Experimental Japan from Dave Lee on Vimeo.

Time-Lapse video desde Japón.
Así me imagino visitar el lejano Cipango. A día de hoy.
Pura Psicodelia.

Vía Yo mismo.

Shulte - Crack in the Earth

Shulte - Crack in the Eath (Found Footage VideoClip by FMP) from FMP on Vimeo.

He realizado este videoclip con metraje encontrado en la gran despensa de Archive.org, que no me cansaré de recomendar por la cantidad de material interesante que contiene.
El clip juega con los conceptos e ideas de los año 50 y 60 de la psicosis por la Bomba y la entrada de la televisión en todos los hogares como medio de entretenimiento y distracción de las masas.
Todo el material tiene licencia open source y proviene de antiguos anuncios de televisores, tabaco, documentales bizarros o videos institucionales, entre otras fuentes.

La canción se llama Crack in the Earth, título que da el punto de partida a la temática del vídeo que es muy subjetiva y cada uno puede interpretar. La banda de la canción es Shulte, un grupazo muy recomendable con un fresco estilo funky & soul.
¡No os perdais su myspace!

El video tambien en Youtube.

archive.org

Archive.org es un inmenso océano de contenido multimedia donde se pueden encontrar curiosos documentales antediluvianos, películas con licencia de dominio público, o publicidad de la edad de piedra entre otras muchas cosas.

Y desde la edad de piedra nos llega este video de publicidad de tabaco Winston, protagonizado por nada menos que los Picapiedra (A.K.A. The Flinstones) en 1960. Hoy nos parece surrealista ver a esa entrañable familia animada recomendando fumar una determinada marca, destacando el sabor y la suavidad de sus cigarrillos.

Es impagable el momento en el que Pedro le da fuego a su estilosa mujer o cuando se va a comprar tabaco al "piedra-estanco".

Escenas desde una Azotea

Scenes from a rooftop from Paul Johannessen on Vimeo.

Curioso cortometraje elaborado mediante la técnica Tilt-shift, que con el uso de lentes especiales consigue transmitir un efecto visual de "maqueta". El creador del video, Paul Johannessen utilizo una cámara HD Panasonic HVX200, con la que también utilizó el time-lapse (captura de un número bajo de fotogramás por segundo).
Esta ténica consigue transmitir una visión de nuestro mundo como si estubiese a la escala de las hormigas.

Johannessen está muy inspirado en el gurú de estas técnicas visuales, Keith Loutit, en cuyo apartado de Vimeo podemos ver sus creaciones.

Fotografía del recuerdo

La fotografía de arquitectura nunca me había entusiasmado demasiado, realmente los edificios y demás no captaban mi atención lo suficiente como para retenerlos en mi memoria durante mucho tiempo. Pero las cosas cambian, y ves nuevas perspectivas, y ahora un edificio no es para mi un montón de ladrillo bajo formas matemáticas y físicas. Puede ser mucho más, de hecho lo son. Y un ejemplo significativo de esto lo encuentro en la obra de Yves Marchand y Romain Meffre. Con su cámara, estos fotógrafos franceses, retratan edificios abandonados de una forma realmente poética y bella. Las ruinas se convierten en testigos de la evolución, del cambio. Y son unos testigos muy poderosos.

Al ver esos teatros, piensas en fantasmas, piensas en algo que perdura, en la fragilidad y en el tiempo, como explican los fotógrafos.

http://reliques.online.fr/

Docteur Gecko.

Siguiendo con el tema de arte callejero quería hablaros de este diseñador gráfico que me llama mucho la atención. Su obra también consiste en modificar carteles publicitarios, pero la originalidad de Docteur Gecko se caracteriza por hacerlo con pintura sensible a la luz, consiguiendo así que el cambio de dichos carteles solo sea visible por la noche.

A mí personalmente me fascina :D

Spy

Son muchos los artistas que utilizan la calle como materia prima para su trabajo. SpY es uno de ellos. Es un madrileño que lleva desde mediados de los ochenta utilizando esta forma de expresión. Su obra, que comenzó con el graffitti, ha evolucionado y ahora consiste en la apropiación de elementos urbanos que encuentra en la propia calle y modificarlos o reutilizarlos convirtiéndolos en obras de arte llenas de humor e ironía.

Shopdropping

Una nueva forma de "Culture Jamming" está revolucionando los supermercados en EEUU, ya no sólo tienen que preocuparse de que la gente no robe, sino que ahora también los trabajadores tienen que controlar que no les dejen productos en sus estanterías.
Se trata de un movimiento de autopromoción y crítica en el que los artistas colocan sus productos y obras camufladas en los supermercados y grandes almacenes. Por ejemplo, algunos artistas colocan sus obras impresas en latas en la sección de comida.

Más información sobre este fenomeno en: http://www.shopdropping.net/pages/menu.html

The Decapitator

Hace poco descubrí algo que me llamó la atención, se trata de The Decapitator, un artista (o como querais llamarle...) que se dedica a transformar anuncios publicitarios en carteles y vallas que encuentra por la calle, cambiando las cabezas de los modelos por sangrientos muñones.

