Un proceso en el cual las imágenes crecen y se hacen poderosas en los medios de comunicación de masas. También aparecen elementos como el diseño o la publicidad. En definitiva la producción de imágenes se extiende más allá del arte.
¿Pero qué consecuencia tiene la estetización ?
Principalmente la perdida de su significado, la comunicación sensitiva se impone ante la significativa.
Aunque también ha cambiado la forma de relacionarnos con dichas imágenes.
Son muchos los grandes autores que han servido de "inspiración" a publicistas, artistas, fotógrafos... Un gran ejemplo de ello son: Salvador Dalí y René Magritte. Se artistas a inspiradores para otros. Aquí podemos ver claramente un ejemplo de estetización. Como sin pudor el publicista Kirill Chundinsky imita a ambos autores despojando de todo su significado a sus obras y estilos correspondientes.
Atención frikazos del cine, CINEMAD empieza el 18 de Noviembre.
Se trata del XVII festival de cine independiente y de culto, ¡y es aquí en Madrid!
Empieza el 18 y acaba el 27, y todos los días hay alguna programación, siendo el miércoles 24 el día con más actividad, 13 cortos y películas, desde las 16:00 horas hasta las 23:00, que empieza MY BEATIFULL LAUNDRETTE. El festival no se desarrolla en un único lugar, ya que se exhibirán estas obras de arte en diferentes sitios como el cine Berlanga, en varias localidades de Fnac, en el museo Reina Sofía, en el Bar Picnic, en la Vía Láctea y en la sala La Tabacalera. Todo un evento importantísimo para ver esos cortos y esas películas que no verás en otro lado. Por supuesto, también hay un concurso de cortos, aunque ya se cerró la fecha límite de entrega el pasado 31 de octubre. Oooooh.
El precio no lo sé porque no lo encuentro en la página, supongo que serán los precios habituales de cada Sala, por ejemplo la sala Berlanga cuesta habitualmente 6 euros, aunque como se trata de un evento especial puede ser algo más barato. La mayoría de las emisiones son largometrajes, algunos bastante antiguos, de la década de los 80, pertenecientes a la serie B y toda clase de otras reliquias para el gafapasta. El último día, sábado 27, se muestran los cortos ganadores del concurso. En este mismo blog iré informando de cada evento individual al que asista, para los interesados.
Para los adictos a la fotografía ( y para los no tan adictos), existe una forma de pasar un buen rato acompañado de una cámara que parece ser un juguete. La Lomografía comenzó a principios de los 90, cuando, por azar o destino (como bien se quiera considerar) se encontraron una Lomo Kompakt Automat,en nuestro idioma, una pequeña y misteriosa cámara rusa. Empezaron a hacer fotos sin tón ni són, incluso a veces se dignaban a encuadrar la fotografía a través del visor. La sorpresa se la llevaron al revelar el carrete, puesto que los colores de las fotografías eran intensos, saturados y la foto quedaba enmarcada por viñetas. Fue tal la fascinación que vivieron que les hizo desear sus propias cámaras Lomo LC-A, abriendo las puertas a un nuevo estilo de fotografía artística experimental que ahora conocemos como Lomografía.
Se trasladaron a San Petersburgo con intención de cerrar un contrato para la distribución mundial de esta pequeña e increíble cámara, imponiéndose rápidamente las 10 reglas de oro:
1 Lleva tu cámara siempre contigo
2 Utilízala siempre: de día y de noche
3 La Lomografía no interfiere en tu ritmo de vida, forma parte de él
4 Dispara desde la cadera
5 Acércate lo más posible a tus objetos de deseo lomográfico
6 No pienses. (William Firebrace)
7 Sé rápido
8 No necesitas saber de antemano lo que ha captado la película
9 Luego tampoco
10 Pasa de las normas
Posteriormente se crearon exposiciones,congresos mundiales, fiestas, instalaciones, colaboraciones y eventos. Se crearon nuevos productos, películas y accesorios, a su vez que se desarrollaron los ya existentes y Lomography.com sirvió como punto de contacto para los lomógrafos de todo el mundo.
