KRISTYNA MILDE: CONVENTIONS, CONSUMERISM, ART AND WOMAN.

Kristyna Milde is a Czech multi-discipliner artist who owns a very genuine style and a huge plastic versatility. Her work explores several sources of creation and inspiration; consumption, mass culture, women image, the auto-perception into the world, the culture models… Reflective, critical, even incisive, but at the same her work accumulates magic and almost childlike sweetness: no doubt she attains her artwork by talking itself.

Q - Kristyna, would you please tell us just a bit about your career. How did you start in the artistic world?

A - I am coming from a creative family; my mother and my younger brother are both artists. My mother is a painter and she also writes poetry. My brother is a conceptual artist working with the theme of personalizing the urban environment.

I have been creating things since I was really young – drawings, paintings, sculptures. It was the most natural way of expression for me. I started to take various courses and finally decided to study painting. I went, along with my future husband Marek, to Basel Switzerland to study at the Assenza Malschule and spent four years there. After that we moved to New York and went to the MFA program at the Queens College, where we both graduated in 2007.

Q - Many of your works use Barbie dolls, Action men, or their accessories to be developed. Why do you use these tools for your creations? What are the meanings or intentions?

A - When I was little, there was still a communism in my home country. The market was very limited. I played with simple toys, most of them made by my mother or grandmother. I also had some old toys. After therevolution in 1989 the market was suddenly overflowed with the western products I was shocked by the amount of things and commodities, and the mechanisms of a quick disposal. I mean, after the period of restriction, everything was suddenly allowed. People started to buy things, they could not even dream of before. Instead of one type of yogurt you have 20. I guess people were also disoriented, they did not know what is enough. So on one side you have this hyper consumption and on the other side you have the disposal of "old" things, which are not "god" anymore. And we end up in the cycle, which can't really fulfill anything. I think that is why I feel still quite sensitive to the overpowering market production, and its effects on the human behavior. In my view kids playing with toys are not just playing, they are learning and absorbing specific perspective of reality given by the producer. Children project their self-image onto the doll in an attempt to identify with it, which often results in a so-called Barbie syndrome: the child longs for having the same physical appearance and social status as the doll. The plastic toys, especially Barbie dolls, in my opinion symbolize the dark side of commodity exchange. By placing them in a different context in my artworks, I am trying to disclose the nakedness and emptiness of such things.

One of the inspirations for this part of my work is a book called “Momo” by Michael Ende. The girl Momo has the gift to listen to people in such a way, that they start to understand themselves better. She lives in an old amphitheater and has almost nothing, but she also does not need much. The only think she really needs is friendship. There are Grey Men in the city, stealing time from people. Momo, who tends to spend time with playing and listening to stories, gets uncomfortable for them and they are trying to get rid of her. First they separate her form her friends by making them too busy to come and play with her. When she is quite alone, they come with a car full of stuff and give her the perfect doll. Momo tries to play with her, but the doll says the same things over and over again. She only wants to get more clothes and accessories. Finally, Momo gives up and gets bored, which never happened to her before.

I think that this story is quite significant as it says a lot about our social and cultural behavior today.

Q - Specifically in works like cUMENI or The Tribuna of the Uffizi, what do you try to transmit/denounce?

A - cUMENI combines two seemingly different approaches of depicting women: the history of European painting and modern pop culture. The word čUMENI, plays in Czech language, plays with the words art and gaping. In this project I critically examine how modes of representation distort our perception of women. The Barbie doll plays the role of historical icons in recreations of world famous paintings. 
The presented ideal manipulates a woman’s concept of her body and creates an artificial identity. This model reduces a woman to an object of desire and visual pleasure and has a negative effect on her self-image. 

As traditionally recognized media; paintings sanction the male gaze, which would be considered voyeurism in other contexts. 
Using the historical painting as a stage, with a female icon represented by the modern Barbie, I want to show the similarities between stereotypical representation in the past and in the present time. I am also interested in how playing with artificial mass produced toys influences the youngest generation. What ideals are they identifying with? What consequences does it imply for their development? With cUMENI I want to inspire contemplation and reconsideration of the visual culture and its impact on the formation of identity and gender relations.