Aquí un ejemplo de lo que hizo con un anuncio del restaurante KFK y un anuncio de Champagne Moet&Chandon.

Más imágenes en: http://www.flickr.com/photos/the_decapitator/

Un gran hermano permitido

Un hombre ha sido condenado a cinco años de alejamiento de su familia por instalar una cámara en el baño de su casa, la intención era espiar a su hija anoréxica, pero también quedaron registradas sus otras hijas, su mujer y amigas. La sociedad condena a este hombre como el peor de los espías de la guerra fría, dato curioso, si lo analizamos pensando en que vivimos en una sociedad de la información donde las cámaras, los bancos de datos, las redes sociales o la red ECHELON trafican con nuestra intimidad de manera impune y lo peor aún permitida por nosotros.

Vivimos en una sociedad donde se trafica con la imagen a diario, donde el joven presidente de Facebook se ha convertido en uno de los tipos mas ricos del planeta con un servicio supuestamente gratuito, esto ha sido posible gracias al trafico de datos y publicidad, pero el padre que registraba a su hija vomitando, es un peligro publico y un tarado.

SHOAH

Al abordar un análisis o comentario sobre este documental de Claude Lanzmann, desde el punto de visto técnico y objetivo, hay algunas cosas que me llaman la atención: no se recurre a ningún tipo de imágenes de archivo, toda la obra se estructura en entrevistas sin cortes en tiempo presente y en visitas a los lugares donde ocurrieron los hechos. Tampoco existe ningún tipo de banda sonora o acompañamiento musical. Todo esto me lleva a pensar, que Lanzmann buscaba la máxima sensación de realidad y verosimilitud, de mostrar a testigos de esos horribles hechos, contando y describiendo sus vivencias personales. En varias ocasiones interviene él mismo para animar a las personas a que sigan contando sus historias cuando ve que estos se están derrumbando psicológicamente, diciendo que es importante, que hace falta que se sepa ese testimonio.

Sobre temas tan delicados y polémicos como el que trata este documental, se haga el tipo de obra o reflexión que se haga siempre van a surgir críticas. Como he dicho antes, Lanzmann busca que su obra sea lo más real posible. Estoy de acuerdo en que estas cosas deben contarse, y que la gente debe saber lo que ha pasado. En cuanto a la forma de llevarlo a cabo, discrepo en algunos aspectos. En concreto la parte en la que un hombre aparece contando su experiencia como peluquero en un campo de exterminio, en su actual trabajo, una peluquería, mientras le está cortando el pelo a otro hombre. Comprendo que Lanzmann quería buscar un paralelismo y un tono más realista, pero no creo que sea apropiado hablar de esos temas mientras se está ejerciendo cualquier otra tarea, como si estuvieras hablando del tiempo o de fútbol. Debería haber tenido algo más de delicadeza en esa parte, aunque esto es solo mi opinión. Dá la impresión de que este hecho estuviera planificado antes de la entrevista, lo cual contradeceria la búsqueda de realismo de Lanzmann.

Carlos Ramos Callejo

The world of Gilbert & George

Lo que más llama la atención sobre Gilbert & George es su independencia. “creen en el arte, la belleza y la vida del artista como individuo excéntrico con algo que decir”. Su posicionamiento es el del outsider, con sus trajes, su regodeo en situaciones perversas y en ocasiones escandalosas.

Puede que en sus comienzos aspiraran a desvincularse del conceptualismo y de la tosquedad estética de la escultura de acero soldado de Saint Martin’s y de la simplicidad amateur de los happenings. Pero lo que rechazamos forma también parte de nosotros. Por eso, mientras intentan ganar adeptos para un “arte para todos”, Gilbert & George entran en un periodo de profunda reflexión que les lleva a realizar unas fotografías en las que se les ve caminando y contemplando la naturaleza, que luego repasan con carboncillo. La ciudad que les rodea se convierte en tema de su trabajo. El Londres de Gilbert & George es más que un telón de fondo: es un lugar lleno de vida y de suciedad, de espanto y de sorpresa, de aburrimiento y de belleza. Como la propia ciudad, la muestra, desigual y descontrolada, se mueve entre la oscuridad y el bullicio, entre lo sexy y lo monstruoso; en ella los artistas exhiben lo mejor y lo peor de sí mismos haciendo que nos preguntemos qué es qué, y qué entendemos por lo mejor y lo peor. Lo que produce es una sensación de ambivalencia.

SOY UNO DE LOS VUESTROS...

TEXTO DEL POSTER:
Por fin, ¡lo habéis logrado! Ya me tenéis, a mí, a la persona convertida en monstruo para, de esta manera, justificar vuestra supuesta rectitud moral. Sí, en efecto, me tenéis, y también ya lo tenéis: la aberración de la naturaleza capturada y castigada,el símbolo de que el sistema funciona y que la vieja división entre buenos y malos todavía pervive y funciona.

