La llamada lei Ciudad Limpia, es una ley contra la polución visual en la ciudad de São Paulo, fue creada y sancionada por el alcalde de São Paulo, Gilberto Kassab.
La lei fue creada através de un decreto publicado en el Diário Oficial de la ciudad en 6 de diciembre de 2006 y prohibe la propagada en outdoors en la ciudad y regula el tamaño de letreros y placas de establecimientos comerciales.
El articulo 18 de la lei prohibe toda y qualquier forma de publicidad exterior: " se queda prohibida en la comunidad de São Paulo los anúncios publicitários en inmuebles públicos o privados, en medios edificados o no.
Ahora con la lei, la ciudad esta con una aspecto mejor, toda la poluicion visual que era demasiada, ahora ya no hace parte de nuestros dias. Las agencias y empresas de publicidad todavia se quedaran un poco prejudicadas, pero todo la populación ha sido beneficiada.
La Bienal de Artes, es un evento que pasa cada dos años en São Paulo, reuniendo obras de artistas contemporáneos.
En su 28º edición cerca de 50 pixadores invadirán el área y la pixaran, mientras, gente de prensa y visitantes han aplaudido la acción, un monton de gente ha echo una barrera para que los pixadores escapasen. Trabajadores de la bienal fueron agredidos junto con la seguridad y porteros que trabajaban ahí.
Echo como una protesta, los agresores han usado falta de respeto y violencia moral y física, para su manifesto.
Después de algunos años en la 30º edición de la Bienal de Artes, los pixadores han sido envitados para participar de la exposición. Ganando reconocimento de su arte. Pero esta gente ganó el espaeio de artistas que en toda su vida intentarán, como los pixadores, mostrar su arte para el mundo, pero nunca han usado la violencia y agresión. Este espacio antes criticado por los pixadores hoy es una parte de ellos.
Para mi eso esta mal, el arte no puede ser faltada al respeto .
Un grupo de pastores ha conseguido elevar su profesión, que aunque difícil es poco creativa, a arte. Lo único que han necesitado para llevar a cabo esta obra ha sido un rebaño de ovejas, un rebaño de cabras, el monte, un grupo de perros que sepan dirigirlas, bastantes luces led y cámaras profesionales para grabarlo. A plena luz de día podemos ver en plano general a todo el rebaño agrupado por colores formando todas las partes de una macro-obeja y moviéndose con total coordinación. Forman un torso, la cabeza con orejas incluidas, los ojos y las pupilas. Alrededor de la forma vemos a los pastores y a los perros guía dirigiendo al rebaño para conseguir la coordinación. Esta parte del vídeo tiene una música de ambiente que queda en armonía con la imagen, es una música que recuerda a las bandas sonoras de las películas del oeste. Por la noche las ovejas y las cabras, cubiertas con luces led y otra vez dirigidas por los pastores y perros guía, forman una red, raquetas y hasta una pelota de tenis, jugando así un original partida. Se quiere simular una partida de tenis en un videojuego por lo que en postproducción le han añadido una música electrónica a esta parte del vídeo. Otro de los "trucos" que tienen guardado es formar La Gioconda de Leonardo Da Vinci sacando instantáneas de las obejas con las luces de colores y juntándolas ordenadamente. Para terminar y también con las luces consiguen recrear un espectáculo de fuegos artificiales. Las dos últimas partes han decidido que la música sea una pieza clásica instrumental que evoca alegría, satisfacción por el trabajo conseguido y apoteosis y que es muy acertada para el colofón final del vídeo. La música hace más bonito si cabe el vídeo, pero en el que también se oye de fondo el sonido directo en todo momento. Esta producción se puede considerar arte porque de un trabajo en principio poco creativo han conseguido hacer un espectáculo llamativo, original y muy elaborado. A la vista está por el éxito que está teniendo el vídeo, que aunque solo se ha difundido por internet es ya muy conocido. Al final del vídeo podemos ver que está patrocinado por SAMSUNG, lo que puede llevar a pensar que el vídeo ni ha sido idea de los pastores ni lo han hecho ellos solos. Pero sea como sea, el resultado final es muy estético y curioso.
¿Qué es arte?; ¿cómo lo podemos definir? Según Wikipedia: “el arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos”.
A lo largo de los años, el significado de arte ha ido cambiando y se ha ido transformando. Para los griegos, el arte o “tekné” era la manifestación artística que debe representar la búsqueda de lo real, mientras que para los dadaístas el arte surge con la intención de romper todo lo establecido anteriormente.
Transgredir, llamar la atención, romper con las normas sociales.