Q - And what about your work 1959?

A - 2009 marks the 50th anniversary since Ruth Handler designed the Barbie doll. I was thinking: How strange, that the doll did not age since then? She still looks as fresh as in the late 50s; a symbol of never aging beauty. So I decided to confront the idealized image of the Barbie Doll, the symbol of successful consumerism, with the everyday reality. I asked myself how would a person, who would live the life of the character of ”the perfect consumer” looks like in its fifties. I focused on the gap between the dream, the prefab ideal of consumerism, and the real process of ageing and deterioration. There is a photograph in the 1959 series, where Barbie is celebrating her birthday with a huge cake in her apartment. In my project, she does not look like Cinderella, but rather as a middle-aged woman she is supposed to be. Her body is affected and transformed by the reality of her life. She is obsessively shopping and over consuming the products of the never-ending sales and media spectacle. While obeying the rules to became the perfect consumer, she turns in to an absurd character fulfilling the imperative to enjoy!

“Diet, injections and injunctions will combine from a very early age to produce the sort of character and the sort of beliefs that the authorities consider desirable and a serious criticism of the powers that be will become psychologically impossible.”

Bertrand Russell, “The Impact of Science on Society” 1952

Q - There are many other artworks not related to Babies nor dolls, but with women. For example Her Hair, where you show your creations developed with hair. Tell us a bit about this project.

A - In the project “Her Hair,” I have worked with female hair using various medias such as photography, installation, and animation. It explores my identity in the relationship to the outer world. The perspective of my body and my personal experience is the starting point of my exploration. I use the feminine attributes to deconstruct our images of identity and cultural conventions.

I see the hair as a mediator between my own body, the outside and myself. The hair is part of my identity, something familiar, but it also has its own life. It is growing, expanding into the space. In the project “Her Hair”, I want to stretch the possibilities of the physical limits of hair. The underlying content focuses on the psychological aspects of physical experience and the search for emotional closeness and connection.

The perspective of my body and my personal experience is the starting point of my exploration. I use the feminine attributes to deconstruct our images of identity and cultural conventions.

Q - What are you currently working on? And are there any future projects?

A - One of the projects I am currently working on is “The Tribuna of the Uffizi”. I am recreating a painting byJohann Zoffany from 1772-8. It portrays the Uffizi Gallery in Florence with the major paintings and sculptures from renaissance and antiquity. It is a very complex project; because I am restaging every single painting in the picture and afterwards I will recreate the whole piece in 3D. The final presentation will be a large-scale photograph. Zoffany's painting can be used as an illustration of the eighteenth century idea of the "masterpiece”. Zoffany is creating a conceptual framework to parallel the classical ancient and renaissance tradition. He is trying to justify the idea of cultural continuity. By replacing the human figures in the paintings by contemporary toys, I am adding a new layer of reference to deconstruct the idea of a masterpiece.

Q - Your works are exhibited to the public in the flickr’s account from MILDEART, what is exactly MILDEART?

A - MILDEART is a loose name, which combines my and my husband’s work. It derives form our last name Milde. We are collaborating on most of our projects. Each of us has an individual art practice, but we are always conceptually and practically helping each other. We also have some projects where we are “officially” working together.

Q - Are currently any other exhibitions/galleries where we can find your artworks?

A – During this month my husband and I we are participating in a one-month work-in-progress residence at the Queens Art Center in New York. We work on a project called “Looking for Home”, which deals with the theme of consumerism and mechanisms of disposal. We will create an apartment room furnished solely with furniture found during the period of one month on the streets of New York. It will be followed by a group show in May at the same location. I was also featured in the March issue of the Godele Magazine in Belgium. The article has 6 pages with large size photos of my cUMENI.

Q - What is your personal opinion about the current situation of the Contemporary Art and artist? How do you see the Contemporary Art market?

A - This is a very complex issue, with a wide range of angles. I had the possibility to get the know some of the mechanism in the art market and I would say that the experience was rather controversial. I think that is very important to differentiate between the creation of art, the presentation and the market. Each of them has a specific rules and problems. It is a very competitive and selective system.

