Boom festival

El Boom Festival es un festival bienal de cultura visionária realizado en Portugal durante la luna llena de Agosto . Se inició en 1997 mientras evento musical, pero evolucionó al largo de sus ediciones para una celebración de la cultura alternativa. El Boom es hoy un festival multidisciplinar, transgeracional e intercultural.

Es un acontecimiento multidisciplinar pues cruza diversas corrientes artísticas, como pintura, escultura, land art, instalaciones interactivas, música, video arte, galeria de artes Plásticos o graffiti . Las propuestas artísticas son complementadas por un vasto cartel de conferencias, workshops, tertúlias y presentaciones de temas como metodologias de ciencia alternativa, cultura visionária, culturas ancestrais, espiritualidade, antropologia, psicologia de la conciencia, paganismo o inteligencia emocional.

El Boom se afirma mientras transgeracional al tener un público que no se restringe sólo a una capa etária. Los participantes del Boom no son sólo jóvenes - como es apanágio de cualquier festival de Verano - antes existe una gran amplitud etária, de niños, adultos e inclusive una facción del público con más de 50 años. Esta diversidad es conseguida a través de propuestas artísticas y culturales vanguardistas que enfatizan no sólo el hedonismo como también el conocimiento.

Uno de los nobles aspectos de este festival es ser intercultural. El Boom dispone de una vasta red mundial de embajadores y atrae público de todos los continentes. Esto origina un contacto entre personas de diversas matrices culturales, que así interagem rodeadas de artes y cultura pudiendo disminuir las diferencias y el desconhecimento de otros grupos étnicos - favoreciendo lo derrumbe de estereótipos inter-étnicos.

Una de las peculiaridades del Boom es su independencia faz al sistema comercial. Con efecto, al contrario del que acontece en el mundo del entretenimiento, el festival no acepta cualquier patrocínio comercial; de forma a mantener su espacio libre de polución visual advinda de logótipos, la ética del Boom asienta en un clima de contacto con la naturaleza donde el público está defendido de cualquier estrategia de marketing .

En 2004, el Boom comenzó a desarrollar proyectos para hacerse totalmente auto-sustentável, de forma a no contaminar la naturaleza y educar para la conciencia ecológica. En estas prácticas se incluyen el desarrollo de cuartos de baño que no usan químicos; el tratamiento de las aguas del festival a través de biotecnologias; la utilización de energías solar y eólica ; la reciclagem ; la organización del espacio del Boom según los principios de la Permacultura: y el suministro gratuito de kits de limpieza al participantes (cinzeiros de bolso y sacos de basura).

Exposición "Jardines Impresionistas" en Museo Thyssen‐Bornemisza.

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El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan este otoño la exposición Jardines impresionistas, un vasto recorrido por el tema del jardín en la pintura desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX. Se trata de un importante proyecto realizado en colaboración con la National Gallery de Edimburgo, donde la exposición fue presentada primeramente.
El gran atractivo es realzar "la agradabilidad" de ver seguidamente las maneras y los estilos tan diversos que artistas se dedicaran a pintar jardines. Prevalece cierta lleveza relacionada al mote. Tanto que Auguste Renoir (1841-1919) declaró que pintar flores era su "momento de descentración", pero al mismo tiempo, de experimento "con tones y valores" a punto de no se preocupar en "perder la tela". Por una feliz conjunción, además, el Museo del Prado, próximo al Thyssen, presenta hasta 6 de febrero la muestra Pasión por Renoir, con destaques de la colección americana de Robert Sterling e Francine Clark.
La muestra del Thyssen incluye una amplia representación de la pintura impresionista, con obras maestras de Manet, Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, Caillebotte o Berthe Morisot, pero también de algunos precursores del impresionismo, como Delacroix y Corot, y de grandes pintores de la generación siguiente, como Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Klimt, Munch y Nolde, entre muchos otros nombres. En conjunto, cerca de 140 obras maestras repartidas entre las salas del Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, con préstamos destacados de colecciones y museos de todo el mundo.

Museo Thyssen‐Bornemisza y Fundación Caja Madrid: Del 16 de noviembre de 2010 al 13 de febrero de 2011.

*INFORMACIÓN PARA EL VISITANTE.