Me juzgáis y llamáis monstruo, pero yo soy parte de vosotros. Hasta hace bien
poco yo era un tipo simpático, un trabajador ejemplar, un gran amigo, un buen padrey marido. Hacía todo aquello que define a un buen ciudadano: trabajaba, consumía,votaba, de vez en cuando viajaba y, sobre todo, disfrutaba tranquilamente de la vida sin preocuparme más que por mis pequeñas ocupaciones diarias y sin meterme en lo que no me llamaban. Igual que vosotros.

Era un buen ciudadano y como tal me respetabais, pero al quitarme la máscara de la normalidad apareció el rostro de la barbarie, ésa que jamás queréis ver pero que todavía sigue ahí, en vuestras casas, en vuestros supermercados, en vuestras oficinas, en vuestra sociedad.

Era un buen ciudadano, pero también un cabrón, un sádico, un violador, un
asesino. Un ángel y un demonio. Ahora os doy miedo y asco. Me odiáis. Soy vuestro pecado y vuestra coartada, el incómodo rostro de la depravación que debe ser encerrado o asesinado legalmente para que el mal se aleje de vuestras vidas.

Soy la deshumanización de lo humano, el error mayúsculo, un accidente anti-natura frente a vuestra cacareada normalidad y decencia. Soy la perversión que surge donde no alcanza a mirar la ley que vela vuestro sueño. Soy la letra pequeña del contrato que habéis firmado con la-sociedad-más-civilizada-del-mundo.

Me odiáis porque represento todo aquello que calláis en vuestra vida diaria, todo
aquello que hacéis como si no existiese: la arbitrariedad del poder, la humillación,
la soledad forzada, la incomunicación, la explotación, el dolor, la tortura, el
encarcelamiento, la brutalidad, el asesinato, la muerte. Hacia el exterior era un modelo de honestidad, pero allí donde no había testigos me convertía en una bestia implacable e insensible. ¿Qué sentido tenía para mí la piedad si se trataba de satisfacer mi placer? ¡Juzgadme! También os juzgaréis vosotros mismos. Soy vuestro reflejo deformado. Soy Eichmann y vosotros sois mis hijos. Soy el crimen necesario para que vuestra rutina no se altere. Soy la violencia sancionada por este mundo.
Soy lo que no queréis ver: soy el fósforo blanco cayendo en Gaza, soy la dominación de una elite económica y burocrática, soy la represión y medicalización de la vida, soy la humillación y violación diarias, soy el avance irrefrenable de lo que llamáis progreso.

Vuestra única salida a este atolladero es analizarme, psiquiatrizarme, designarme,
clasificarme, explicarme como desviación y, finalmente, ocultarme. Borrar mi humanidad desfigurándome. Rociarme de ácido. Encerrarme y apagarme. Transformarme en un personaje de telefilm. Exorcizarme. Amputarme cualquier rasgo humano con el que poder identificaros, hasta que ya no sea uno de los vuestros. Hasta que podáis volver a vuestra rutina y olvidaros de mí. Nunca llegaréis a comprender mi existencia o quizás es que no queréis hacerlo.

Y todo para que continúe la ridícula farsa que sostiene el mundo, aquella que define lo normal de su contrario, que se protege de mí pero no de sí misma. Ya me tenéis.

Sí, ya lo tenéis. Fui, y todavía soy, uno de los vuestros.

Colectivo de Trabajadores Culturales La Felguera,
marzo 2009.

¿que sensaciones puede producir este texto?
rechazo, miedo, inquietud.... ¿o nos propone una verdadera reflexión?
me pareció un texto brillante y con la valentía de estar colgado en medio de la calle, entre tanta mierda...mucha gente se paraba, unos con cara de asombro, otros lo leían con atención, otros lo intentaban obviar sin conseguirlo, otros lo arrancaban y otros lo admiraban, pero pocos son los que consghían quedarse indiferentes ante esta desgarradora y aguda crítica.

¿vosotros en que grupo os estaríais?

MILER LAGOS

Si en lugar de nacer en Bogotá en 1973, Miler Lagos hubiera nacido en el siglo IV aC, habría sido un apasionado participante de las disputas sobre la relación entre apariencia y realidad. Ante el desdeñoso argumento del filósofo griego Platón de que el arte es sólo la copia de una copia, habría defendido a morir el placer de esa imitación. Aunque es posible que en la república ideal del filósofo, que desconfiaba de poetas y artistas, los engañosos objetos de Miler estuvieran entre las obras condenadas a ser destruidas por traicionar la verdad.

Con seguridad se habría defendido explicando que justamente cada pieza suya muestra la facilidad con la que las formas nos hacen tomar gato por liebre. Y sus palabras habrían sido las mismas que usa hoy para hablar de su obra: “Casi siempre –asegura– cuestiono la construcción de realidad que hacemos a partir de la apariencia y de la forma de las cosas y que nos lleva a pasar por alto la constatación de la materialidad del objeto. Tenemos un conocimiento que nos dice que una columna es sólida, maciza, fría, resistente, o que una silla se hace a la altura de las piernas para reposar. No nos preocupa siquiera constatar si las sillas que vemos pueden soportar nuestro peso”.

