generan diversos sentimientos hasta el punto de que al comentarlas parece que se trate de obras distintas, las imágenes provocan una situación semejante.

El test de Rosrchach es un método ideado por el psicólogo del mismo nombre basado en una serie de 10 láminas que presentan manchas de tinta, las cuales se caracterizan por su ambigüedad y falta de estructuración. El psicólogo pide al sujeto que diga qué podrían ser las imágenes a fin de conocer su personalidad.

¿Qué veis en estas imágenes?

Seguro que cada uno ve algo distinto, porque la imagen es algo que tiene vida propia que cada ser humano recrea en su interior.

El cerebro humano también juega con la realidad, mirad sino esta bailarina:

¿Hacia que lado gira? Obligar a vuestra mente a que gire hacia el lado que deseáis, pero en realidad no lo hace hacia ningún de ellos. La mente es más poderosa que lo material y la realidad no es única.

El Arte ¿una "maría"?

Una “María”. Ese es el calificativo que tradicionalmente se viene dando a las clases de música o dibujo en nuestros colegios. Salvo alumnos que se sientan especialmente llamados, el arte en general esta degradado desde tiempo inmemorial y viene a ocupar un segundo plano en la formación de los niños. Mientras que en el mundo clásico los griegos ponían a la música, la escultura o el deporte al mismo nivel que la filosofía o el Renacimiento se centró en la exaltación de las artes, hoy en día nuestra sociedad la relega en muchas ocasiones a un mísero segundo. ¿Qué podemos esperar de una civilización que ignora los efectos de una educación integral que no solo se centre en las ingenierías y finanzas? ¿Qué efectos puede tener esto en una sociedad que se educa en la teoría y no en la práctica ni en las artes?

El profesor Bisquert, experto en estos temas, señala que aquello que enriquece al niño en su capacidad creativa no es la obra creadora sino su proceso creador, es decir, ese suceder continuo de decisiones de toma de postura ante un diálogo abierto con aquello que se está creando. Esto es lo que le afianza en su personalidad. ¿Y no es acaso esto la base de partida de toda educación? La danza, la música, el teatro y las artes plásticas en la educación establecen una serie de condiciones importantes que ayudan a la integridad en el desarrollo del alumno, tales como la expresión y la simbología; la imaginación y la creatividad, el sentido estético, la apreciación artística, la sensibilidad, la percepción y el conocimiento. Si estos elementos integradores de la educación artística no se establecen en el campo educativo, la formación del niño no se realizará dentro de un sentido pleno y difícilmente habrá una relación armónica entre el individuo y el mundo exterior.
Enseñar a apreciar el arte debería ser una preocupación de los legisladores. Dotar a los ciudadanos de elementos críticos que les permita participar en eventos que actualmente están reservados a una minoría especializada, no se consigue espontáneamente y de la noche a la mañana sino que requiere un previo caldo de cultivo que debe conseguirse desde la perspectiva de la educación básica. En España los sucesivos planes de estudio han sido muy efectivos y en ocasiones resulta penoso observar el aburrimiento de los adolescentes tocando una flauta dulce o cubriendo el expediente haciendo sus deberes de plástica.

¿Los tiempos han cambiado?

Las campañas de determinados partidos políticos catalanes para captar los votos de la ciudanía han vuelto a abrir recientemente el debate sobe el uso de la mujer y el sexo como reclamo publicitario: Puede que el tan manido tema de igualdad de género resulta cansin

o hoy en día, pero sin embargo un problema que nos parece tan arcaico sigue vigente. La lucha constante de las mujeres para hacerse un hueco en la sociedad, se remonta a los años 60 cuando el feminismo comenzó a entenderse como un movimiento de reivindicativo al mismo que la lucha racial, y el surgimiento de los medios de comunicación y la publicidad no hizo más que plasmar la realidad discriminatoria al mismo tiempo que mediante anuncios e imágenes se fomentaba esta estética.

Esta publicidad de "Dormeyer" por ejemplo, muestra una lista de regalos que la mujer puede sugerir a su marido que le compre, todos ellos, como no, relacionados con las tareas domésticas.

Estas imágenes probablemente nos sorprendan y escandalicen. Sin embargo ¿hemos evolucionado realmente? Si bien en algunos aspectos hemos avanzado, ¿encontramos diferencias entra este anuncio de lejía de la marca Wipp Express, de los años 80 con los que hoy en día bombardean nuestra televisión?

Anuncio "Wipp Express" años 80

Puede que hoy en día los slogans sean más sutiles, sin embargo, y aseguramos que "los tiempos han cambiado". ¿Es realmente así? Una imagen vale más que mil palabras.

¿El arte saca lo mejor de nosotros mismos?

