Las entrelíneas de Bioshock

Para los que piensan que un videojuego es simplemente diversión, deberían parar por un momento de jugar y empezar a analizar lo que se pasa en esta obra de arte digital. Los juegos están cargados de ideologías y nos transmiten ideas que ni percibimos que están allí. Un ejemplo de eso es un videojuego llamado Bioshock que está lleno de estas ideas pero la única cosa que la mayoría de las personas percibe es sólo que sus gráficos son bonitos.



La historia es de una ciudad utópica creada por un hombre excéntrico llamado Andrew Ryan. La idea de este tipo era crear un lugar donde cualquiera pudiera hacer todo lo que quisiera sin miedo de ser punido. Sus ideas y sus políticas son fuertemente basadas en las filosofías objetivistas creadas por Ayn Rand. En este momento ya debes estar preguntándose ¿qué tiene esto que ver con la estética y la dirección de arte? Tranquilo, vamos por partes. El objetivismo proponía la idea de que la realidad existe independientemente de la conciencia, que los humanos sólo tienen contacto con esta realidad a través de sus sentidos, que el gran objetivo moral de la vida es lograr la felicidad y el único sistema de acuerdo con esta moralidad es el capitalismo laissez-faire. Esta palabra mágica, «capitalismo», es nuestro enlace con la arte. En 1920 surgió un movimiento de diseño puramente decorativo llamado Art Decó. Este era considerado un estilo burgués, pues era mucho utilizado por la elite para decorar sus mansiones o por las grandes empresas para exhibir su poderío, como el Chrysler Building, por ejemplo.



En resumen, este movimiento era prácticamente un símbolo de opulencia y lujo, el completo opuesto de otro estilo de aquella época llamado Estilo Internacional. Y es exactamente eso que la ciudad imaginaria de Rapture quiere pasarnos desde que traspasamos sus portales virtuales: lujo, riqueza y poder.



Mira como las estatuas al lado de la puerta arriba siguen la estética del Art Decó.



Carteles (Art Decó a la izquierda)





Estos vídeos también muestran un poco de lo que hablé.

Prix Pictet

El certamen internacional Prix Pictet sobre fotografía y sostenibilidad, ha presentado hoy 27 de octubre su primera exposición en España. Ha tenido lugar en la Delegación de Asturias en Madrid. La exposición se inaugura el día 28 de octubre y abrirá sus puertas al público el 29 de octubre hasta el 27 de noviembre.

La exposición que se celebra bajo el lema “Tierra” presenta los trabajos del ganador del premio, Nadav Kander, además de los finalistas Ed Kashi, Darren Almond, Christopher Anderson, Sammy Baloji, Edward Burtynsky, Andreas Gursky, Naoya Hatakeyama, Abbas Kowsari, Yao Lu, Edgardo Martins y Chris Steele-Perkins.

Se trata de un concurso que denuncia la devastación del planeta y en el que es más valorada la capacidad de despertar conciencia y debate sobre los problemas sociales y ecológicos que las técnicas gráficas empleadas.

Este año con el lema “tierra” más de trescientos concursantes han reflejado los efectos en el medio ambiente de la explotación de los recursos naturales. La finalidad del concurso es principalmente dar a conocer los problemas medio ambientales que existen y que afectan al hombre, generar impacto, dejar huella en el público y provocar un cambio en la sociedad y en las costumbres.

El ganador de esta edición es el israelí Nadav Kander con una serie de imágenes que realizó en poblaciones cercanas al río Yangtsé en China.

Nadav Kander. Series: Yangtze, The Long River

Darren Almond. Series: Fullmoon China

Christopher Anderson. Series: Capitolio

Edgar Martins. Series: The Diminishing Present

Abbas Kowsari. Series: Shade of Earth

Sammy Baloji. Series: Memory

¿Artistas o joyeros?

Mañana se abren las puertas de una exposición única en el Museo Nacional de Arte de Cataluña hasta el 13 de Febrero. Ésta reúne joyas de artistas tan conocidos como Salvador Dalí o Pablo Picasso y se confrontan con sus pinturas o esculturas.

Alex Calder

Bajo el título Joyas de artista. Del modernismo a la vanguardia, la exposición reúne 340 piezas acercando la joyería a los autores de los movimientos artísticos mas importantes del siglo XX.

El interés de la exposición aumenta cuando se conoce la complicación de reunir estas piezas, ya que, algunas vienen de colecciones privadas o de museos institucionales como el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Salvador Dalí

Entre piezas realizadas por verdaderos “joyeros artistas” encontramos el corazón de la exposición: las piezas creadas por artistas “no joyeros”. Cabe destacar una imagen de Salvador Dalí, realizada por Philippe Halsman, donde lleva tapado uno de sus ojos con la joya El ojo del tiempo, joya que se encuentra en la exposición.