Ernesto Neto

Las obras de Ernesto Neto pueden ser denominadas “experiencias de escultura” , pues exploran efectos corporales y sensoriales, e incitan al espectador a una participación activa. Cada vez los artistas buscan que el espectador se involucre para darle así el sentido completo a la obra.
En sus obras el cuerpo ocupa un lugar central, inseparable de una exploración de las dimensiones psicológicas y sociales del trabajo artístico. "Lo que trato de hacer con mi trabajo es proponer una nueva idea para sentir y entender nuestro universo. Yo no propongo una solución o un escape, sino un factor de bienestar… donde ellos (el público) pueda encontrar alguna tranquilidad espiritual" dice Neto.

El artista emplea tejidos que ejercen poderosos efectos sobre los sentidos, como el nylon, la espuma de poliestireno o la lycra con aspecto de caucho, que incitan a ser tocados a la vez que subrayan la ligereza y la permeabilidad de las estructuras que forman. En su obra “Nude Plasmic” realiza una construcción en forma de tienda de campaña se extienden por la estancia desde el techo al suelo, invitando a los espectadores a penetrar en ellas a través de angostos orificios. También construye voluptuosas esculturas corpóreas rellenas de espuma de poliestireno formando una mezcla de asientos y prendas de vestir, que el espectador puede utilizar para sentarse en ellos o llevárselos puestos (Humanoides).

Todas su obras son meditaciones íntimas a propósito de las sutiles membranas que constituyen los límites ente un individuo y su entorno, a la vez que aluden a los paisajes de una naturaleza terrena, extraterrena o bien microbiológica. "Me gusta pensar en el cuerpo como un paisaje de placer, como una meditación sensorial", afirma Ernesto Neto.

Terry Richardson y la nueva fotografía de moda

En el proyecto María y yo, decidimos hablar, como bien dijo ella en otro post, del decollage, pero también de tres de los fotógrafos que hoy en día consideramos que han sabido revolucionar el mundo de la fotografía y de la moda.
Ellos son Terry Richardson, Juergen Teller y Ryan Mcguinley. Cada uno de ellos tiene sus características, pero el que más nos gusta o asombra por su modo de ver la fotografía es Terry Richardson.
Le gusta mucho el sexo y es algo que está presente en todas sus fotos, ya sean retratos, moda... ese erotismo es parte de forma de entender la fotografía.
Luego tiene otra vertiente, no tan artística, dado que se acerca mas a la pornografía que a lo artístico. Una curiosidad es que en su página web tiene un apartado donde pone claramente que si quieres posar desnuda para Terry Richardson mandes una fotografía tuya para que te vean, esto escrito debajo de una fotografia con la imagen de una puerta y el numero 69.
Aquí os dejo su pagina web, donde tiene algunas de sus fotos, aunque las mas recientes no. Por nombrar alguno, hacer poco hizo una editorial para la revista Rolling Stones con los protagonistas de la exitosa serie Gossip Girl y también retrato a Obama durante su campaña.
http://www.terryrichardson.com/

MARDI GRAS ( MARTES GORDO)

LAS IMÁGENES QUE HE ESCOGIDO SON DEL MARDI GRASS DE NEW ORLEANS, ES UNA FIESTA POPULAR QUE SIN ANIMOS DE QUERER APARENTAR SER MAS, SE USA LA IMITACIÓN COMO HERRAMIENTA PARA FESTEJAR DE MANERA COLORIDA E INCLUSO HASTA IRONICA.

DESPUES DEL HURACAN KATRINA, LO NORMAL HUBIESE SIDO QU ENO SE FESTEJARAN ESTAS FIESTAS, PERO AUN ASI SE FESTEJO, QUIZA NO CON EL MISMO PRSUPUESTO PERO SIN PERDER LA ALEGRIA CARACTERISTICA DEL PUEBLO DE NEW ORLEANS.

DIANA SANCHEZ PERALES

The Weather Proyect

El artista danés, Olafur Eliasson transformó en el 2003, el gran espacio del Turbine Hall de la galería Tate Modern de Londres, en un imitación de un gigantesco solarium, que atrajo a miles de fanático del sol artificial. Los espectadores, o mejor dicho, los participantes, al contemplar el espejo que formaba su techo veían un reflejo que completaba el semicírculo de la hilera de lámparas, así como un doble fantasmal de ellos mismos a través de una nube de vapor de agua. Esta técnica de introducir el exterior en el espacio interior de la galería, ya se trate de una cascada (Wasserfall,1998), una pista de hielo (The Very Large Ice Floor, 1998), un bosque (The Forked Forest Path, 1998) o un arco iris ( Beauty, 1994), como una crítica o instrumento para quebrar la visión institucionalizada de los que acuden a la galería, es sin duda una preocupación para Eliasson. Sin embargo, los proyectos internacionales y las exposiciones bienales a menudo lo sacan al exterior del museo, donde tiene mayor libertad para mantener su compromiso fenomenológico con el acto de ver y de experimentar el arte, bien sea vertiendo en un río decenas de litros de tite verde, bien dejando abierto un chorro para que el agua se infiltre en rincones ocultos de una ciudad. Los espectaculares resultados de una colaboración o investigación casi científica , como su caleidoscópica y cenestésica "Blind Pavilion" en la Bienal de Venecia de 2003, se obtienen desarrollando juegos de percepción. Eliasson se propone una situación y crea una maquina o un medio para conseguir su finalidad, pero dejando claro que, sin nuestra implicación, la maquina deja de funcionar.