Museo Thyssen‐Bornemisza. Paseo del Prado 8, 28014 Madrid.

Horario: de martes a domingo de 10.00 a 19.00 horas. La taquilla cierra a las 18:30h.

Tarifas exposición temporal:
- Entrada general: 8 €,
- Entrada reducida: 5 € para mayores de 65 años, pensionistas, y estudiantes previa
acreditación y grupos familiares formados por al menos un adulto y tres descendientes
(o dos, si uno de ellos tiene alguna discapacidad) incluidos en el mismo título de
familia numerosa.
- Entrada gratuita: Menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.
Exposición temporal + Colección Permanente: Entrada general: 13 €
Entrada reducida: 7,5 €

Venta anticipada de entradas en taquillas o en la web del Museo y en el 902 760 511
Más información: 91 369 01 51 y www.museothyssen.org



Un Saludo, VColombini.

Arena un lienzo para en blanco

Kseniya Simonova, una artista ucraniana que fue premiada por sus obras en la arena. Poco a poco se va haciendo un hueco entre ese mundo de 'artisteo' que tan plagado está.
En el Got Talent de Ucrania ésta mujer tan sólo utilizó arena + música + luz = Obra de arte.
Con estos tres apoyos es capaz de crear mil maravillas.

Got Talent es un programa de televisión de origen británico que ha sido vendido a muchos países (España está entre ellos) y Ucrania lo compró y puedo observar el talento de sus habitantes. La que más sorprendió fue Kseniya Simonova con su arena.

Ella retrató imágenes de la segunda guerra mundial de cómo la gente lo pasaba en ese conflicto bélico en el que Alemania invadió Ucrania. Momentos dificiles y a la vez bonitos de ver en la arena con esa música que es como si te llevase por un momento a esa situación.
Es un ambiente perfecto de creación.

Aquí está el vídeo con el que ganó el concurso. No hace tan sólo una imagen sino que hace una imagen y a partir de esa crea otra, simplemente... Increible.

El vídeo ha sido un gran éxito ya que ha sido visto por más de diez millones de personas en todo el mundo. De un programa de televisión al éxito asegurado.

El poder de la creatividad

¿Hasta que punto puede llegar un creativo? Siempre repleto de ideas, en muchas ocasiones muy sorprendentes.


Son muchas las campañas publicitarias que vemos día a día, oimos o percibimos. La cosa es que sólo algunas relamente llegan a impactar realmente al espectador o al menos a crear una cierta incertidumbre. Como si de un McGuffin se tratase, gran concepto de Alfred Hitchcock.


Imágenes gigantes, efectos especiales, incrustrar objetos en edificios etc. A veces parece simple porque muchas veces se cree que ya está todo inventado o pensando pero no. Cada vez utilizan un 'algo' nuevo que sorprende.

La publicidad creativa o más bien los creativos son imaginativos sin fin y gracias a ellos las campañas en ocasiones se pueden asemejar a películas de 35 mm.

No podemos olvidarnos de Coca - Cola empresa que tiene el mejor equipo de publicistas y creativos.



Nunca dejarán de sorprendernos [!]

Reflexión fallida sobre la muerte del límite artístico

No se trata de un post nostálgico recordando aquellos tiempos en los que las redes sociales no condicionaban nuestras vidas, aquellos tiempos en los que había otros valores en cuanto a lo que el arte se refiere, aquellos tiempos en los que los músicos hacían las grabaciones musicales más complejas del modo más natural e innato... Básicamente porque no he tenido la suerte de pertenecer a las generaciones que pueden (o no) defender dicha postura.
Utilizaré la palabra Jazz y las referencias que haré hacia éste mundo (lo concebiré como mundo y no como estilo musical), para aludir a todo tipo de creación artística.
Músicos como Miles Davis, Ray Charles, Pinetop Perkings, Muddy Watters... (Todos procedentes de aquella seguramente añorable etapa artística) ¿Ya no existen? Sí, es una pregunta. A menudo pienso la cantidad de músicos superdotados que reinventaron algo tan dificil como el Jazz, creando el beebop o el acidjazz... Estilos nuevos, pero sin abandonar la esencia (cosa que creo que ahora se ha casi perdido). Al igual ocurre con los creadores de los cuadros más clásicos, y los que se atrevieron a dar el paso, a avanzar. Mi pregunta es ¿Hemos sobrepasado la linea imaginaria que limita lo que está bien y lo que no es posible, lo convencional y lo novedoso? ¿hemos perdido ese miedo que posiblemente formaba parte del encanto de toda creación artística? ¿Qué objetivos hay ahora? Me inquieta, personalmente, pensar que sí, que hemos sobrepasado dicha frontera. Que ya no impresiona tanto la novedad, que cualquiera puede considerarse músico, dibujante, editor, o lo que se quiera considerar.
Siguiendo en la línea del Jazz, me parece que pasa algo un poco más excepcional. Cada día escuchamos decenas y decenas de nuevos artistas que se aferran a la fama y olvidan su profesión. ¿Qué ocurre en la penumbra? ¿Qué les ocurre a los verdaderos músicos? o, mejor, ¿dónde carajo están?