Creo que merece la pena verlo ya que tenemos a estos artistas encasillados en su particular arte, desconociendo otras facetas llamativas de su vida.

La cerveza: todo un arte

La forma de crear obras de arte y nuevas estructuras ha ido evolucionando con el paso del tiempo. Lejos quedan ya los momentos en que sólo se concebía el arte desde un lienzo y un pincel. Se ha presentado una nueva obra creada a partir de cajas de cerveza recicladas y es que cualquier ocasión es buena para transformar basura en arte.
Con motivo del 50 aniversario de la Feria Mundial de Bruselas ha visto la luz lo que algunos ya pueden calificar como el “templo a la cerveza”. Se trata de una catedral construida con 33.000 cajas de cerveza. El hecho de que ya se tome la cerveza como una religión y a este elemento como su sede me recuerda a las teorías de Benjamin Walter, en las que defendía que toda obra surge a raíz del culto. En este caso vemos que la devoción por la cerveza ha servido como punto de inspiración de esta, aunque temporal, impresionante obra.
Han sido cuatro arquitectos (SHSH) los encargados del originar este desafío arquitectónico, que busca alcanzar la fama del Atomium de Bruselas. Uno de los fines buscados era el de dar un toque de atención a la conciencia medioambiental de la sociedad. Sin embargo, no deja de ser sorprendente que lo que más preocupe a los que disfrutan la obra es que nadie sepa lo que se han hecho con los 792.000 botellines que llevaban las cajas. La atención dedicada a esta catedral se ve además reforzada por ser el mes de la cerveza, más conocido como el Oktoberfest.

JR: arte en vivo

El arte está vivo. Ya desde hace algunos años, el arte ya no es un monopolio exclusivo de museos y libros, sino que el arte se puede disfrutar en la propia calle, convirtiéndose en accesible a todo el mundo. Esta tendencia ha ido aumentando en los últimos años, y son ya muchos los artistas que utilizan como galería las paredes, muros, tejados o edificios de una ciudad.

Hoy quiero presentaros a uno de estos artistas, su nombre desconocido, su firma JR, es fotógrafo y grafitero de París y la semana pasada su obra fue galardonada con el premio TED (Tecnología, Entretenimiento y Diseño).

Sus obras inspiran a ver arte donde menos te lo esperas, con una fuerza desgarradora y un sentido trasfondo de reivindicación política. No busca ni fama (de ahí su anonimato) ni dinero, sólo que al mirar sus obras lo hagamos de un modo diferente, de tal modo que algo dentro de nosotros se remueva y tengamos ganas de luchar por un mundo mejor. Se dice que posee la mayor galería del mundo.

Enhorabuena.

El artista enmascarado…

Resulta inconcebible en los tiempos que corren, que un afamado artista, cuyas obras son reconocidas a nivel internacional, sea un completo desconocido. Permanecer en el anonimato le convierte, independientemente de su obra, en un auténtico transgresor, y al mismo tiempo le envuelve en un halo de misterio que sólo personajes a la altura de Superman, Batman o Spiderman podrían alcanzar.

Bajo el pseudónimo de Banksy, nuestro artista enmascarado ha sembrado durante años la polémica. Existen dos aspectos fundamentales destacables en la obra de Banksy: por un lado la temática revolucionaria y transgresora, crítica y de denuncia, marcadamente anti-sistema, que se traduce en imágenes potentes cargadas de ironía y simbolismo; por otro (y esto es lo verdaderamente apasionante), es el único artista urbano que ha conseguido introducir sus obras clandestinamente en célebres museos, y que éstos, lejos de retirarlas, las incorporen a sus propias colecciones.

Sus trabajos se subastan por cifras desorbitantes, y está definitivamente de moda en las altas esferas, también ha realizado algún trabajo de carácter comercial para alguna que otra marca. Es por todo ello, que para muchos graffiteros y artistas callejeros Banksy ha traicionado la verdadera esencia del arte urbano: el anti-elitismo, el carácter revolucionario e inconformista, y el contexto espacial en el que deben encontrarse las obras.

En varias de sus supuestas declaraciones, Banksy se pronuncia sobre su anonimato y la comercialización de sus obras. Él entiende como necesaria su condición anónima: su arte es ilegal, si su identidad saliera a la luz, supondría el fin de su arte. Parece simple, pero uno no deja de preguntarse si eso es realmente así, o si verdaderamente estamos frente a una campaña de marketing paradigmática y sin precedentes en el mundo del arte.