Hoy, ellos mismos se definen como "una organización global dedicada a la expresión visual creativa y experimental, que disfruta con la combinación de nuevas y viejas tecnologías, y una institución cultural involucrada en una empresa de diseño y fotográfica comercial. Nos mueve la singularidad del estilo e imágenes de la fotografía analógica, y seguiremos contribuyendo a su desarrollo."
Olga's Gallery es una página de internet conocida por la gran cantidad de colecciones de pinturas online que alberga. Poseen más de 10.000 trabajos de arte (arte mundial) con información acerca de los cuadros, sus creadores y sus trabajos.
Organizada por nombres de artistas en orden alfabético o por temas mitológicos, nos ofrecen la posibilidad de conocer eventos o artistas históricos.
La página web se creó gracias a una madre y una tia que querían incrementar la educación de sus hijos/sobrinos respectivamente. Tras una larga charla acerca del teorema de Pitágoras y la vida de Leonardo Da Vinci, se le ocurrió a la niña (agotada de tanta historia), sugerirles que compartieran toda esta información con otros padres, algo que les pareció desde el principio muy atractivo a ambas. Pero posteriormente se dieron cuenta de que quienes de verdad necesitaban conocer "historia" eran los niños, por lo que se decidieron a crear una enciclopedia de arte.
El otro día una amiga actualizó su facebook con fotos de esta fotógrafa judía de Nueva York y me llamó mucho la atención, primero por usar el blanco y negro como técnica, y segundo por las fotos retratadas.
La década de los sesenta fue la más productiva para esta fotógrafa, puesto que, decidida a retratar la realidad total del mundo en el que vivía, recorrió los peligrosos barrios de Nueva York seleccionando a las "vícitmas" de su objetivo, entre los que destacaron enanos, nudistas y prostitutas.
Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos ) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo...
Fue la pionera del flash de relleno, o flash de día y lo utilizaba de manera habitual para que, al mirar sus personajes directamente a la cámara, ésta revelase sus defectos. Su intención no era otra que suscitar un sentimiento de temor y vergüenza en el espectador, representando "lo normal como monstruoso".
La técnica empleada (sitúa al personaje en el centro) rompe con la composición y crea una cierta tensión debido a que se trata de un punto con una gran carga visual (tal y como vimos en la clase del miércoles). La mirada del "modelo" siempre es directa, por lo que refuerza la tensión de la imagen.
Tras una larga depresión en 1971, Diane Arbus decidió acabar con su vida de una manera drástica, a través del suicidio. Un año después, Se convirtió en la primera fotógrafa estadounidense seleccionada para participar en el Bienal de Venecia. A su vez, ese mismo año, se organizó en el MoMa de Nueva York su primera gran retrospectiva.
El pasado septiembre el director español Achero Mañas, estrenaba su tercera película “Todo lo que tú quieras”, algo que podría ser perfectamente normal si no fuera por el hecho de que Mañas, había abandonado los rodajes durante ocho años, y el estreno de la cinta suponía su despertar profesional.
Sus comienzos fueron como actor, (“Así en el cielo como en la tierra”, “Belmonte”…) pero no sería hasta el año 2000 cuando su nombre comenzaría a sonar a bombo y platillo. “El bola”, su primera película como director, causaría estupor social y conseguiría nada más y nada menos que cuatro premios Goya. Nada mal para un director novel. A Achero Mañas podríamos considerarlo un director valiente, implicado con las causas sociales, y poseedor de una tremenda sensibilidad a la hora de crear. “Todo lo que tú quieras”, protagonizada por Juan Diego Botto, goza de una temática complicada que ha dividido a la crítica.
Pero no es de ninguna de estas dos películas de las que quería hablar en este post. Quizá el hilar el tema del estreno de su última película, con la llegada de uno de los meses más tristes del año, me ha hecho recordar la película “Noviembre”, segunda obra de Mañas.
Creo que todo aquel que se sienta en cierto modo vinculado al mundo del arte, debería tomar “Noviembre” como referente fílmico. Estrenada en 2003, nos presenta la acción en un formato distinto al que estamos acostumbrados en el cine español. Por una parte, nos presenta unos personajes hablándole a la cámara en lo que podemos suponer que es un “falso documental”, (formato del que hablé en uno de mis post anteriores y que retomaré nuevamente) y por otro, seguimos una trama dramática común, en la que la acción de los personajes se desarrolla con normalidad a modo de flashback.