En esta ciudad, cualquier día de la semana, puedes percatarte de que están ahí, de que la música sigue viva, pero la mayoría quizá no lo sepa.
''La Cockette'', el ''Café Central'', ''La Boca del Lobo'', ''Junco'', ''Tempo'', son algunos de los nombres de garitos en los que podemos introducirnos posiblemente en el verdadero mundo musical. Bandas de Blues, Soul, Jazz, Funk, pactan silencio y hacen resucitar cada noche músicos como James Brown o Nat King Cole.

Volviendo a la ''reflexión'', es posible que me responda a mí misma. Los límites entre lo posible y lo imposible van desapareciendo a una velocidad de vértigo. Sí, a mí me da vértigo pensar en la infravaloración de la música que considero un tesoro. Un verdadero arte (y con esto no trato de quitarle sentido a cualquier otro estilo o creación).
Lo más razonable es pensar en lo positivo de la ruptura de éste confín. Diremos que ahora hay más registros a los que acceder, aunque otros pensaremos que quizá estos registros eran más valiosos sin ser tan cercanos, tan explotados, tan comercializados.

Concluyo el post con un recuerdo musical y con algo actual y desconocido

Calendarios Pantone 2011

Empieza el año y muchos negocios llevan repartiendo desde hace un mes calendarios con su logotipo con diseños muy poco atractivos. Pero también se pueden hacer calendarios muy creativos. Algunos blogs están regalando originales calendarios. Entre los calendarios con estilo Pantone que se han realizado para este 2011 destacan tres muy interesantes que incluso podrían llegar a decorar nuestras casas.

Pantone Calendar por Mutant Media, “un año en color”. Donde los colores van desde los colores cálidos (rojo – marrón) para los meses más calientes y lo frios (azules – grises) para los meses de invierno, los colores mostrados son verdaderas imitaciones del pantone.

Otro es el Dayboard Pantone Calendar por StokkeAustad un calendario poco visto y hecho en ocasiones especiales por los diseñadores de StokkeAustand con carácter minimalista, 365 placas magnéticas componen este calendario, con los colores que representan cada estación de año.

Y por último el de Derek Bowers, el calendario Oficial de 2011 para Pantone. Es un Calendario espectacular con el alma de Pantone, la idea era crear un calendario reconocible a nivel global, así que utilizó un círculo cromático que es un símbolo universal, de ahí se dispuso poner imágenes y motivos conocidos por la mayoría, utilizando fotos que acomodó de manera manual, casi 1440 fotografías. No se olvido ni de los días festivos.

¿Puede la tecnología convertirse en arte?

Desde la aparición de los primeros síntomas de arte en la historia de la humanidad la tecnología ha hecho que se superen numerosas barreras en el campo de la exposición artística. Desde nuevos instrumentos de realización hasta nuevos formatos de expresión. Es evidente que no se puede desligar el arte de la tecnología.

Pero, ¿podríamos considerar a la mera tecnología un arte? Esta pregunta a acompañado a los artistas y la crítica durante muchos, muchos años.

Indagando por la red encontré este video.

Y no fue leve mi asombro al contemplar tal proeza tecnológica producida por un visionario. Aquí fue donde comenzó mi reflexión sobre esta conocida hipótesis: ¿Arte = Tecnología? Aquí es donde radica la propia reflexión y experiencia de cada uno.

