"ASOMATE A MADRID”

Hasta el 31 de marzo podemos disfrutar de casi medio centenar de fotografías que se exponen en la Sala de Exposiciones de la Plaza de la Independencia.

Esta exposición ofrece un recorrido turístico aéreo por toda la comunidad de Madrid, dando una imagen diferente de la región, sus paisajes y sus monumentos desde entre dos y tres kilómetros de altura.
En esta muestra se puede apreciar la diversidad de vistas de la comunidad Madrid, con paisajes tomados en el transcurso de las cuatro estaciones, las cumbres nevadas de la sierra madrileña, paisajes acuáticos, jardines, monumentos y como no, de la capital, Madrid.

La exposición se estructura en cinco apartados: el paisaje urbano, el abstracto, el acuático, el paisaje en el medio ambiente y el paisaje histórico.

Una muestra única que cuenta además, con imágenes de gran valor artístico y documental.

La Era Robótica

En estos tiempos en los que la tecnología nos hace avanzar a pasos agigantados cada vez resulta más cercana la idea de un mundo en el que los robots acompañen a los seres humanos. Grandes genios como Isaac Asimov ya recrearon en sus novelas de ciencia ficción universos repletos de tecnología, máquinas, inteligencia artificial, y de dilemas filosóficos, morales y funcionales resultantes de una sociedad robotizada.

Este planteamiento basado en la robótica, la cibernética y en las relaciones que se establecerán entre los seres humanos y los robots, es el punto de partida para un artista alemán residente en EEUU llamado Franz Steiner.

Steiner es el propietario de la empresa BLUTSBRÜDER y un reconocido diseñador y fotógrafo, que se caracteriza por su ingenio a la hora de combinar la fotografía con técnicas digitales de CGI (imágenes generadas por ordenador). En sus trabajos explora los entresijos de un mundo tecnológico y robotizado en el que los hombres y las máquinas se relacionan, conviven e incluso compiten entre sí. Muestra la cotidianidad, casi la rutina, de los seres humanos en un contexto futurista y tecnológico.

Muchas son las reflexiones que se desprenden de la obra de Steiner, en su portfolio podréis encontrar imágenes que os harán pensar en las implicaciones de una sociedad tecnológica: en lo bueno, en lo malo… pero seguramente a todos nos surja finalmente la misma pregunta: ¿A dónde nos llevará todo esto? Al menos yo, estoy deseando descubrirlo…

No os podéis perder..

Si el aburrimiento os mata o simplemente queréis dar una vuelta por Madrid y "culturizaros" un poco, os recomiendo que visiteis la nueva exposición de Guy Bourdin "A message for you"

Compuesta por 75 fotografías en color y dos proyecciónes de vídeo, la exposición "A Message for you" nos muestra una selección de algunos de los trabajos de este conocido fotógrafo francés de moda y publicidad, y por supuesto, frutos de la colaboración con su modelo Nicolle Meyer.
Se trata de un paseo por la mejor época de Guy, en los últimos años de los 70.Famoso por sus narrativas sugerentes y estéticas surrealistas, Bourdin rompió con las convenciones de la fotografía comercial.

En la actualidad, su obra se expone en numerosos museos de prestigio, como el Victoria and Albert Museum de Londres, el Jeu de Paume de París o el Museo Nacional de China. Aquí en Madrid podréis encontrarlo en la Sala Canal Isabel II, en la calle Santa Engracia 125. La entrada es gratuita y podrá disfrutarse hasta mañana, asi que ¡daros prisa!

La Superabuela

Ya sabemos que las imágenes tienen la capacidad de controlar las mentes y corazones de las personas, pero curar a alguien es otra historia. Sin embargo, fue así, con una serie de fotografías y mucho cariño, que Sacha Goldberger ha ayudado a mejorar a su abuela de 91 años que sufría de depresión. Denominadas de «Mamika», las fotos muestran Frederika Goldberger retratada como una superheroína y fueran basadas en su historia de vida, pues ella ha ayudado a algunos judíos a escaparen de la persecución nazista. ¡Ella fue una verdadera heroína en la época de la Segunda Guerra Mundial! Si quieres ver al ensayo completo, haz clic aquí para visitar al portfolio de Sacha y pulse sobre «Mamika» para verlo.