Banksy asegura no recibir ni un centavo de las obras que se subastan. Su filosofía se basa en el principio de que “el primero que la encuentra, es el que se la lleva”. Muchos de sus trabajos subastados fueron fruto de un trueque antes de convertirse en un artista afamado. Reconoce que ha realizado algunos trabajos comerciales, pero recuerda que ha rechazado la mayoría de las ofertas que ha recibido (muchas multimillonarias).

Piensen lo que piensen, Banksy sigue haciendo de las suyas: exposiciones alternativas, rodando películas (el documental recientemente estrenado “Exit Through the Gift Shop”), transgrediendo y generando polémica, como en el caso de la cabecera alternativa que diseñó para la serie de animación The Simpsons.

CELEBRITIES

Vivimos inmersos en una cultura en la que la imagen propia es un valor en alza, en la que se trata constantemente de proyectar y comunicar valores, ideales o conceptos a través de la manipulación que uno mismo (u otro) hace de su propia imagen (tendencia al alza con el éxito y expansión de las nuevas tecnologías, internet y nuevos conceptos/espacios como las redes sociales). Una cultura en la que esa imagen social, bien proyectada, puede llegar a convertirse incluso en objeto de culto y veneración. Éste último aspecto ha desembocado en uno de los fenómenos sociales más destacables de nuestra era; supone el nacimiento de un nuevo eslabón en la especie humana: LAS CELEBRITIES.

Las celebrities son personajes que adquieren cierta relevancia social y en los medios de comunicación, que se pueden dedicar al mundo del espectáculo, el deporte, o a nada en en absoluto, cuya imagen se transforma en un objeto de culto y veneración, una fuente de arte e inspiración, una máquina imparable de fabricar billetes que, en esencia, forma parte de ese valor en alza que adquiere la imagen social. Las celebrities se desparraman y espachurran unas contra otras en un conglomerado de popularidad idealizada, imágenes apretujadas en las revistas y en la red, representativas de un mundo ideal, el cual ensalzan, glorifican, o incluso ridiculizan, machacan y destruyen (o así se muestra e interpreta, motivando una recreación personal de la realidad a partir de imágenes).

Ok Go

Me gustaría basarme en este videoclip de la banda Ok Go para mostrar un salto vital en nuestra red. Los videos virales.Como lo es por ejemplo "Here it goes again" con su complejidad coreográfica o "This too shall pass" otro de sus videoclips el cual resalta mucho su cratividad artistica mediante coreografías mecanizadas o mediante construcciones cinéticas, o "White Knuckles" su ultimo sencillo.

Según un seguimiento de Youtube, "Here it goes again" fue el video más creativo del 2006 en dicha web.

Ok Go es una banda estadounidense conocida en la red por sus videoclips originales y creativos, que te enganchan nada más pulsar el play. Todos sus video han alcanzado en youtube millones de visitas de ahi su caracter viral.

Pero al mismo tiempo un videoclip tan llamativo ha provocado que la música, la canción propiamente dicha pase a un segundo plano, lo cual puede llegar a ser un problema ya que supuestamente son videos virales.

Por ese motivo llega un momento en el que la gente sólo ve el videoclip por el video en si en vez de la canción que es el origen y finalidad de cualquier banda.

Ese es el problema hoy en día de los videos virales, de los que consiguen masificarse de tal manera, con tanta magnitud, que al final el significado cambia y se observa como la base de ese video no se termina percibiendo como realmente debería.

Anish Kapoor: de lo cotidiano a lo sublime

El pasado 12 de octubre finalizó en el Museo Guggenheim de Bilbao, la exposición dedicada al escultor de origen hindú Anish Kapoor.

Yo tuve la oportunidad de descubrir a este escultor el año pasado en , en la Royal Academy of Arts donde estaba expuesta esta misma obra. Y hace poco he tenido la suerte de poder ver en vivo en la ciudad de Chicago, exactamente en Millenium Park una de sus obras más emblemáticas "Cloud Gate " o más comúnmente llamada " The Bean", ya que su forma recuerda a esta legumbre.

Todas las reproducciones que podáis ver de la obra de Kapoor, ya sea mediante fotos, vídeos, en libros o webs, harán poca justicia a su realidad. Sólo las personas que han podido conocer su obra en vivo, son capaces de llegar a entender la magnitud de lo que están viendo. Son obras que huyen de la cultura de la banalidad, de la provocación o el escándalo y muestran lo cotidiano que ante la vista del espectador se convierte en sublime.