Ciudad Cultural

Como ya sabréis todos supongo hoy los Príncipes de Asturias, Don Felipe y Doña Letizia han inagurado tras más de diez años de obras, la Ciudad Cultural en Santiago de Compostela.

El arquitecto de esta maravilla es un norteamericano, Peter Eisenman. Éste a la hora de diseñar el edificio pensó que desde una vista aérea se podrá ver como un mapa de Santiago.
Peter Eisenman conguió llevar acabo esta obra arquitectónica ya que ganó el concurso de La Ciudad Cultural con un proyecto que está inspirado en la concha de una vieira peregrina.




Este edificio albergará todo tipo actividades culturales con el fin de difundir el ámbito de las letras y el pensamiento, la música, el teatro etc.

Silvia Abascal.

Ciudad de la Cultura de Galicia from STGO on Vimeo.

Adobe Desing Achievement Awards

Ya está lista la convocatoria para el concurso internacional anual Adobe Design Achievement Awards 2011. Estos premios están dedicados a los logros de los estudiantes y profesores, que reflejan la potente convergencia de la tecnología y de las artes creativas. El concurso, en el que se exponen proyectos individuales y de grupo creados con el software creativo líder del sector de Adobe, honra a los estudiantes de diseño gráfico, fotógrafos, ilustradores, animadores, cineastas digitales, desarrolladores y artistas que trabajan con ordenador más prometedores y con mayor talento de las principales instituciones del mundo de educación superior.

Los premios Adobe Design Achievement Awards 2011 ofrecen a los estudiantes y profesores de educación superior de todo el mundo el camino hacia el éxito para que impulsen sus carreras en el futuro. Se pueden obtener premios en metálico entregados en Taipéi durante el congreso mundial Icograda World Congress. El periodo de recepción de trabajos finaliza el 24 de junio de 2011.

¿ Qué es el arte efímero ?

El arte efímero puede definirse como una obra prástica de caracter breve y fugaz. La creación artistica no perdura en el tiempo, sino que desaparace o incluso se consume frente al espectador.

'Todo aquello que tiene duración de un solo día'

Esta expresión artística resurge en el siglo XX por necesidad de crear nuevas formas de arte a través de los sentidos y las emociones, y aislarse de lo convencional.

Para estas creaciones es necesario e imprescindible la sociedad de masas, la importancia del grupo social como parte de la obra. Este será el que marque tendencia, y en esto es imprescindible los medios de comunicación.

El arte se muestra de distintas formas: el la gastronomía, en la peluquería, la moda, los objetos...todo es susceptible a convertirse en arte efímero, representando la trasformación de la vida en los objetos, lo perecedero.

"Description" por Dorit Magreit en el Museo Reina Sofía

A partir de este Miércoles 12 de Enero en el museo Reina Sofía podremos ver la primera recopilación importante de la obra de Dorit Margreiter con el nombre de “Descripción”. Estará compuesta por una selección de piezas realizadas durante los últimos siete años y proyecciones fílmicas que se complementan con otras obras subsidiarias que guardan relación con ellas. Un nexo de piezas interrelacionadas, titulado Zentrum (2004, en proceso), es la bisagra que une los dos ejes principales de la exposición.

Además, Zentrum es el elocuente punto de partida de cuatro obras nuevas, repartidas por todas las salas. Estas monumentales esculturas móviles de metal aluden a las obras textuales instaladas en los espacios contiguos, ya que están compuestas por las letras de un mismo alfabeto creado por la artista; sin embargo, si tenemos en cuenta que se trata de imágenes en movimiento, es evidente que presentan una afinidad todavía mayor con las proyecciones cinematográficas de la artista.

Originales "Ecoetiquetas recordatorias" por Hu2 Design

La empresa de diseño londinense Hu2 Design ha creado una serie de etiquetas de decoración. Se hacen sin PVC, con material biológico totalmente libre de cloro y plastificantes. Hay tres tipos de etiquetas. En primer lugar están los “Eco recordatorios”, estas etiquetas adornas las llaves de luz con originales diseños para ahorrar energía eléctrica.