J.C. ACTION MAN!!!

La autoreferencialidad y la estetizacion han llegado a mojar las ramas de casi cualquier corriente artistica. Aqui tenemos un claro y gracioso ejemplo de lo que puede producir. Quizas se trate de una de las autoreferencialidades mas grandes para la sociedad occidental: Cristo en muñeco de accion; con nuevas funciones incorporadas (camina sobre el agua), personajes que le acompañan en sus aventuras y trepidantes escenarios. Lamentablemente no incluye la cruz pero se puede comprar por separado en tiendas especializadas. Hechad un vistazo a toda la nueva gama......

Futbol, mentiras piadosas e himnos en video

Por suerte vivimos en una Democracia, y la censura franquista es cosa del pasado, lejos quedan las triquiñuelas de directores como Berlanga o Bardem para burlar a los censores, como lejos quedan ese claramente manipulado NODO. Pero hoy en día sigue practicándose en nuestro país la censura probablemente suele utilizarse de una forma más sutil que no menos peligrosa. La semana pasada esto cambio y TVE practico una censura descarada en la retrasmisión de la final de la copa del Rey de futbol, donde no mostro una sonora pitada al himno nacional a cargo de los hinchas nacionalistas Vascos y Catalanes. Este polémico momento fue retransmitido en diferido en el descanso, con un montaje nada casual y con una suavización de los abucheos.

¿Qué temía TVE? El director deportivo fue despedido el cual probablemente estaría cargado de buenas intenciones, pero la realidad es que una cadena que presume de ser veraz, como todas, practica una clara censura sin sonrojarse si quiera, era tan peligroso enseñar esa predecible imagen junto a ese sonido, o la polémica creada es mucho peor. Video de la retrasmisión

publicidad original

Este tipo de publicidad es innovador para el publico aunque un poco difuso ya que para algunos es considerado como un arte y para otros es simplemente otra forma nueva de publicidad.
el termino estetizacion de alguna forma es un tipo de embellecimiento del mundo es una forma de demostrar que en la actualidad no existen barreras entre el arte y la vida cotidiana.

IMAGEN POLÍTICA

La película Primary Colors, esta basada la historia de el ex presidente de los Estados Unidos Bill Clinton durante las primarias del Partido Demócrata de Estados Unidos en su carrera por la nominación como candidato del partido a las elecciones presidenciales.

Un primer apunte a tener en cuenta antes de realizar el comentario es que como en muchas otras cosas, la realidad política estadounidense es muy distinta de la europea. EEUU tiene (para bien o para mal dependiendo del caso concreto) un concepto del espectáculo mucho más desarrollado, donde la política también se ve inmersa.

En la película se puede apreciar claramente lo que dice la definición de comunicación política, donde todo mensaje que se transmite es de forma intencionada, y con una finalidad persuasiva. Así se hace durante toda la película, donde el candidato mide y cuida muy bien todas sus declaraciones. Trata de convencer a los votantes del Partido Demócrata, de que él el el mejor candidato para las elecciones presidenciales. Todos sus actos y gestos están planificados para tener un efecto determinado, y también son distintos en función del receptor. En la película se aprecia muy bien como trata de ser muy cercano al ciudadano de a pie, establecer con ellos un contacto directo, y recurrir al elemento emocional, calificándose como uno de ellos.

La imagen es también un elemento muy importante en la comunicación política, y en Primary Colors se aprecia bien como el público es influenciado por aspectos como la ropa que lleva puesta el candidato, sus rasgos físicos, así como su vida privada y su conducta moral. Es esto ultimo lo que más problemas le da al protagonista, al haber mantenido un romance al margen del matrimonio, y estar esa mujer embarazada. Tanto él como su equipo asesor ven esto como una gran amenaza para sus objetivos, y tratan de taparlo para que no salga a la luz, utilizando métodos “poco éticos”, como el ofrecerle dinero y la manutención al padre de la chica embarazada.

Debido a este asunto, se aprecia también como una de las mujeres que trabajan en la campaña, al ver todo su sistema de creencias establecidas destrozado, acaba desencantada y frustrada, y termina por suicidarse.

Trata de controlarse mucho todo lo que se dice del candidato, sus apariciones públicas, discursos, debates, vestuario, gestos, todo esta medido para obtener unos resultados. Cualquier pequeño detalle puede tener una gran influencia entre los votantes.