En el año 2008 Guillermo Vargas, “artista” nicaragüense, en una feria de arte en Managua, había realizado el siguiente “montaje artístico”: en una esquina de su instalación, aparecía atado a la pared un perro callejero y famélico; cerca había escrito con comida para perro “Eres lo que es” La llamativa “performance artística” duró hasta que el animal murió de hambre por decisión del artista y ante la inacción de los espectadores, responsables del evento y autoridades competentes.
El pasado 27 de septiembre, la candidatura de Córdoba como Capital Europea de la Cultura 2016 se hizo más fuerte. Tras una primera eliminatoria, tan sólo seis ciudades españolas pasaron la criba entre las que está la ciudad de Córdoba, considerada como una de las favoritas.
Situada a orillas del Guadalquivir y al pie de Sierra Morena, Córdoba emerge de las cenizas para alzarse como una de las ciudades culturales más importantes de Europa.
Es interesante apreciar como esta ciudad andaluza reúne los tres campos que relaciona Baumgarten en su interés por definir el concepto de estética.
Belleza, arte y sensibilidad son la esencia de una de las ciudades europeas que han sufrido más cambios a lo largo de su historia. Su casco antiguo posee edificaciones con elementos arquitectónicos pertenecientes a la época del Imperio romano o a la época musulmana, una de las etapas de mayor de esplendor de esta urbe. Según testimonios arqueológicos, la ciudad llegó a contar con alrededor de medio millón de habitantes hacia el siglo X, siendo la ciudad más grande, culta y opulenta de todo el mundo.
Es por eso por lo que Córdoba refleja la belleza de la ciudad en sus representaciones arquitectónicas como son la Mezquita Catedral, el Alcázar de los Reyes Cristianos o el puente romano entre otros.
El arte demostrado con creces en las obras creadas por muchos de los pinturas y artistas que se empaparon de la cultura cordobesa para llevar a cabo sus creaciones. Un ejemplo de ello, el pintor Julio Romero de Torres.
Por último, es irracional dejar atrás el concepto de sensibilidad, ya que permanece presente con el paso de los años gracias a aquellos arquitectos, pintores, artistas y filósofos cordobeses que han sabido crear la ciudad con mayor mezcla de estilos arquitectónicos con una armonía entre ellos sorprendente, consiguiendo seguramente vencer en su candidatura como Capital Europea de la Cultura 2016.
Desde aquí animo a todos los lectores de este blog a apoyar a Córdoba en la final de este proyecto tan importante que finalizará en junio de 2011 y cuyo veredicto esperemos sea positivo.
El pasado 15 de Octubre, se estrenó la película La Red social. Una película basada en la historia real del joven Mark Zuckerberg ; en la actualidad el millonario más joven del mundo. La película nos cuenta la historia de cómo se creó Facebook. Esta red social nació en Boston, en la universidad de Harvard. Nos muestra como dos gemelos, los hermanos Winklevoss se les ocurre la idea de crear una pequeña red social dentro del propio campus. Para llevar a cabo este trabajo cuentan con Mark Zuckerberg, uno de los mayores cerebritos de Harvard. A este se le enciende la bombilla y crea thefacebook en cuestión de una semana junto con su amigo quien aportó el capital inicial del proyecto Eduardo Saverin. Más tarde pasaría a llamarse Facebook sin the (aportación de Sean Parker). Con la ayuda de Sean Parker, fundador de NAPSPER Facebook llegó a los grandes inversores. Mark Zuckerberg se enfrenta a dos grandes juicios: uno por robo de ideas a los hermanos Winklevoss y el otro que se enfrenta con su amigo Eduardo Saverin por excluirle de la empresa sin este tener conocimiento de ello. Esta película nos cuenta la historia de Mark, como un inadaptado social crea una red social. Con su inteligencia y sus habilidades, Mark quiso vencer al los grandes de Harvard y otras universidades americanas de prestigio pirateando y saturando los sistemas informáticos. Una persona que a mi parecer no hacía las cosas por un beneficio propio, sino por vencer a aquellas personas maravillosas con cuerpos atléticos y pertenecientes a familias millonarias y sacar a relucir su superioridad intelectual. Así dejaría de ser aquel chico invisible del que nadie hablaba y conseguiría el mayor grupo, superando a la fraternidad más prestigiosa de cualquier universidad. El director de La Red Social es David Fincher conocido por otras películas como: The Game, Zodiac, El club de la lucha o El curioso caso de Benjamin Button. Decidió rodar esta película aunque declaró que Facebook le parece una gran pérdida de tiempo “No entiendo por qué mi hija de 16 años puede pasar horas y horas en Facebook”. También añadió que sabe lo que es pero ni siquiera tiene un perfil Facebook. Quizá esta sea la razón por la que en mi opinión, no ha sabido sacarle el máximo jugo y plasmar de una forma del todo atractiva a esta gran historia.