Via UOL (en portugués)

La más bella imagen de un suicidio

Esta imagen fue tomada el 1 de mayo del año 1947. Su protagonista es una joven de 23 años llamada Evelyn McHale, que tras ser rechazada por su novio se lanzó al vacío desde el mirador situado en la planta 86 del Empire State Building de Nueva York.

Al otro lado de la calle se encontraba el autor de la fotografía, Robert C. Wiles estudiante de fotografía, que tras escuchar el gran estruendo se acercó y encontró a la bella joven sin vida sobre el techo de una limusina de un mandatario de las Naciones Unidas.

Las personas allí presentes pudieron observar un remolino blanco, parecido a un fino y delicado pañuelo blanco que caía flotando de lo más alto del Empire State. La serenidad de su cara y la elegancia de su cuerpo reflejaba una imagen casi onírica y su mano parecía acariciar un collar de perlas.

Dentro de su abrigo la joven llevaba algunos objetos personales como un libro o fotografías familiares, además de una nota que decía:

“Él está mucho mejor sin mí… Yo no sería una buena esposa para nadie”

La fotografía fue publicada en la revista “Life” el 12 de mayo de 1947. Y años más tarde en 1963 Andy Warhol utilizó dicha imagen para realizar uno de sus cuadros que tituló “Suicide (Fallen Body)”.

La famosa fotografía de Grace Jones

Graces Jones, durante la década de los años 80, fue una figura muy popular que no faltaba en las discotecas neoyorquinas Danceteria y Studio 54, donde conoció a Andy Warhol. Un icono creado a medida por Jean Paul Goude, con el que mantuvo una relación durante los años 80.

Jean Paul Goude es un francés diseñador gráfico, ilustrador y fotógrafo que diseñaba las portadas de los discos de la cantante Grace Jones, además de controlar los espectáculos, videoclips y apariciones públicas. Convirtió a su pareja en un concepto artístico.

Pero Goude además fue un pionero en la manipulación de imágenes, mucho antes de la aparición de software de retoque fotográfico. La famosa fotografía de Grace Jones es un ejemplo de esta anticipación. Fue publicada en New York Magazine en el año 1978 y posteriormente fue portada de su álbum “Island Life”, en ella aparece desnuda con un micrófono y en una postura característica e inconfundible que logró crear con la unión de diferentes fotografías tomadas en distintas posiciones.

El resultado fue un magnífico collage que ha sido imitada y reproducida en numerosas ocasiones.

Carátula del disco: Hard Ton Disco Queen.

Amber Rose posando como Grace Jones.

Versión LEGO.

Mario Testino, Todo o Nada

Todo o Nada, así se llama la colección de fotos de Mario Testino que se exhibe en el museo Thyssen desde septiembre del 2010 hasta el 09 de enero del 2011. Todo o Nada porque las modelos a las que fotografía o están completamente vestidas con pomposos trajes o completamente desnudas.

Testino es un renombrado fotógrafo de moda que ha trabajado para numerosas firmas y revistas sobre el tema. En esta exposición se pueden ver a numerosas modelos posando con exuberantes vestidos y en actitudes completamente altivas y soberbias. A mí personalmente este tipo de fotografía me gusta bastante poco, imágenes que no me dicen nada en las que se pretende que unas jovencitas sean vistas como diosas. La estética y composición de las fotografías están muy elaboradas, presentando muchas de ellas un degradado de claro a oscuro, jugando con las combinaciones de colores. También se colocan numerosos objetos raros en el entorno en el que posa la modelo con el objetivo de crear una composición más bizarra que hace que el que lo mire piense “que profundo es Testino”. Realmente yo pienso que eso no tiene ningún simbolismo, simplemente está ahí para llamar la atención. Si Walter Benjamin levantase la cabeza y lo viese ya no escribiría un texto de opinión, directamente volvería a su tumba espantado viendo que sus predicciones han llegado a su cúspide con este tipo de imagen sin magia ni simbolismo, completamente estetizada y transformada por el ojo del autor. Cientos y cientos y cientos de estas imágenes inundando las portadas de vogue y vanity fair. Creo que simplemente tenemos lo que merecemos, y esta fotografía muestra el vacío que hay actualmente en la imagen. Estéticamente no digo que estén mal, se parecen un poco a las de Annie Leibovitz por el gran contraste de color, el encuadre, la importancia del personaje y el retoque con photoshop. Pero la gran diferencia entre estos dos autores radica principalmente en que Leibovitz muestra el verdadero ser de la gente a la que fotografía, o al menos se aproxima mucho, y Testino muestra una imagen que no me dice nada, excepto una o dos que tenía.