Carlos Ramos Callejo

Kara Walker, arte de sombras para no olvidar.

Kara Walker es una artista afroamericana reconocida por “explorar la cruda intersección de la raza, el género y la sexualidad, expresada a través de siluetas de tamaño real, que hacen alusión a la brutal y en ocasiones reprimida historia de las relaciones raciales americanas.”

La artista proyecta siluetas de papel, directamente en las paredes de la galería. Esto crea un ambiente teatral donde expresa la complejidad de identidades a través de personajes en forma de caricaturas, cuyas situaciones son fácilmente identificables. Cuando el observador atraviesa las instalaciones, su cuerpo produce una sombra en las paredes que se mezcla con las figuras de papel negro y paisajes.

En presentaciones de obras como la de Darkytown Rebellion (Rebelión de Darkytown) la artista utiliza proyectores con luces de colores en la parte superior de la sala, con el objetivo de iluminar el techo, paredes y el suelo y darle un toque realista a sus exhibiciones. Walker se basa en el realismo histórico de la esclavitud y en la fantástica ilusión de una novela romántica, para seducir e implicar al espectador a formar parte en las degradantes escenas de maltrato sexual, mutilación y humillación.

Mientras que el uso del lenguaje del siglo XIX crea cierta distancia del horror, el singular talento de Waker consiste en recordar al mundo civilizado un macabro espectro que no permanecerá en el olvido. Podemos decir que su arte hace referencia al concepto de sublime estudiado en clase, ya que se pone de manifiesto aspectos negativos basados en el temor.

"No veo que nada bueno haya salido de Internet"

"No veo que nada bueno haya salido de Internet. Creó la noción de que cualquiera puede tener lo que quiera en cualquier momento. Es como si las tiendas de Madison Avenue estuvieran abiertas las 24 horas del día. Se sienten con derecho a ello. Dicen, ‘dámelo ahora’, y si no se lo das gratis, lo robarán (...)"

Michael Lynton, CEO de Sony

Una vida entera en 42 segundos

En el marco del festival Ondedreamrush, se elavoró este emotivo microcorto de 42 segundos. En él se resume la vida de una persona en 23 tomas inspiradas en recuerdos de los autores invitados al festival.

Con una música crepuscular y una estética muy cuidada, el corto ha sido grabado con una réflex digital Canon EOS 5D con objetivos Lensbaby.

Last Day Dream [HD] from Chris Milk on Vimeo.

En 42 segundos se destilan los sentimientos más profundos de toda una vida. Quizá lo verdaderamente importante dure muy poco.

Lo encontré en Microsiervos que lo disfrutó vía un tuit de JF10, que a su vez lo vio en ALT1040, donde antes lo habían visto en aLOLaday. (Es lo que tiene el Hipertexto!!!)

UN CONCEPTO DIFERENTE DE ARTE

El trabajo artístico de Chaparro se centra en la escultura, el diseño y la fotografía. Es conocido por expandir los límites entre lo denominado arte y otras disciplinas, convirtiendo precisamente a esta frontera en su tema principal. El artista he expuesto en diversos países de América y Europa. Como director editorial del Grupo Editorial Celeste Chaparro ha publicado más de 40 revistas y libros en los campos del arte contemporáneo, moda y diseño incluyendo las revistas Celeste y Baby Baby Baby, dos de las publicaciones latinoamericanas más influyentes a nivel mundial en cultura contemporánea.

Chaparro percibe la música como un acontecimiento cultural amplificado que nos afecta mucho más que como un mero elemento sónico; su impacto personal, sentimental, generacional y sexual es innegable. En un esfuerzo por representar este fenómeno, el artista reinterpreta atmósferas y descontextualiza letras y títulos de canciones para construir objetos que evidencian estructuras musicales.

Su trabajo trata de entender a una sociedad que ha hecho de la música su religión como resultado de la influencia en la sociedad contemporánea de la música popular y su penetración dominios de lo económico, sociológico, artístico e histórico.

Recientemente Chaparro expuso en una importante muestra colectiva en Córdova, España titulada ROCK MY ILLUSION junto artistas de renombre internacional como Dan Graham, Joan Morey, Juan Clemente y Esther Planas entre otros.

poete noir

Aqui està mi video poete noir.

lo he hecho ententando de utilizar una metodologia situaccionista: el detournament.

utilizar imagenes, textos y sonidos de artistas distintos y crear un nuevo sentido original a traves de la mezcla de los varios elementos.

A ver que ve parece.

Lo he hecho en relaccion al ejercitacion sobre hernry fool.

Publicidad Apple

HISTORIA DE UN INCENDIO

“Historia de un incendio. Arte y revolución en los tiempos salvajes. De la comuna de París al advenimiento del punk”. es tan solo uno de los interesantes libros que podemos encontrar de la editorial “La Felguera”, pero escogí este título por ser el que mas se acerque a los contenidos tratados en la asignatura, aunque sin duda todos ellos tengan que ver también.