El Grito - Edvard Munch

Muchos afirman que el arte saca lo mejor de nosotros mismos. Tanto el aspecto activo de la creación artística como el pasivo de contemplación y admiración de la belleza, han sido citados por reconocidos pensadores como elementos diferenciadores del ser humano; y aunque se diga que “la música amansa a las fieras” podemos admitir en principio que lo sublime del arte solo puede ser captado por inteligencias superiores, como se supone que ostenta la especie humana.Sin embargo, ¿hasta qué punto la interpretación del receptor puede en ocasiones distorsionar los mensajes, si es que los hay, que se lanzan al público por el acto creativo de un determinado pintor, escritor o músico.

Desde el ejemplo de Don Quijote de la Mancha, enloquecido por tanta lectura de libros de caballería hasta la mente paranoica de Adolfo Hitler que escuchaba con delirio las obras wagnerianas, a las que simpáticamente criticaba Woody Allen señalando que “al escuchándolas le entraban ganas de invadir Polonia” hay numerosísimos casos de personas que se han sentido iluminados a realizar auténticas barbaridades como consecuencia o al menos avalados por un cuadro, una novela o incluso una canción.

Uno de los sucesos fue el brutal asesinato en 1969 de la actriz Sharon Tate embarazada de ocho meses, por miembros de la secta de Charles Manson quienes se habían sentido "llamados" por la canción "Helter Skelter" de The Beatles. Según éste, la canción era como un anuncio del Apocalipsis. ¿Cómo es posible que la mente humana llegue a tales extremos? ¿Cómo afecta el arte al subconsciente humano? ¿Qué mensajes llegamos a captar? Verdaderamente no me imagino a ninguna otra especie animal que sea capaz de entender el arte de esa forma.

No se qué idea del arte tendría Inmanuel Kant pero quizás sea cierto que antes de la edad moderna los artistas se centraban más en retratar el lado bello de el ser humano, o al menos tenían una visión positiva de la humanidad. El arte clásico, el barroco o el gótico parten de esta premisa. Pero a partir de ahí, y mucho más en la época contemporánea vemos ejemplos que van mucho más allá de esta visión y que quizás sean consecuencia de espíritus mucho más complicados y atormentados que los antiguos. Ellos quizás no entenderían una obra como El Grito de Munch ni catalogarían como arte los sonidos que emite una computadora electrónica.

cuadro hecho con sangre humana

Richard & Richadson : dos artistas, dos tiempos

Puede que en un primer vistazo poco tengan que ver las obras de dos de los fotógrafos con más renombre de los últimos tiempos: Richard Avedon y Terry Richadson. Mientras el primero fue un icono de la fotografía y un respetado artista dentro del mundo del arte, gracias a su ingenio y gran potencial, fotografiando grandes personajes que definieron las míticas épocas de los 60 y los 70, el segundo se caracteriza por captar momentos difíciles de mirar, y que atentan por muy absourdo que parezca, ala sensibilidad de la sociedad más puritana estadounidense.

Las carreras de ambos están marcadas eso sí, por el éxito profesional (trabajos para Harper’s Bazaar, Vogue o Look y publicidad para grandes marcas) pero también por una huella de radicalismo estético y fotográfico que contrasta con la simplicidad y sutileza de sus imágenes.

Modelo Richard Avedon Modelo Terry Richadson

Uno de los destacados triunfos de Avedon fue desmitificar cómo debían posar los modelos de la época, consiguiendo que se mostraran naturales, libres, creativos y en definitiva como lo harían en su vida cotidiana; rompiendo de tal manera con los tradicionales esquemas de poses impasibles y rígidas, algo que vemos diariamente en el blog de Terry, donde se muestra a las modelos sin ningún maquillaje y con una look "nude".

Avedon tuvo una vida profesional repleta de victoria y fama, y algo similar está ocurriéndole al fotógrafo de moda Terry Richardson, ambas vidas guiadas por su frenético ritmo llevándoles a realizar trabajos en todos los rincones del planeta tanto publicitarios como artísticos.

Obama por Terry Richadson

Una de las obras más conocidas de Avedon es el retrato que realizó de los Beatles en 1967, consistiendo en cinco retratos psicodélicos: cuatro retratos multicolores que incluían a cada miembro de la banda de manera individual y otro en blanco y negro con la banda en su totalidad

Al igual que Richardson, Avedon trataba de conseguir con su trabajo era mostrar aspectos de su interior, con una simplicidad y una "técnica incorrecta" (como se le tacha a menudo a Richardson) que precisamente por ello, impacta y sorprende a quien la observa, confirmando que no son necesarios grandes efectos técnicos para conseguir dejar huella.