Resulta complicado acotar hasta qué punto una “obra” es arte o no. El otro día salió una noticia en la que se contaba como un hombre, al que llamaban artista, había utilizado mil grillos vivos para hacer un cuadro llamado Zorba. Los insectos fueron pegados al lienzo y agonizaban hasta la muerte durante todo el día. Resultaba estremecedor el ruido y los movimientos de los grillos, hasta el punto que una de las asistentes a la exposición llevó un bote mata insectos para acabar con su dolor. Ismael Alabado es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y diplomado por la academia de Bellas Artes de Milán, sin embargo, a mis ojos este madrileño no es más que un maltratador de animales que utiliza como excusa a sus actos la palabra arte. La Sociedad Zoológica de Extremadura se ha unido también a esta crítica, calificando como “auténtica vergüenza” la instalación, y finalmente se logró la clausura de la exposición ese mismo día. No conocer los límites de lo que se puede y lo que no se puede hacer, junto con el apoyo de galerías como Habana Espacio Libre, que se escudan en el arte libre y la lucha contra la censura, dan lugar a esta mezcla explosiva que sin ninguna duda traspasa cualquier tipo de justificación. El colmo es escuchar como Ismael Alabado dice que “En un principio pensaba colocar cucarachas y no grillos, pero es que las cucarachas me salían más caras”, increíble como decidir sobre la vida y la muerte de un ser puede salir tan barato. Claro está que el objetivo de este sujeto, crear polémica en torno a la idea de lo transitorio de la existencia, está más que conseguido. La pregunta es hasta qué punto estamos dispuestos a decidir sobre la vida de los seres vivos para plasmar nuestras ideas. En sus palabras encontramos la siguiente explicación: “Lo que busco es que el espectador entienda que igual que los grillos están pegados, él está pegado a unas reglas sociales, al mundo, sin ser consciente de todo lo que se está terminando en cada instante”. Puedo imaginarme que si fuese él el pegado a un lienzo, agonizando hasta la muerte, la forma de plasmar la idea le resultaría demasiado gráfica. Qué fácil es hablar de que cada día es el principio del fin cuando por supuesto no es de su propio fin del que se está hablando. Y mejor aún su desconsideración a la vida de estos grillos, de los que dice que “no sufren porque no están capacitados para ello”, algo que seguro comprendió que le decían los grillos en sus sonoros ruidos hasta la muerte.
Su nombre proviene de la abreviatura de Light art performance photography, y sus creadores son dos fotógrafos alemanes: Joerg Miedza y JanLeonardo Woellert. Ambos trabajan juntos desde 2007 y como técnica emplean el modo bulb de la cámara (larga exposición) junto a al movimiento de la luz para crear diferentes ambientes. Podría decirse que se trata de “pintar con luces”, cabiendo destacar que cada fotografía es una única toma, es decir, no se emplea la edición de ordenador para crear las distintas escenas y objetos.
Se trata de una extensión del arte muy llamativa y poco común, por lo que lo hace original, pero que a su vez tiene muchos adeptos, ¿o quién no ha probado a hacer figuras con luces en sus fotografías?
La única diferencia es que sus imágines tienen un aire futurista: recrean con diferentes tipos de luz elementos comunes de ciencia ficción, tales como campos de fuerza o platillos volantes.
Si queréis pasaros por la web para conocer más sobre este tipo de fotografía os dejo el link y os aseguro que hay imágenes muy impresionantes: http://www.lapp-pro.de/
He decidido hablaros de Picnic, una editorial madrileña, dedicada única y exclusivamente a artistas catalanes y españoles, ofreciendo así un panorama de la situación actual de las artes visuales de nuestro país, desde la arquitectura, el diseño gráfico y la fotografía hasta el dibujo artístico.
Quería hablar de dicha editorial por una razón: muestra gran parte de las tendencias artísticas del siglo XXI, con sus innovaciones, locuras y reminiscencias con el arte clásico, por ejemplo.
Esta editorial se fundó en 2007 con un objetivo muy claro: dar formato impreso y expositivo a la cultura contemporánea relacionada con el arte urbano, la ilustración y la fotografía. Quizá sea un buen modo de acercarnos a la visión de artistas y nuevos creadores, presentándonos un catálogo de autores jóvenes que amplían nuestra visión de la realidad, permitiéndonos, como ellos, ir más allá, compartir parte de esa imaginación, de esa locura que todos podemos comprender.