“Indudablemente somos bárbaros, ya que una cierta forma de civilización nos da asco” (¡ La revolución ahora y siempre”! Declaración de los surrealistas).

Con esta declaración de valores se presenta el autor Servando Rocha para llevarnos por un recorrido vertiginoso nada académico y lleno de pasión y lucidez, en el que la revolución y la ventana de la utopía siguen vivas.

Un libro que quizás nos dote de algún arma o clave para vivir en estos tiempos tan siniestros.

Recomiendo visitar la página web de La Felguera: www.nodo50.org/lafelguera.
En ella podréis ver, además de los libros editados, el resto de actividades que realiza La Felguera como colectivo, leer su manifiesto, o los actos que realizarán entre otras muchas cosas.

Jenny Holzer, convierte la palabra en un elemento estético

A finales de los setenta y principio de los ochenta, artistas feministas empiezan a criticar abiertamente los conceptos de representación, de aura y de obra de arte y, sobre todo, potencia el diálogo con el mundo de los medios de comunicación. Artistas mujeres como Cindy Sherman, Robert Longo, Barbara Kruger, Jenny Holzer, entre otras, ya no trabajan con imágenes originales de la realidad o fruto de la imaginación, sino con imágenes apropiadas directamente de fotografías publicitarias, de temas televisivos y cinematográficos o de la misma historia del arte.

Estas artistas comienzan a reflexionar sobre el modo en que los códigos informativos y los mensajes publicitarios conformaban nuestras vidas. Para ellas, la forma en que percibimos la realidad no es nunca natural o neutra, sino que viene definida por los contextos políticos, económicos, culturales y sexuales. A partir de los años sesenta, el entorno queda definido, fundamentalmente, por los Medios de comunicación de masas.

Jenny Holzer empieza a utilizar en su obra los signos luminosos a los que recurren las grandes corporaciones, los edificios estatales y los centros comerciales para promocionar ideas y productos. Su propósito era recurrir a un instrumento de comunicación masiva para subvertir los mensajes y los modos de vida que esas instituciones defienden y promueven.En su trabajo, Jenny Holzer escribe textos profundos y filosóficos, que son proyectados o transmitidos en espacios públicos: en la calle, en las paredes de los edificios, en cuerpos de agua, en carteles publicitarios, en anuncios electrónicos. La palabra se convierte en un elemento estético. Expresa mensajes sobre temas tabúes como el sexo, la violencia, el amor, la guerra y la muerte.


A continuación unos videos donde Jenny Holzer explica alguno de sus proyectos.

REFLEXIÒN

Reflexión no es más que una mirada introspectiva a la fotografía. La fotografía que se observa, se representa a sí misma.Se trata de un juego, como una mirada en un espejo, gracias a la cual nos reconocemos en nuestra identidad. Viéndonos desde fuera sabemos de nuestra existencia. Reseña del autor

Juncal Horrillo García nace en Cádiz en 1977, y tras licenciarse en CC. de la Información en la Universidad de Sevilla alterna diferentes trabajos en revistas y agencias con la asistencia a cursos de diseño gráfico y web, y descubre tímidamente su afición a la fotografía.
Años más tarde, instalada en Cádiz y desarrollando su trabajo como diseñadora, retoma esa pasión de forma autodidacta y acudiendo a cursos organizados por la Uca.

Tatuajes

Hoy en dia los tatuajes son muy populares entre la gente, se usan por simple gusto o porque a algunos les paerece algo de estética.

pero no siempre fue asi, en el antiguo egipto comenzó por un acto exclusivo de mujeres para demostrar su vaentía, eran mas complejos que los de hoy y mucho mas dolorosos.

En otras culturas se tatuaba a los individuos co sacrilegio como castigo.

En Usa se uso para practicas religiosas y eran marcas que segun ellos permitiría que el alma superara los obstaculos en su camino a la muerte.

Murakami. Pop Art

Takashi Murakami es un reconocido artista japonés que mezcla y combina diferentes técnicas, en algunas de sus obras se nota la influencia o la inspiración que tiene de obras como de Walt Disney hasta incluso cosas cotidianas impregnadas con su único y reconocido toque.

Es un gran representante del arte pop, por su clara mezcla de colores llamativos en obras que pueden ser muy simples y a la vez muy complejas. Su obra abarca múltiples formas artísticas, desde la pintura a la escultura, el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios y objetos merchandising de la cultura popular.

Instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI de Kanazawa, del Museum of Fine Arts, Boston, del Museum of Modern Art, Nueva York, del San Francisco Museum of Modern Art, de la Queensland Art Gallery y del Walker Art Center, Minneapolis, albergan obra de este polifacético artista que, además de colaboraciones en proyectos de diseño industrial, música o moda, es comisario, mecenas, crítico y precursor de ferias de arte.

Ha hecho exposiciones en muchas partes del mundo.