También cuentan con “Recordatorios antes de salir” ” las cuales nos ayudan a repasar los artículos de uso cotidiano que no debemos olvidar para nuestra vida diaria.

Y por último la serie de “Reglas de convivencia”. Estas etiquetan hacen que haya más armonía en nuestro hogar ya que nos recuerdan cosas como el tiempo de ducha o el volumen del mando de la televisión entre otras.

Con estas etiquetas podemos decorar nuestro hogar mezclando el diseño con la conciencia.

No os podéis perder..

Si el aburrimiento os mata o simplemente queréis dar una vuelta por Madrid y "culturizaros" un poco, os recomiendo que visiteis la nueva exposición de Guy Bourdin "A message for you"

Compuesta por 75 fotografías en color y dos proyecciónes de vídeo, la exposición "A Message for you" nos muestra una selección de algunos de los trabajos de este conocido fotógrafo francés de moda y publicidad, y por supuesto, frutos de la colaboración con su modelo Nicolle Meyer.
Se trata de un paseo por la mejor época de Guy, en los últimos años de los 70.Famoso por sus narrativas sugerentes y estéticas surrealistas, Bourdin rompió con las convenciones de la fotografía comercial.

En la actualidad, su obra se expone en numerosos museos de prestigio, como el Victoria and Albert Museum de Londres, el Jeu de Paume de París o el Museo Nacional de China. Aquí en Madrid podréis encontrarlo en la Sala Canal Isabel II, en la calle Santa Engracia 125. La entrada es gratuita y podrá disfrutarse hasta mañana, asi que ¡daros prisa!

EL ARTE EN LA COMIDA

El arte es una actividad que realizan los seres humanos con una finalidad estética, con el propósito de comunicar algo. A través del arte podemos expresar nuestras ideas y sentimientos acerca de algo. Con la aparición del Homo Sapiens el arte tenía una función mágica, religiosa o ritual. Pero poco a poco esas funciones del arte han ido evolucionando y han ido adquiriendo un componente más estético, con funciones pedagógicas, mercantiles o simplemente ornamentales. El arte está abierto a muchas interpretaciones que se le pueden dar en los distintos campos de la vida. Nos lo encontramos por todas partes: en un cuadro, en la música, en una fotografía… Pero no todo lo que unas personas consideren arte, a otras les pueda parecer arte. Cada persona aprecia el arte de distintas maneras y lo crea de un modo distinto.

En este caso el arte nos lo encontramos en la comida. Con simples alimentos diferentes artistas han creado auténticas obras de arte, algunas más complejas que otras. Tanto frutas como verduras y otros alimentos se transforman en diferentes figuras.

A continuación algunos ejemplos del arte con comida.

Obra hecha de mantequilla de Jim Víctor

Deporte de la mano de Balla Tamás

Obra con pepitos de Chocolate hecha por Akkiko Ida y Pierre Javelle

Obra de Carl Warner hecha con jamón

Diseño 3D de José María Andrés

Cabalgata de la Ilusión

Ya queda menos para terminar las vacaciones de navidad, y con esto no quiero deprimir a nadie, pero aun nos queda lo que quizás sea para muchos la noche más mágica del año y el momento más esperado por los pequeños de la casa. Y es que si las calles de nuestras ciudades visten de esplendor estos días por el alumbrado navideño el 5 de enero nuestras calles se visten aún más si cabe de ese esplendor pero más todavía de ilusión y en algunas ocasiones de arte puro.
En las grandes ciudades como Madrid muchos diseñadores famosos ponen su toque de glamour haciendo autenticas maravillas pero no debemos olvidarnos de aquellas personas anónimas que hacen autenticas obras de arte y sobre todo son los encargados en parte de sacarle a nuestro niños esa sonrisa de felicidad y porque no decirlo también a los mayores.
Las fotos que he puesto arriba son de la cabalgata de la Ilusión 2010 de Lucena (Córdoba) muchas de estas carrozas están realizadas por personas anónimas e incluso grupos de amigos con el objetivo de hacer felices a los más pequeños.

Esperemos que este año nos deslumbren con sus fantasticas carrozas.