La película nos cuenta las hazañas de un grupo de teatro, el grupo “Noviembre”, y principalmente se centra en la visión particular del arte de su protagonista, Alfredo (Oscar Jaenada).Representa la necesidad de un arte que provoque reacciones, que haga reflexionar al público, un arte que se incrusta en la propia realidad, y que a través de su drama la presiona para el cambio. Nos pone en frente a personajes de la vida cotidiana, mezclados en nuestra propia sociedad para darnos cuenta de que la propia vida es un teatro. Además hace referencia al altruismo, al arte por el arte, y denuncia la comercialización del mismo, la importancia del dinero en nuestra sociedad que subyace en una pérdida de interés por las cosas. Refleja los valores del grupo, del trabajo en equipo y de la importancia del consenso entre seres humanos y los conflictos que la ausencia de él puede originar.
Creo que es una película que nos enseña los valores más primitivos del arte, y la recomiendo a todo aquel que en cierta medida sienta aspiración artística en el campo que sea.
Esta vez, en vez de dejar un tráiler, dejo uno de los discursos más inspiradores de la cinta.
No sé si es algo lo cual sólo yo he percibido, pero en los últimos años el mercado de videojuegos fue invadido por la moda de lo que se llama «ediciones especiales» en la cual los juegos están prácticamente escapando de su mundo virtual para aportar en nuestra realidad. A lo mejor eso sea la respuesta de las grandes productoras al mal que las ha molestado por mucho tiempo: la piratería. Ojalá la industria de la música aprendiera con esta de entretenimiento. Pero ¿qué es una edición especial o de coleccionador? Esta versión «mágica», pues casi hechiza a los fans para que la compren, consiste generalmente en: el DVD o BD del juego con una funda diferente de la del mercado común; un libro con la arte conceptual del juego; un CD con la banda sonora o un código para descargarla; y, finalmente, algún extra que hace con se valga la pena comprarla y que frecuentemente es un objeto importante en el juego o un muñeco del personaje principal. Un gran ejemplo de esta fiebre es la edición prestigio del juego Call of Duty Black Ops, pues ya se ha agotado en varias tiendas.
La edición de coleccionador de la nueva versión del juego más vendido de todos los tiempos es compuesta por:
- el disco blue-ray del videojuego con una funda metálica;
- una medalla «de los Black Ops»;
- y un vehículo teledirigido con diseño RC-XD con transmisor de audio y video, salido del juego para la realidad así como se puede ver en el video abajo.
¿Ahora entiendes cuando te dicen que los juegos están ganando cada vez más vida?
La autorreferencialidad es un proceso constante y un recurso persistente en las campañas publicitarias. Tanto en la televisión como en la prensa podemos hoy día encontrar anuncios que intentan atraer nuestra atención por medio de elementos que ya son conocidos para nosotros. Así, es de lo más normal ver anuncios en los que se parodien películas o se usen caras conocidas que creen una sensación de familiaridad en nosotros. Uno de los casos publicitarios más comunes y por el cual el fin justifica los medios es la autorreferencialidad por una causa justa. Es decir, hay un segmento dentro de las campañas publicitarias que a diferencia del resto, no tratan de vendernos un producto o una idea, sino que intentan concienciarnos.
Una de las campañas publicitarias más mediáticas en Estados Unidos y que posee mayor longevidad, es la campaña “Got milk?”, en la que rostros populares del mundo del cine, la televisión o la música, muestran su rostro para fomentar el consumo de leche entre la población, y sobre todo en los adolescentes. Kate Moss, Hugh Jackman, Jennifer Aniston o el grupo Kiss, son solo algunos de los famosos que han participado en la campaña...
Titulado “Humo negro”, es una parodia de la recientemente finalizada serie “Lost”, y ha sido seleccionada por el GECP (Grupo Español de Cáncer de Pulmón) para alertar sobre todo al fragmento más joven de la población de las terribles consecuencias de la adicción a fumar, y el tabaquismo pasivo. El corto será cedido de manera altruista al Ministerio de Sanidad, Política Social e Igualdad para usarlo en las campañas antitabaco que se distribuirán en colegios e institutos. El creador del corto, el joven Álvaro Martínez, ha relacionado el conocido concepto del “humo negro” de la serie “Lost” con lo que les sucede a los no fumadores cuando un fumador practica su hábito cerca de ellos. Ideas como está son un claro ejercicio de autorreferencialidad positiva, ya que como todo el mundo sabe, la serie “Lost” es un ejemplo actual reconocible casi por cualquier joven, y puede ser un factor a tener en cuenta a la hora de llamar su atención.