Recomendación personal y sincera: Si te interesa mucho la fotografía o la moda, es una exposición que merece la pena ver. En cambio si eres un visitador de exposiciones más bien casual, no creo que quieras gastarte 5 euros (3,5 con la tarjeta de estudiante) por ver unas pocas fotos que puedes en todos lados. Me refiero a los anuncios de perfumes y ropa de moda.

Prix Pictet

El certamen internacional Prix Pictet sobre fotografía y sostenibilidad, ha presentado hoy 27 de octubre su primera exposición en España. Ha tenido lugar en la Delegación de Asturias en Madrid. La exposición se inaugura el día 28 de octubre y abrirá sus puertas al público el 29 de octubre hasta el 27 de noviembre.

La exposición que se celebra bajo el lema “Tierra” presenta los trabajos del ganador del premio, Nadav Kander, además de los finalistas Ed Kashi, Darren Almond, Christopher Anderson, Sammy Baloji, Edward Burtynsky, Andreas Gursky, Naoya Hatakeyama, Abbas Kowsari, Yao Lu, Edgardo Martins y Chris Steele-Perkins.

Se trata de un concurso que denuncia la devastación del planeta y en el que es más valorada la capacidad de despertar conciencia y debate sobre los problemas sociales y ecológicos que las técnicas gráficas empleadas.

Este año con el lema “tierra” más de trescientos concursantes han reflejado los efectos en el medio ambiente de la explotación de los recursos naturales. La finalidad del concurso es principalmente dar a conocer los problemas medio ambientales que existen y que afectan al hombre, generar impacto, dejar huella en el público y provocar un cambio en la sociedad y en las costumbres.

El ganador de esta edición es el israelí Nadav Kander con una serie de imágenes que realizó en poblaciones cercanas al río Yangtsé en China.

Nadav Kander. Series: Yangtze, The Long River

Darren Almond. Series: Fullmoon China

Christopher Anderson. Series: Capitolio

Edgar Martins. Series: The Diminishing Present

Abbas Kowsari. Series: Shade of Earth

Sammy Baloji. Series: Memory

JR: arte en vivo

El arte está vivo. Ya desde hace algunos años, el arte ya no es un monopolio exclusivo de museos y libros, sino que el arte se puede disfrutar en la propia calle, convirtiéndose en accesible a todo el mundo. Esta tendencia ha ido aumentando en los últimos años, y son ya muchos los artistas que utilizan como galería las paredes, muros, tejados o edificios de una ciudad.

Hoy quiero presentaros a uno de estos artistas, su nombre desconocido, su firma JR, es fotógrafo y grafitero de París y la semana pasada su obra fue galardonada con el premio TED (Tecnología, Entretenimiento y Diseño).

Sus obras inspiran a ver arte donde menos te lo esperas, con una fuerza desgarradora y un sentido trasfondo de reivindicación política. No busca ni fama (de ahí su anonimato) ni dinero, sólo que al mirar sus obras lo hagamos de un modo diferente, de tal modo que algo dentro de nosotros se remueva y tengamos ganas de luchar por un mundo mejor. Se dice que posee la mayor galería del mundo.

Enhorabuena.

La Fotografía hecha pintura: Efecto dragan

El mundo digital ha revolucionado el ámbito de la fotografía. Las técnica
s de photoshop pueden generar nuevos efectos, luces y sombras que hacen que una imagen pueda cambiar completamente su significado. Incluso me atravería a añadir que partiendo de una imagen que no trasmiten ningun tipo sensación, podamos crear tal efecto, que pueda considerarse una verdadera obra de arte.

Dejando a un lado los tutoriales cómo crear diferentes efectos con las técnicas de photoshop, voy a tratar sobre dos efectos digitales que pueden transformar las fotos en una imitacion a dibujos al óleo: efecto Dragan y el HDR.