Collector wants to be a curator, curator wants’ to be an artist and artist wants to marry a collector.

Other related links:

http://www.mildeart.com/

http://www.queenstribune.com/leisure/Leisure_020311_ExhibitQC.html

http://www.greenpointstar.com/pages/full_story/push?article-Artists+to+Audience-+Express-Local+puts+15+city+artists+in+Queens%20&id=11329241&instance=lead_story_left_column

KRISTYNA MILDE: CONVENCIONALISMOS, CONSUMISMO, ARTE Y MUJER.

Kristyna Milde es una joven artista multidisciplinar checa que posee un estilo muy personal y una gran versatilidad plástica. Su trabajo explora diversas fuentes de inspiración y creación: consumo, la imagen de la mujer, la auto-percepción frente al mundo, los modelos culturales… Reflexiva, crítica, incluso incisiva, aunque al mismo tiempo su obra atesora una magia y una dulzura casi infantiles: sin duda consigue que sus obras hablen por sí mismas.

P - Kristyna, ¿puedes contarnos un poco acerca de tu carrera ¿Cómo empezaste en el mundo del arte?

R - Provengo de una familia creativa; mi madre y mi hermano menor son artistas. Ella es pintora, y también escribe poesía. Él es un artista conceptual y trabaja en la línea de la personalización del entorno urbano.

Llevo creando desde que era muy pequeña: dibujo, pintura, escultura. Para mí eran formas naturales de expresión. Hice algunos cursos y finalmente decidí estudiar pintura. Estuve cuatro años estudiando en Assenza Mlschule, en Basel, Suiza, junto con mi marido, Marek. Después nos mudamos a Nueva York y asistimos al programa MFA en el Queens College, graduándonos ambos en 2007.

P - En la creación de muchas de tus obras utilizas muñecas Barbie, Action Men, y algunos de sus accesorios. ¿Por qué incluyes este tipo de objetos en tus creaciones? ¿Cuáles son sus significados e intenciones?

R - De pequeña, en mi país, existía un régimen comunista. El mercado era bastante limitado. Yo siempre jugué con juguetes muy simples, la mayoría fabricados por mi madre o mi abuela. También tuve algunos viejos juguetes. Tras la revolución de 1989 el mercado comenzó a desbordarse repentinamente de artículos del oeste, yo me sentía abrumada ante la cantidad de productos y comodidades, ante los mecanismos de la disponibilidad. Quiero decir que, tras un gran periodo de restricción todo estaba repentinamente permitido. La gente comenzó a comprar cosas con las que antes no podía ni soñar. En lugar de un solo tipo de yogurt de repente tienes 20. Creo que la gente también estaba desorientada, no sabía cuánto era suficiente. Por tanto, te encuentras por un lado con un híper-consumismo, y por otro con el desecho de todas esas cosas “viejas” que ya no tienen “valor” alguno. Creo que por ese motivo soy completamente sensible al asfixiante mercado de producción en masa y a sus efectos sobre el comportamiento humano. Desde mi punto de vista, los niños juegan con juguetes que no son un simple juego, ya que también estarán aprendiendo y absorbiendo la visión específica de la realidad que imprima el fabricante. Ellos proyectan su propia imagen sobre el muñeco intentando identificarse con él, lo que a menudo provoca el conocido “Síndrome Barbie”: las niñas anhelan la misma apariencia física y estatus social de su muñeca. En mi opinión, los muñecos de plástico, especialmente las muñecas Barbie, simbolizan el lado oscuro del mercado de las materias primas. Situándolos en diferentes contextos dentro de mis obras, intento revelar la desnudez y la vacuidad de ese tipo de realidades.