Terry Richardson / Richard Avedon

Dos fotógrafos diferentes y al mismo tiempo con ideas muy similares : captar la realidad tal cual es, aunque en el caso de Richardson, una realidad con acento en la cara más polémica de los seres humanos. Sin embargo, mientras el mérito de Avedon ya está consolidado, todavía falta por probar si el reciente boom de Richardson se quedará en una mera moda pasajera o si, como es el caso de su compañero, pasará a la posteridad.

Un videoclip sin cámaras

Si hay algo que el siglo XXI ha traído consigo de la mano es el desarrollo de nuevas tecnologías : imágenes en 3d, teléfonos con funciones de ordenador y ordenadores con tamaño de teléfonos móviles contribuyen día a día a que, en lugar de interactuar entre nosotros vivamos pegados a un dispositivo del tamaño de nuestro bolsillo o con las manos pegadas a un teclado mientras enganchamos nuestros oídos a algún auricular. Sin embargo, ¿qué tiene ésto que ver con el arte? Mientras que en el pasado los artistas se servían de lienzo y pincel, ahora sus armas son mucho más sofisticadas y las formas mucho más amplias, limitándose no solo a las artes plásticas, si no también al ámbito audiovisual.

Las posibilidades son infinitas y cada vez son más los que se animan a experimentar con ellas, como es el caso del grupo musical Radiohead.

A menudo, los vídeos musicales se limitan a ser un mero instrumento de promoción estético o son utilizados como simple acompañamiento musical, pero en este caso el grupo de Thom Yorke junto con el director James Frost (que ha trabajado entre otros, con grupos como White Stripes o Interpol) , decidieron en el año 2008 lanzar un vídeo experimental para su canción "House of Cards" en el que no se utilizó para su grabación ni una sola cámara. "Siempre me gustó la idea de usar la tecnología de una manera diferente, para la que no hubiera sido pensada ni concebida. Me gustaba la idea de hacer un video con seres humanos en tiempo real sin usar cámaras, sólo lásers, de manera que fueran sólo puntos matemáticos, y ver qué tan emotiva terminaba siendo la experiencia“ declaró el cantante.

Huyendo del formato tradicional y gracias a los programas Geometrics Informatics y Velodyne Lidar crearon un vídeo mediante imágenes captadas por láser de software en 3d.

Con el primer programa se captó la actuación de Thom Yorke en directo y al público que asistía al concierto mientras que el segundo utilizó 64 luces laser que giraban 360 grados para captar todo el recinto.

El resultado es sin duda, llamativo, novedoso y muy original.

¿Qué es el arte?

Este vídeo es una grabación de la reciente y curiosa exposición de Yoko Ono en el MOMA de Nueva York: un orgasmo fingido frente a un público que escucha atento y sobre todo, atónito. Exposiciones de carácter transgresor tienen lugar diariamente en museos de todo el mundo, y son estas representaciones actuales las que cada día, desdibujan las barreras de la repuesta a esta simple pregunta: ¿Qué es entonces el arte?

Según la Real Academia Española, el arte se define como “la Virtud, disposición y habilidad para hacer algo” es la “manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”.

A lo largo de la historia podemos observar como el concepto de arte ha ido cambiando: Los impresionistas creían que la base del arte se fundamentaba en la captación lumínica, como la luz afectaba a las formas y a los colores de nuestro alrededor, los realistas querían captar la realidad de su tiempo, con escenarios de denuncia y algunos más transgresores, como Courbet, pretendían mostrar el lado más polémico y onírico del ser humano, mientras que los románticos como Turner o Delacroix, luchaban por ser aceptados por la academia a pesar de que sus técnicas pictóricas no eran del agrado del gusto de los más clásicos

Viento,vapor y velocidad - William Turner (romanticismo británico)

Cada movimiento artístico nuevo, suponía una ruptura con el anterior, un acto de rebeldía, intentaban desligarse con lo que sus antecesores habían realizado y de lo que era considerado como “arte”, ampliando siglo tras siglo nuestra concepción del mismo, hasta que con la llegada del expresionismo y el cubismo las formas fueron quebrándose, subjetivándose, convirtiendo sus obras a menudo en un rompecabezas, mientras que los surrealistas ponían el pincel al servicio de sus sueños.

La Danza - Henry Matisse

Juan Gris

Muchos, como los llamados dadaístas, se plantearon esta cuestión y en cada una de sus exposiciones, manifestaban esta ambigua cuestión a menudo sin respuesta.

La fontana - Marcel Duchamp

Ejemplo Dadaista

Estos artistas poco a poco fueron abriendo el camino hasta nuestros días, días en los que la visión de lo que es artístico y lo que no es a la vez más difuso pero también más amplio. Cine, música y artes plásticas han pasado a formar parte de un todo, un todo en las que las definiciones y las reglas no están permitidas.