ANDRZJED DRAGAN Y EL EFECTO DRAGAN

Andrzjed Dragan fué el creador de este efecto 'Draganizer'. Se trata de oponerse a la necesidad en fotografía de limpiar las imperfecciones de retratos y paisajes, y dejar verlos como parte de la simbología de una foto, e incluso realzar y endurecer estos efectos naturles de la piel de una persona o de los rasgos de la naturaleza.

Mano-Pe envejecidos-Dragan

Todo depende del grado de efecto Dragan que quieras generar en la fotografía. Añadir mayor oscuridad y profundidad a foto van a trasmitir emociones diferentes.

Con esta técnica, podríamos incluso generar un efecto de pintura al óleo, pero remarcando muchos más detalles del retrato o paisaje que quizás con un pincel podrían pasarse por alto.Actualmente en tan solo unos clicks hemos creado lo que antes costaba meses en crear.

A favor de la profesionalidad del fotógrafo, el efecto Dragan no sería posible sin una buena captura.

Paisaje Dragan

De la carne y la cera

Vibra un silencio de buhardilla, mórbido y dramático. Una quietud que abre los ojos, un aire sonámbulo de misterio y humedad. Parece que dijera: “Mírame. No me temas. Yo no soy quien debí ser. Soy la viajera que llora sin consuelo en las zapaterías, la que viste fantasmas de los sastres insomnes…”

Maniquíes desnudos en habitaciones blancas, cerradas y vacías. Cuerpos que guardan el secreto, pensando en todo lo que no fueron. Yo buscaba lo inacabado, la belleza escalofriante de lo que pudo ser. Un paisaje erótico: sólo el desnudo junto al paisaje vacío.

Ensayé un cuerpo casi de carne, quise confundir sus formas; imaginé vida en su figura insomne e inanimada, ese gesto que súbitamente en el claroscuro se me mostrara espantosamente vivo.

La historia a traves del Lego

Como hemos estudiado en esta asignatura una de las principales características de la cultura en la que vivimos es la autoreferencialidad, en la era postmoderna el Arte suele ser homenajeado o desvirtualizado reproduciéndolo por medio de técnicas más propias de la Low culture, muchos aficionados a la fotografía han hecho sus personales homenajes a pinturas, esculturas y como no fotografías reproduciéndolos a través de instantáneas recreadas con una puesta en escena fabricada solamente con fichas de lego.

A traves de ese juego de construcción que a base de pequeños bloques que forma parte de nuestra infancia colectiva puede llegar a recrear momentos de la historia universal.

En la web podréis encontrar, desde los fusilamientos del dos de mayo al levantamiento de la bandera americana en Iwo Jima recreado con la única ayuda de esas pequeñas fichas y una cámara, incluso en algunos casos la propia cámara ha sido construida con lego, como es el caso del foto grafo español Marcos Vilariño.

Lily Brik en sus diferentes facetas

Lili Brik, amante del poeta ruso Vladimir Mayacovsky se muestra en estas imagenes en tres formas diferentes, la primera es un retrato del fotografo Alexander Rodchenko hecho en 1924. En la segunda muestro la portada del un disco de la banda escocesa Franz Ferdinand, no es la misma imagen pero hace alución a ella de forma esteticista y en la tercera imagen se encuentra Lili Brik convertida en rompecabezas hecho por el fotógrafo brasileño Vik Muniz. Este es un ejemplo claro de estetización de la imagen o de la obra de arte, contiene un gran sentido y orientación estetica pero al mismo tiempo su mensaje ha sido cambiado y descontextualizado. Me parecen trabajos interesante por que la obra original se ha mantenido escencialmente pero a lo largo de los años muestra una evolución bastante significativa.

Sublime

Joel-Peter Witkin, es un artista que nos impacta con su estilo fotográfico, va desde lo sublime hasta lo asqueroso y a veces sus fotografás pueden horrorizarnos.
En estas fotografías se nos presentan temas o imagenes impresentables, imagenes fuera de lo comun y al momento de observarlas juegan con nuestros sentidos. Emocionales, tetricas y obscuras características del arte moderno sublime. A mi en lo particular verlas me dan algo de miedo, yo creo que son bastante desagradables por que parecen salidas de un album de Marylin Manson, me causan demasiado impacto visual y al mismo tiempo no puedo dejarlas de ver morbosamente.