Por si esto os ha removido un poco las neuronas y queréis obtener algún artículo relacionado en mano, a parte del formato digital, tenemos también ‘’AAAAA’’, una colección de revistas de ilustración, todas ellas editadas en blanco y negro que conservan un grado importante de exclusividad (es decir, no es difícil obtenerlas, pero si lo hacéis podéis dároslas de privilegiados); una especie de portfolio del trabajo de cuatro artistas y un escritor, siempre con la misma organización. ‘’(…) reúne el trabajo de cuatro artistas gráficos y un escritor en cada libro, una serie de zines a color y en blanco negro que en ocasiones son monográficos y a veces se convierten en el soporte de proyectos de colaboración entre diferentes artistas-creadores, y la próxima publicación de novelas gráficas’’
Para terminar, y para matar esa inquietud que a algunos les hace preguntarse ‘’¿Y dónde puedo yo moverme para ver plasmado este concepto artístico tan interesante?’’, a partir de esta editorial, se ha creado INK 01, Encuentro Internacional de Ilustración, que conduce a numerosas exposiciones en galerías y librerías de Madrid, Barcelona y Bilbao, dedicadas a los trabajos de los artistas que colaboran en AAAAA. Entre estos artistas he destacado algunos de ellos con la intención de mostrar el panorama actual del mundo de la ilustración y el arte urbano, imprescindible, también, en el mundo audiovisual.
Aquí tenemos un spot elaborado por los creadores de PICNIC, en el que nos presentan su estética, sus ideas, y su ingenio y originalidad:
Os muestro algunas ilustraciones y trabajos de los artistas:
Si os pica el gusanillo, aquí tenéis el link de la página para introduciros en el fantástico y maravilloso mundo Picnic.......
Hace tiempo vi una foto por televisión que me llamó la atención, era la foto de un grafiti.Se encuentra en una de las calles de Donostia, donde están terminantemente prohibidos los grafitis.
Sin embargo en este caso se han saltado las reglas y han querido mantener el grafiti, adjudicado al popular y misterioso Banksy. Pero según Denis Itxaso, concejal de cultura, no es el único motivo de su permanencia, «Aunque no sea de Banksy hemos decidido mantenerlo ya que en todo caso es una muestra cultural».
Nadie a protestado por el indulto que ha recibido esta obra de arte, como ya la califican, en la zona se han acostumbrado a y ya forma parte de la historia de las calles de Donostia. Aunque no todos piensan igual, como podemos ver alguien que no encuentra su valor cultural se ha dedicado a realizar pintadas encima de la obra de Branksy.
Se piensa que la obra fue pintada durante el Festival de Cine . Al mismo tiempo que la sección Perlas de Zinemaldia proyectaba su filme "Exit through the gift shop".
Misterioso autor:
Solo sus amigos y colaboradores saben quién es Banksy. Este misterioso autor se ha ganado su reputación por sus obras, repartidas por todo el mundo contienen una gran carga social, política y cultural.
Quizás algún día este misterioso y gran artista muestre su rostro al mundo.
Hace tiempo descubrí una película que todo el que la ve reconoce que acaba con el estómago revuelto. Estoy hablando de la japonesa Battle Royale, de Kinji Fukasaku. Ésta película, basada en una novela, trata de una clase de instituto que es seleccionada y trasladada a una isla por el Gobierno para aplicar la Ley de Reforma Educativa del Milenio: solo debe quedar uno. Cada alumno recibe un arma y no tienen más remedio que jugar. Esta medida implantada por el gobierno responde al hecho de que los adolescentes japoneses comienzan a tener el poder y el país necesita minimizar el problema. ¿Qué mejor forma que dejando a los alumnos que se maten entre ellos?
Éste film, como todos tiene muchos fans, pero también muchos detractores. Hay quién la llama obra de arte y como tal, debe perdurar. Otros se quejan de que es un impulso más hacia la violencia para los adolescentes, cómo pueden ser los videojuegos o el manga. Es cierto que desde el principio llama la atención y te obliga a no apartar la vista de la pantalla. Es una película capaz de hacer disfrutar y divertir al espectador con un gore light. Esta obra en una obra de culto en Japón, tanto por lo que trata como por su mensaje.
La película fue culpada de una serie de actos violentos que sucedieron en Japón al poco tiempo de estrenarse. El director, Fukasaku, explicó en entrevistas posteriores que el argumento le recordaba a la Segunda Guerra Mundial y a cómo el Gobierno japonés había ocultado información, de ahí su desconfianza hacia los adultos. Con esta creación les lanza un mensaje a los adolescentes que la vean, les dice que se lo pueden tomar de dos formas: como un consejo o como una advertencia.