Una de mis fuentes de inspiración en este campo de mi trabajo es un libro llamado “Momo”, de Michael Ende. Momo es una niña que posee el don de escuchar a la gente de tal manera que ellos mismos comiencen a comprenderse mejor. Vive en un antiguo anfiteatro y apenas posee nada, aunque no necesita gran cosa. Lo único que necesita es amistad. Existen unos malvados Hombres Grises en la ciudad que se dedican a robar el tiempo de la gente. Momo, que suele pasar su tiempo jugando y escuchando historias, no les tiene ninguna simpatía; ellos, por su parte, tratan de eliminarla. Aprovechan un momento en el que está sola para presentarse con un coche lleno de cosas, entre ellas la muñeca perfecta. Momo intenta jugar con ella, pero la muñeca simplemente repite lo mismo una y otra vez. Sólo quiere tener más ropa y más complementos. Finalmente, Momo, renuncia y termina aburriéndose, algo que nunca le había sucedido antes.

Creo que esta historia posee un poderoso significado y tiene mucha relación con nuestros comportamientos sociales y culturales en la actualidad.

P- Específicamente en trabajos como cUMENI o La Tribuna del Uffizi, ¿qué tratas de transmitir/denunciar?

R - cUMENI combina dos aproximaciones, aparentemente diferentes, a la representación de las mujeres: La Historia de la Pintura Europea y la Cultura Pop moderna. cUMENI, en checo, es un juego de palabras que combina el arte con un concepto que hace referencia a “algo abierto”, a un “enorme hueco”. En este proyecto examino, desde una postura crítica, cómo las formas de representación distorsionan nuestra percepción de la mujer. Las muñecas Barbie personifican los iconos históricos que reflejan muchas pinturas mundialmente conocidas. El ideal representado manipula el propio concepto que la mujer tiene de su cuerpo y genera una identidad artificial. Este modelo reduce a la mujer a un mero objeto de deseo y placer visual, y produce un efecto negativo en su propia imagen.

La pintura, como medio de comunicación tradicional reconocido, consiente la mirada masculina que en otros contextos habría sido considerada voyeur.

Utilizando pinturas históricas como escenario y con un icono femenino representado por la “moderna” Barbie, pretendo mostrar las similitudes existentes en la representación estereotípica de la mujer tanto en el pasado como en el presente. También me interesa la influencia del juego con juguetes producidos en serie sobre las generaciones más jóvenes: ¿Con qué ideales se identifican? ¿Qué consecuencias implica esto en su desarrollo? Con cUMENI pretendo inspirar tanto la contemplación como la reconsideración de nuestra cultura visual y su impacto en la formación de la identidad y de las relaciones de género.

P - ¿Y qué nos puedes contar sobre tu serie 1959?

R - En el 2009 se cumplieron 50 años desde que Ruth Handler diseñara a la muñeca Barbie. Y yo pensé: - ¿Qué extraño que esta muñeca no haya envejecido desde entonces? Sigue estando tan fresca como a finales de los 50: es un símbolo de la belleza eterna. – Por lo tanto, decidí enfrentar la imagen idealizada de Barbie, estandarte del éxito del consumismo, con la realidad del día a día.

Me pregunté a mí misma cómo sería ese personaje, que vive la vida del “consumidor perfecto”, en la cincuentena. Me centré en la brecha existente entre el sueño, el ideal prefabricado del consumismo, y el verdadero proceso de envejecimiento y deterioro. Hay una foto en esta serie, 1959, en la que Barbie aparece en su apartamento, celebrando su cumpleaños con un enorme pastel. En mi visión no parece Cenicienta, sino más bien la mujer de mediana edad que realmente se supone que debería ser. La realidad de la vida ha transformado su cuerpo. Es compradora compulsiva e híper-consumidora de rebajas o saldos y del espectáculo mediático. Mientras va obedeciendo las normas del perfecto consumidor se va convirtiendo también en un personaje absurdo, que cumple con el imperativo de la diversión.

“Dietas, inyecciones y acciones se combinarán desde una temprana edad para producir el tipo de personajes y creencias que las autoridades consideran deseables ya que una crítica seria de los poderes se consideraría algo psicológicamente imposible.”

Bertrand Russell, “The Impact of Science on Society” 1952

P - También hay otros trabajos, no relacionados con Barbie ni con muñecas, pero sí con las mujeres. Por ejemplo Her Hair, dónde creas tus obras a partir de cabello. Cuéntanos algo sobre este proyecto.