En mayo 2009 expone en el estará presente en el Museo Guggenheim Bilbao

Estos anuncios demuestran la audacia y, por tanto, ser chocante y se convierte en importante en nuestras vidas. Si el uso de escenas fuertes y / o cosas que no son naturales o que no existen para llamar la atención y capturar a los recptores. Para mí esto es muy interesante porque todo lo que es diferente y no concuerda con la realidad y lo hace atractivo para captar la atención. Para la publicidad en esto es fantástico!

13,99

Este comentario versa sobre un fragmento de la novela 13,99 euros, de Frédéric Beigbeder, un escritor, crítico y comentarista francés. Esta obra fue publicada en el año 2000, y se dice que fue la razón de su despido de la agencia publicitaria Young&Rubicam, donde trabajaba como creativo. No deja de ser curioso, ya que en el primer capitulo del libro aparece la siguiente frase: “escribo este libro para que me echen del trabajo”.

La novela trata sobre el publicista Octave, y sus últimos días de trabajo antes de conseguir que despidan, con la publicación de un libro sobre sus vivencias, experiencias y opiniones sobre el sector de la publicidad, y la sociedad en general.

Se trata de una historia dentro de otra, ya que Beigbeder cuenta sus propias vivencias y opiniones a través de Octave, cambiando los nombres de la agencia para la que trabaja, de sus compañeros de trabajo, y de las empresas para las que realiza las campañas publicitarias. Por ejemplo, Madone, es el seudónimo de Danone.

Se trata de una visión muy critica y apocalíptica sobre la sociedad, donde todo el mundo es manipulado por unos publicistas y unos directivos de empresas sin escrúpulos. Su experiencia laboral es la que le ha llevado a esa conclusión.

Para Octave se trata de un punto sin retorno, no se puede hacer nada por cambiarlo. Todo el mundo esta controlado por las grandes empresas y la publicidad, que te dicen que tenes que comprar, cuando comprarlo etc.. creando en ti una falsa sensación de necesidad a través de la persuasión, seducción, engaño o confusión. Las personas se encuentran atrapadas en un sistema que les tiene alienados. Todo esta preparado y estudiado al milímetro.

Una frase del libro resume con gran claridad la filosofía de esta gente: “no toméis a la gente por tonta, pero nunca olvidéis que lo es”.

Octave tiene una vida de excesos, ha perdido el control de su vida, y vive en una perpetua sensación artificial de realidad debido a las drogas, a las cuales recurre para evadirse de un trabajo que ha terminado por asquearle. Vive entre excesos y lujos. Planea su propio ataque a este sistema a través de un libro donde cuenta todos los entresijos de las grandes corporaciones y la publicidad, que va a provocar su despido, con la consiguiente indemnización, para que pueda llevar una plena existencia hedonista. Esto es lo único que le produce una sonrisa, y su solución para apartarse de toda esa maquinaria que él mismo ha ayudado a crecer.

En algunos momentos entra en contradicciones, ya que él mismo forma parte del sistema que tanto crítica, y de su vorágine consumista, puesto que es una persona que se gasta mucho dinero en adquirir numerosos productos, que gente como él se encargan de anunciar. Trata de convencerse a si mismo a través de la siguiente metáfora: que yéndose a una isla desierta con drogas y mujeres podrá ser completamente libre e independiente del sistema que tanto repudia.

Dejando de lado estas consideraciones, es verdad que vivimos en una sociedad donde se le da una gran importancia a tener lo ultimo, lo mas original, lo que tenga las mejores prestaciones etc.., y se tiende a la uniformidad de gustos y criterios. Existe una competitividad entre empresas muy fuerte por la mayor “porción del pastel”, como se dice en el libro.

Aun así se trata de un texto entretenida, yo personalmente me he echado alguna risa durante su lectura. Creo que al final consigue más divertir y entretener, que crear alarma social.

Carlos Ramos Callejo

Arte Down en Barajas

La terminal 2 (T2) del Aeropuerto Madrid - Barajas acoge una peculiar exposición entre sus pasillos durante el mes de mayo.

Se trata de la exposición "Arte Down" que organiza la Fundación Síndrome de Down de Madrid y en la cual se exponen 22 obras pictóricas realizadas por personas con dicho síndrome y que han sido finalistas de los Concursos Internacionales de Pintura y Dibujo que organiza la FSDM desde el año 1992.

Dicha muestra representa un gran avance para este sector de la sociedad, sector que aun contando con enormes derechos sociales que le pertenecen por autonomasía, muchas veces se encuentran en desventaja ante aspectos primordiales como los laborales o los tocantes a la seguridad social.

Es digno de destacar este tipo de actividades e incluso debería ser un referente para los países en vías de desarrollo, pues en dichos territorios este tipo de personas no cuentan con los mismos beneficios que aquí, especialmente en el ámbito laboral; y este tipo de eventos culturales coadyuvan a que las sociedades actuales sean cada vez más comprensivas ante las necesidades que tienen las personas que viven con el síndrome, pues esencialmente, son personas como cualquier otro integrante de una sociedad.