A mí personalmente como largometraje me gustó, me pareció algo original, fuera de lo normal, pero a la vez demasiado fuerte y hace que te plantees tu vida si estuvieses en esa misma situación. Cuando acaba la película te planteas si el asesinato es un delito, un pecado o simplemente un instinto. ¿Qué harías tú si te dan a elegir entre matar o morir? ¿Y si un compañero tuyo te apuntase con una pistola? ¿O si un amigo mata a tu pareja frente a ti? Os invito a ver la película y que vosotros mismos creéis vuestra opinión.
El mundo digital ha revolucionado el ámbito de la fotografía. Las técnica s de photoshop pueden generar nuevos efectos, luces y sombras que hacen que una imagen pueda cambiar completamente su significado. Incluso me atravería a añadir que partiendo de una imagen que no trasmiten ningun tipo sensación, podamos crear tal efecto, que pueda considerarse una verdadera obra de arte.
Dejando a un lado los tutoriales cómo crear diferentes efectos con las técnicas de photoshop, voy a tratar sobre dos efectos digitales que pueden transformar las fotos en una imitacion a dibujos al óleo: efecto Dragan y el HDR.
Andrzjed Dragan fué el creador de este efecto 'Draganizer'. Se trata de oponerse a la necesidad en fotografía de limpiar las imperfecciones de retratos y paisajes, y dejar verlos como parte de la simbología de una foto, e incluso realzar y endurecer estos efectos naturles de la piel de una persona o de los rasgos de la naturaleza.
Todo depende del grado de efecto Dragan que quieras generar en la fotografía. Añadir mayor oscuridad y profundidad a foto van a trasmitir emociones diferentes. Con esta técnica, podríamos incluso generar un efecto de pintura al óleo, pero remarcando muchos más detalles del retrato o paisaje que quizás con un pincel podrían pasarse por alto.Actualmente en tan solo unos clicks hemos creado lo que antes costaba meses en crear.
A favor de la profesionalidad del fotógrafo, el efecto Dragan no sería posible sin una buena captura.
Es un nuevo instrumento de percusión que fue presentado oficialmente en 2001.
Pero no os dejéis engañar por su rudimentario aspecto, ya que detrás de él hay todo un proceso de investigación. Gracias a los estudios realizados por,los suizos, Felix Rohner y Sabina Schärer hoy podemos disfrutar de este impactante e innovador sonido. Entre los instrumentos investigados podemos destacar gongs, gamelan, el ghatam, los tambores, las campanas, etc.
El Hang Drum es un instrumento totalmente artesanal por lo que no hay dos iguales, ni en su forma física ni en su sonido.
Su funcionamiento es “simple” su interior, hueco, hace de caja de resonancia y los bultos o abolladuras que parece tener son las notas, 8 en total.
Su adquisición de momento es un poco difícil, ya que solo se pueden adquirir en Berna (suiza).
Estaba buscando anuncios publicitarios esta semana para hacer un trabajo y encontré este video de una campaña hecha por Sussex Safer Roads Partnership en Reino Unido en el comienzo de este año para hacer los británicos se acordaren de la importancia de siempre usar el cinturón de seguridad.
Es un anuncio emotivo, bien original, con un lenguaje casi teatral y sobre todo pasa el mensaje de una forma simple y directa.Lo que más me gusta es que diferentemente de los otros anuncios del género, este no es violento, con coches chocándose y llenos de sangre. Quizá es por eso que este video ya ha sido visto más de 10 millones de veces. Espero que os guste.
Hace tiempo vi un reportaje sobre artistas que crean sus obras en tamaño mínimo. El escultor sobre el que trataba el texto era Williard Wigan.
Estatua de la Libertad
El artista británico es capaz de crear obras de arte sobre la cabeza de un alfiler o en el ojo de una aguja. Sus últimas obras no han superado el tamaño de una célula de sangre.
Blancanieves y los siete enanitos
Entre sus obras más famosas encontramos el David de Miguel Ángel en un grano de arena o al astronauta Buzz Aldrin en el ojo de una aguja.
David de Miguel Ángel
Cuando vemos estas obras todos pensamos que es algo imposible, que tiene que llevar meses, casi años. Williard Wigan tarda en hacer cada escultura alrededor de ocho semanas.
Buzz Aldrin
Uno de los mayores problemas para estos artistas es el pulso, de hecho entrar en un estado de meditación que son capaces de desacelerar su ritmo cardiaco.