R - Para Her Hair trabajé con cabello femenino utilizando varios medios como la fotografía, instalaciones y animaciones. Este trabajo explora mi identidad en relación con el mundo. La perspectiva de mi cuerpo y mi experiencia personal son el punto de partida de esta exploración. Utilizo estos atributos femeninos para deconstruir nuestras imágenes de convencionalismos culturales y de identidad.

Veo al cabello como si fuera un intermediario entre mi cuerpo, el exterior, y yo misma. Es una parte de mi identidad, algo familiar, pero que al mismo tiempo tiene vida propia. Crece y se expande en el espacio. En este proyecto quiero estirar las posibilidades de los límites físicos del cabello. El tema subyacente se centra en los aspectos psicológicos de la experiencia física y la búsqueda de la cercanía emocional y la conexión.

P - ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Tienes algún futuro proyecto en mente?

R - Uno de los proyectos en los que estoy trabajando actualmente es “La Tribuna de Uffizi”. Ahora estoy recreando una pintura de Johann Zoffany de 1772-8. Representa la Galería Uffizi en Florencia, que contiene una de las mayores colecciones de pinturas y esculturas del renacimiento y de la antigüedad. Es un proyecto muy complicado: estoy recreando prácticamente cada pincelada de la obra en la foto, y después crearé la pieza entera en 3D. La presentación final será una fotografía a gran escala.

La pintura de Zoffany puede usarse como ejemplo de la idea de “obra maestra” en el siglo XVIII. Zoffany crea un marco conceptual y pone en paralelo el clasicismo antiguo y la tradición renacentista. Trata de justificar la idea de continuidad cultural. Remplazando la figura humana de las pinturas por muñecas contemporáneas estoy añadiendo una nueva capa de referencia a la deconstrucción de la idea de “obra maestra”.

P - Podemos encontrar tus trabajos en el perfil de MILDEAR en Flickr, pero ¿qué es exactamente MILDEART?

R - MILDEART es un nombre que agrupa tanto el trabajo artístico de mi marido como el mío. Deriva de nuestro apellido, Milde. Colaboramos mutuamente en muchos de nuestros proyectos.

Cada cual posee su trayectoria artística independiente, pero siempre nos prestamos ayuda conceptual y práctica. También hay algunos proyectos en los que estamos “oficialmente” trabajando juntos.

P – Existe actualmente alguna exhibición o alguna galería en la que puedan contemplarse tus obras?

R - Este mes, mi marido y yo participamos en “One-month work-in-progress residence” en el Queens Art Center de Nueva York. Presentamos un proyecto llamado “Looking for Home”, que trata el tema del consumismo y los mecanismos de eliminación de residuos. Recrearemos una habitación de un apartamento amueblada únicamente con muebles encontrados durante un mes en las calles de Nueva York. Este trabajo se prolongará en una exposición colectiva durante Mayo, en el mismo lugar. También he colaborado en un reportaje en el Godele Magazzine de Bélgica en el que se publican varias fotografías de cUMENI.

P - ¿Cuál es tu opinión sobre la situación del Arte contemporáneo y la figura del artista? ¿Cómo percibes este Mercado?

R - Esta es una cuestión bastante compleja, con un amplio campo de perspectivas. He tenido la oportunidad de conocer alguno de los mecanismos del Mercado y debo admitir que la experiencia fue un tanto controvertida. Creo que es esencial diferenciar entre la creación de arte, la presentación de la obra y el mercado. Cada uno de estos aspectos tiene sus reglas y sus problemas específicos. Es un sistema muy selectivo y competitivo.

El coleccionista desea ser comisario, el comisario quiere ser artista, y el artista anhela casarse con un coleccionista.