Existe cerca del metro de embajadores, una antigua tabacalera que a pasado a formar parte de uno de los centros sociales más visitados después del Patio Maravillas.
Se trata de una gran extensión de terreno dividido en diversas zonas: desde un skate park hasta una "galería de arte". Zonas oscuras donde poder disfrutar de una buena película sentado en "bancos" de cartón reciclados, una barra para poder pasearte entre sus grandes "habitaciones" disfrutando de una buena cerveza -o cocacola- y espacios para impartir talleres de lectura, de pintura, de artes marciales...¡ y todo sin pagar ni un duro !
Dentro se su página web encontrarás las distintas actividades que se imparten (destacando esta semana taller de papiroflexia y de radio), como puede ser el laboratorio de teatro, taller de fotografía analógica, grupos de comunicación (web, vídeo, diseño gráfico...) Para participar en las actividades, o incluso para proponer algún taller que tengas ganas de realizar, sólo tienes que enviar un mail a contacto@latabacalera.net , no tardarán mucho en responderte.
Acércate y disfruta de todos sus espacios, desarrolla tus sentidos y pasa un buen rato sin preocupaciones. Os dejo su web a todos los que les llame esta nueva forma de divertirse aprendiendo y compartiendo: http://latabacalera.net/
Alan Wake es el último trabajo de la compañía Remedy para X-Box360. Tras seis años de desarrollo, este survival horror, estrenado en Mayo de 2010, está siendo muy valorado en cuanto a historia, jugabilidad y gráficos (avanzadas técnicas 3D: personajes, paisajes y ambientes espectaculares).
El guión, elaborado por Sam Lake (creador de la saga Max Payme), relata la fantasmagórica aventura de un afamado escritor de thrillers en plena crisis creativa, Alan Wake, que se retira con su esposa a un pueblecito estadounidense, Bright Falls. Alan tiene pesadillas, y le suceden cosas extrañas. Su mujer desaparece, y él sufre amnesia temporal. Encuentra fragmentos de una novela basada en sus pesadillas, que se va haciendo realidad mientras avanza la historia. Existen dos mundos antagónicos, el de la luz (el bien), y el de la oscuridad (el mal). De día todo parece normal en aquel extraño pueblo; de noche la oscuridad se apodera de todo. Alan ha de encontrar a su mujer, y para ello deberá vencer a sus enemigos oscuros combinando el poder de la luz con el uso de armas convencionales: necesitará una linterna, un arma, y administrar tanto las baterías como las bengalas y municiones de las que disponga.
El videojuego utiliza poderosamente el lenguaje cinematográfico e introduce al jugador en la historia. La trama, basada en elipsis espacio-temporales, va desvelando información relevante, de tal modo que uno construye la historia, y la entiende, a medida que va avanzando. Incorpora la técnica “bullet time”, ya utilizada en otros videojuegos, en cine (las famosas escenas de The Matrix), o en clips musicales (Like a RollingStone, dirigido por Michele Gondry).
Lo novedoso de este videojuego es que se desarrolla con la misma estructura que una serie del tipo Lost, tan de moda actualmente: episodios, recapitulación de lo acontecido anteriormente al inicio de cada uno de ellos (“anteriormente en Alan Wake…”), distintos tipos de tramas (corta, media y larga duración), y subtramas entre los distintos personajes.
Como reflexión, resulta curioso como todas nuestras tendencias se van reflejando cada vez más en diferentes aspectos y soportes, entrelazando herramientas, lenguajes y mecanismos, y todo ello forma parte de la enorme amalgama de la imagen en la que vivimos sumidos. Alan Wake es toda una experiencia que no decepcionará a los amantes del survival horror, y a la vez todo un ejemplo de mestizaje e hibridación entre artes, géneros y lenguajes.