Ripollés y Willy Ramos unen sus pinceles

Estamos en una época del año en la que las personas se solidarizan más que en el resto del año y los artistas hacen más hincapié en estas causas por ello estos dos artistas unieron sus pinceles por una causa solidaria promovida por la Ciudad de las Artes y las Ciencias (CACSA) plasmando su visión del complejo museístico, estas obras serán cedidas a la Casa de la Caridad.
Ambos artistas ofrecieron su visión sobre esta forma de divulgación artística y cultural al reinterpretar sendas fotografías del complejo museístico.
Ripollés trabajó en una obra a partir de una imgen en la que se apreciaban unas manos emergiendo del agua, mientras que por otro lado Willy se centro en el edificio central del Oceanográfic.
Las tres piezas resultantes de esta actividad serán cedidas a la Casa de la Caridad que dispondrá de las obras bien para su subasta bien de otra forma para obtener "otro tipo de recursos", según aseguro el presidente de esta institución, Antonio Casanova.

El Piercing, ¿un arte?

Todos o casi todos nosotros sabemos lo que es un Piercing o “Pirsin” (abertura en el cuerpo humano para colocar un pendiente). En algunas ocasiones estas perforaciones suelen reflejar valores culturales, religiosos o incluso espirituales; además de formar parte de una moda, ¿Quiénes de nosotros no tenemos uno, dos o más pendientes colocados por distintas partes de nuestro cuerpo? Sobre todo en la cara, ya que es la parte del cuerpo que más se ve y por lo tanto, podemos lucirlos mejor. Aunque muchas veces se nos vaya de las manos y esta moda se vuelva en una obsesión casi imposible de controlar, transformándonos la cara de tal manera que ni nuestros padres nos conozcan. ¿Formamos parte del arte?

Manifestando el alma...

Me gusta mucho eso de encontrar siempre la convergencia entre el arte y la música. Anteriormente hablé de varios artistas que ilustraron discos de los grandes exponentes del jazz.
Ahora quiero hablaros del arte psicodélico vinculado al mundo de la música, y tratar el cómo y el por qué ha habido etapas en las que la cartelería de los artistas era representada por este tipo de tendencia artística.
El Arte Psicodélico se entiende como el arte inspirado por la experiencia psicodélica inducida por drogas como el LSD, cannabis, peyote u otros alucinógenos. Pero realmente la palabra psicodélico significa ''manifestando el alma''.
Este arte intenta plasmar estados alterados de conciencia producidos por estas sustancias psicodélicas (hongos alucinógenos, ayahuasca, ...).

Algunos artistas del movimiento modernista y surrealista empleaban estas drogas como fuente de inspiración.
Pero quiero hablaros, como siempre, de su relación con el arte musical.

Estos son ejemplos de ilustraciones empleadas para la cartelería de festivales musicales de los años 60/70. Hay una relacion en cada uno de ellos: el movimiento en espiral, las líneas curvas, los colores planos y vivos, el surrealismo total,... Algo que tiene que ver con esa manera de expresar la relación entre la música y ese estado subreal del alma.

A continuación os hablaré del artista más representativo de éste ámbito artístico

Estas obras son del pionero de esta forma artística, Lee Conklin.
La imagen que tenemos a la izquierda se convirtió en la portada de uno de los discos más importantes del músico Santana.
Era la publicidad de un espectáculo de Santana y The Grateful Dead. A base de pluma y tinta, dibujó los nombres de las bandas, que se centran en torno a un León. El pueblo escondido en la imagen son parte de lo que hace de este trabajo una obra única, pues cuanto más profundo miremos, más podremos ver. Digamos que es en lo que se basa el arte psicodélico. No podemos basarnos sólo en una primera vista, sino que debemos sacar conclusiones y formas a partir de nuestra visión personal.
Numerosas de sus obras han terminado en la mítica sala de conciertos ''FILLMORE'' de San Francisco, por donde han pasado artistas míticos como Jimmy Hendrix, The Allman Brothers, Tower of Power y James Brown.
He de deciros que tuve la suerte de visitarla, y es increíble. Las paredes de la sala están casi completamente cubiertas por carteles de Concklin.
Si podéis os recomiendo que la visitéis, para disfrutar de sus creaciones y de la mejor música.

Aquí os dejo un vídeo en el que podréis ver ejemplos de carteles psicodélicos. Espero que os guste.