Otros enlaces relacionados:

http://www.mildeart.com/

http://www.queenstribune.com/leisure/Leisure_020311_ExhibitQC.html

http://www.greenpointstar.com/pages/full_story/push?article-Artists+to+Audience-+Express-Local+puts+15+city+artists+in+Queens%20&id=11329241&instance=lead_story_left_column

Criticas frescas

Hoy os traigo dos criticas recien salidas del horno. Son sobre True Grit (mal traducida al español como Valor de Ley) de los Coen y sobre Somewhere de Sofia Coppola. Estas dos peliculas todavia no han salido en españa por lo que resulta informacion de primera mano.
True Grit, remake de la pelicula de 1969 de John Wayne, resulta sorprendente en lo que se refiere a planos y a localizaciones. Con una historia sencilla y una interpretacion excelente de Jeff Bridge los Coen recrean una pelicula muy diferente a su anterior No es pais para viejos. Puede que decepcione a algunos, pero encantara a otros. Para ser una historia de vaqueros, genero al cual se le paso ya su epoca dorada con Sergio Leone, esta bastante conseguida, es entretenida y tiene un bonito final con moraleja sobre la amistad. Es muy recomendable para los amantes del genero porque es diferente pero conserva algunos topicos que queremos seguir viendo, casi todos caracterizados por Jeff Bridges.
En cambio Somewhere, de Sofia Coppola, resulta una de las mayores decepciones cinematograficas que haya tenido, sobretodo despues de que nos demostrase de que podia hacer cosas digeribles como Lost in Translation. Verdaderamente se podria decir que esta pelicula es pedante. No se la recomiendo a nadie. Es aburrida. Hay peliculas que resultan lentas pero que son muy buenas. Esta no, ya que realmente en toda la historia no ocurre nada, no hay tres actos, nada se resuelve. La idea es buena, pero la forma en la que se llevo a cabo no. La historia trata sobre la miserable vida de un actor hollywoodiense que nada en la abundancia pero que por dentro es un desgraciado que vaga en la soledad. Desde luego, Sofia nos a timado a todos. Lo que si que tiene merito es el que hizo el Trailer, que hace que parezca buena y todo.

el estilo de los cinematógrafos

Los cinematógrafos, conocidos en Europa más bien como directores de fotografía, son los encargados de conseguir que lo que imagina el director en su mente se transforme en realidad mediante el uso de la luz, del encuadre de la cámara y del foco, principalmente. En este documental de 80 minutos se entrevistan a docenas de cinematógrafos conocidos dentro de su mundillo y se les pregunta sobre todo sobre cómo llegaron a ser lo que son y como definieron su estilo. El tipo de documental para la gente interesada en la industria del cine. Desde luego no es muy entretenido para la gente que no tenga unos conocimientos básicos de cine o a la que no le interese el proceso de creación de las películas. Entre todos los entrevistados se encuentra cinematógrafo encargado de darle su aspecto al Padrino, Gordon Willis, que da buenos consejos para todos aquellos a los que les gustaría jugar a ser un ilusionista de la imagen. Aunque este no es el único ya que hay muchas otras leyendas, como Vilmso Zsigmond, ganador del Oscar por El Cazador. Desde luego, este documental es una joya para todos los que de verdad quieran aprender directamente de los maestros algunos de sus secretos.

Las artes de Los Ángeles

Los ángeles, ciudad de las estrellas, está lógicamente enfocada al mundo del celuloide, pero también esconde rincones en los que se pueden ver otras artes que no tienen que ver con el número 7. El principal museo de arte es el centro Paul Getty. Comenzó como la colección privada de un multimillonario hasta que su hijo, J. Paul Getty decidió abrir las puertas al público en la villa Paul Getty en la ciudad de Malibú. En ella se pueden ver grandes colecciones de arte griego, romano y etrusco, aunque al haber sido una colección privada tiene una gran variedad de estilos y de obras de diferentes época, cifrandose en un total de 44.000 piezas entre esculturas, pinturas y obras arquitectónicas.

Pero Los Ángeles está caracterizada por muchas más cosas que por la opulencia de los millonarios. El carácter y el estilo de la calle están muy desarrollados, dándose mucha importancia al arte underground. Una página web excelente que recoge muchas de estas “obras” es 50mmlosangeles. Desde luego L.A. tiene carácter propio, con el tatuaje como forma de vida y la cultura del gangster.

Mayormente, estas dos artes, la que se compra con el dollar y la que se crea en las calles, son las que viven en L.A. y que imperan, conviviendo pacíficamente por la extensidad de la ciudad y por la indiferencia de la gente por el vecino.

"Primos"

“Primos” es la nueva película del director español Daniel Sánchez Arévalo, anteriormente ha dirigido dos comedias, de un humor un tanto peculiar, como “Azul, oscuro casi negro” y “Gordos” hay que decir que ambas tuvieron en su momento una gran acogida por parte de la crítica y el público, convirtiendo a este director en una de las más firmes promesas del cine español.

En un principio “Primos” había sido un corto que el director había grabado pero a causa del éxito recibido y de la capacidad de Sánchez Arévalo de construir historias totalmente surrealistas, ha decidido finalmente adaptarlo a largometraje.

La historia nos habla de tres primos que además son también bastante ingenuos en la vida real. Cuando a uno de ellos le deja plantado su novia en el altar todos deciden emprender un viaje en un fín de semana para ayudarle a superar sus problemas. En este viaje el protagonista se cruzara con una antigua novia y tratará de reconquistarla por todos los medios posibles.

El reparto de la cinta está encabezado por actores que anteriormente ya han trabajado con el director como Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo y un tipo a reivindicar, Adrián Lastra.

La película está previsto que se estrene el 4 de Febrero de 2011 y la verdad es que por el tráiler yo personalmente creo que promete mucho asique os lo dejo para que podáis disfrutarlo.

Nuevo dispositivo de Apple

Este dispositivo se conoce con el nombre de Broadway y para todos aquellos que tengan en posesión suya un iPad, un iPod o un iPhone este dispositivo les permitirá ver canales de televisión por medio de su tableta sin importar en que lugar del mundo se encuentren. Esto se debe a que este dispositivo hace un streaming con la televisión que tengamos en casa y lo pasa a nuestro dispositivo de Apple.

Este dispositivo se ha presentado en sociedad en el CES2011 sin embargo todos aquellos usuarios que quieran disfrutar de canales de televisión deberán tener una señal de internet, ya que al fin y al cabo el Broadway no deja de ser un router que permite sintonizar canales de televisión vía online.

Su funcionamiento es simple, primero captura la imagen de la televisión y posteriormente la transforma a las dimensiones adecuadas dependiendo de en que dispositivo de Apple vayamos a sintonizarlo,. Finalmente la imagen llega en streaming a nuestro dispositivo sin presentar una gran pérdida de calidad y de una manera bastante rápida y efectiva por lo que puede resultar un accesorio bastante interesante para algunas personas.

Sin embargo también tiene sus inconvenientes y es que este dispositivo, al igual que muchos otros, solo funciona con dispositivos de la marca Apple lo cual priva a muchos a otros muchos usuarios de su disfrute. Este factor viene siendo bastante determinante en la compañía ya que casi siempre sus accesorios son de manera exclusiva o simplemente no sirven los de otros dispositivos.

Pero los demás usuarios no deberían preocuparse ya que solo es cuestión de tiempo que aparezca otro dispositivo con opciones idénticas al Broadway para todos los dispositivos

Robert De Niro presidente del jurado de Cannes

El próximo festival de Cannes ya tiene presidente de jurado y no será otro menos que Robert De Niro. De Niro es fundador del festival de cine de Tribeca por eso en Cannes han querido darle el homenaje que se merece, no solo por su contribución al cine durante tantos años sino también, por el apoyo mostrado a los jóvenes talentos del cine durante estos últimos tiempos.

El actor se ha sentido muy honrado por el cometido que le han designado y ha declarado que es un orgullo para él formar parte de uno de los festivales más antiguos y prestigiosos del cine. Aún así reconoce que le espera una difícil misión como miembro de jurado y espera que no sea muy criticado ni se equivoque demasiado con las elecciones que pueda hacer de cara a nominados y ganadores.

Anteriormente el actor había estado en el festival para defender 8 películas que había sido nominadas a la palma de oro a la mejor película del festival de esas 8 veces solo dos de ellas se alzaron con el premio. La primera fue por el gran clásico de Martin Scorsese “Taxi driver” y la segunda por la película “ La misión”.

Pero no solo aquí acaba el reconocimiento a la carrera de este grandísimo actor ya que en la ceremonia de los globos de oro recibirá el premio Cecil B Demile por toda su trayectoria como actor.

Actualmente Robert De Niro se encuentra en promoción de su última película “Ahora los padres son ellos” con la que está cosechando unos buenos resultados en taquilla

Save or Delete jungle Book", del grafitero británico Banksy

Esta obra de un conocido pintor de grafitis se ha vendido por 78000 libras. En un principio esta obra había sido realizada por el artista para apoyar una campaña de la organización ecologista Greenpeace, sin embargo al final no llego a ser utilizada por esta organización cayendo en el olvido hasta hoy.

La obra se compone de dos partes diferenciadas claramente en una primera podemos ver a los personajes de la película clásica de Disney “El libro de la selva” maniatados y con los ojos vendados ya que están a punto de ser ejecutados por un cazador. Por otro lado el autor superpuso la imagen descrita anteriormente sobre una fotografía en blanco y negro de un bosque que ha sido totalmente arrasado.

Desde luego la imagen habla por si sola del mensaje que trata de mandar a los seres humanos para intentar buscar una reacción por parte de estos, mostrando una imagen tan cruda y fría de sentimientos, utilizando a personajes recordados por las películas de dibujos animados.

La pieza de Bansky puede considerarse como inédita ya que Disney no autorizo en ningún momento al artista a utilizar sus personajes para tal campaña publiciaria.

Una obra de Picasso protagonizará la subasta de Sotheby´s

La obra en cuestión se conoce bajo el nombre de “La lectura” y muestra el retrato de una mujer conocida con el nombre de Walter, la cual, aseguran, cambio la vida y obra del famoso pintor cubista. La mujer sale representada en el cuadro dormida en un sillón y con un libro en su regazo.

La relación que pudieron mantener Picasso y esta mujer ha permanecido en el mas absoluto de los secretos, ya que cuando la conoció el artista estaba casado y aunque le pinto mas retratos a lo largo de su vida, estos siempre han estados vetados de cara al público por temor a que su mujer descubriera las infidelidades del artista.
Los responsables de la casa de subastas han relacionado esta obra del pintor con otra conocida como “Le Rêve” que el pintor dibujo en la misma época que el cuadro que hoy nos ocupa.

La obra podrá verse expuesta en la gran manzana hasta el 13 de Enero. Mas tarde, el 8 de Febrero, empezará la subasta por dicha obra cuyo precio de salida se estima que rondara entre los 18 y los 28 millones de dólares. Quizás este sea un ejemplo más de que finalmente el arte se ha convertido en un mercado de especulación en vez de belleza.

Por otro lado no solo la obra de Picasso será la representante española ya que, también, Sotheby´s subastará un retrato del pintor Salvador Dalí que le hizo al poeta Paul Eluard, considerado como una de las principales figuras del movimiento surrealista.

PARKOUR

Esta tendencia callejera parece que se está volviendo a poner de moda poco a poco. Para todos aquellos que no lo conozcan el parkour consiste en desplazarse de un lugar a otro lo más rápido posible, tratando de sortear todos los obstáculos que pongan en el camino solo con la ayuda del cuerpo humano. La mayoría de los movimientos se componen de maniobras de lo más espectaculares como saltar todo tipo de vallas o escalar en un par de movimientos una pared de la manera más fluida posible.

Muchos de los practicantes de este “deporte” consideran al parkour como una filosofía de vida ya que consideran que solo viven para realizar parkour al igual que creen que es una forma de arte con el que poder expresarse al resto de individuos de la sociedad. Lo cierto es que los practicantes de este deporte se caracterizan por no dañar el medio urbano ni molestar a los demás transeúntes.

Quizás los practicantes tengan razón y solo busquen una forma de expresarse al resto de la sociedad por medio de sus espectaculares piruetas, desde luego mientras que no dañen a nadie deberían poder expresarse de la forma que más les gusta.