Una de la obras que más me llamó la atención fue "Shooting into the Corner" donde un cañón dispara proyectiles de cera contra una pared, y los restos que van cayendo al suelo se acumulan durante todo el período de la exposición. Me llamó la atención porque aquí no existe la mano del creador por ningún lado, sino que se deja al libre albedrío del espectador la propia interpretación de la obra.

Kapoor considera que la interpretación del espectador es esencial para la obra de arte.

Llegar a una sala enorme, donde sólo cabe una única pieza de este artista, pararse delante a contemplarla y sentir la inmensidad del infinito, no tiene precio, hay que vivirlo.

Renoir en el Museo del Prado

Pierre Auguste Renoir La Carta

Madrid acoge la primera exposición de Renoir en España. Pierre-Auguste Renoir, pintor impresionista, comparte hoy espacio con los clásicos del Museo del Prado. En la actualidad no somos conscientes que sus pinturas impresionistas fueron toda una revolución, un cambio de lo que hasta el momento llamaban arte, tanto es así que sus obras no fueron muy bien acogidas por los artistas de la época. Es el primer movimiento del arte contemporáneo, que recibió el nombre de impresionismo con ironía y escepticismo.

El impresionismo es el resultado de una nueva lectura de la realidad. No buscaban una belleza ideal sino plasmar la realidad y ser fiel a ésta. Su ejecución era rápida e instantánea, acabaron con la diferencia entre el boceto y el trabajo final. Representaban las impresiones y emociones que percibían ante la naturaleza. Aportaron nuevos colores, gracias a los avances técnicos y científicos, con lo que lograron una pureza y una saturación del color hasta el momento impensable. Este uso del color fue utilizado posteriormente por las primeras vanguardias.

Sus precedentes fueron paisajistas ingleses como Joseph Mallord William Turner y John Constable, pero si hay un autor clave como precursor del impresionismo ese es, Édouard Manet.

Pierre Auguste Renoir Palco en el teatro En el concierto

¿Realidad o ficción? Joaquin da la nota

El ser humano es curioso por naturaleza. Desde hace años, la implicación del telespectador con el cine o la televisión es tanta, que hemos llegado a un punto en el que cuesta distinguir entre realidad y ficción.

Siguiendo el hilo de algunas entradas anteriores que hablan del “artista urbano” Bansky, y el reciente estreno de la película-documental Exit through the gift shop, me gustaría introducir el tema de los “Falsos documentales”. ¿Es tan grande el interés o el morbo, que estamos dispuestos ya a aceptar cualquier tipo de formato, siempre que esto implique invadir la intimidad ajena?

Exit through the gift shop no es un caso aislado. Joaquin Phoenix (1974) es un actor consagrado, con una carrera brillante en ascendencia con títulos como Gladiator, El bosque, o la brillante “Walk the line” la biopic sobre el músico Johnny Cash, en la que realizó una flamante interpretación que le valió numerosos galardones y el reconocimiento de la crítica. Hasta aquí, todo bien. La polémica comenzaría el 27 de octubre de 2008, cuando Phoenix,se presentó en el programa del reputado David Letterman con un aspecto notablemente desmejorado, una actitud deplorable, y afirmando que abandonaba el mundo de la interpretación para empezar una carrera como cantante de hip-hop. Pero poco a poco todo empezó a cuadrar… las apariciones de Joaquin,entre ellas, alguna entrevista y diferentes actuaciones musicales, siempre contaban con la presencia de Casey Affleck (con cámara al hombro) hermanísimo de Ben Affleck, actor, director, y amigo de Phoenix desde mediados de los noventa, cuando ambos empezaban su carrera cinematográfica de mano del director Gus Van Sant.

Y así fue como el año perdido de Joaquin Phoenix, llegaría a las pantallas en forma de documental dirigido por Affleck. El documental, titulado “I´m still here”, es un surtido de imágenes de un Phoenix fuera de sí, comportándose abusivamente con sus empleados, consumiendo sustancias ilegales, y solicitando los servicios de una prostituta. Todo un escándalo. ¿O no?

El documental fue presentando como tal en la pasada Mostra de Venecia, con críticas irregulares. Están los incondicionales del actor, y por otro lado, los que consideran la cinta un auténtico timo. Así, para apaciguar las aguas, Affleck, aparecería diciendo lo que más o menos ya se esperaba. El documental es pura ficción. Todo es una actuación de Joaquin, el que por supuesto, ya está pensando en sus próximos proyectos.

¿Estamos ante el mejor actor del siglo o ante una de las mayores mentiras cinematográficas de la historia? Lo que está claro, son dos cosas. La primera, que el interés que la cinta ha suscitado, prueba una vez más de que el "voyeurismo" popular está alcanzando límites insospechados y dos, que Joaquin Phoenix is still here, y para rato.

Vida submarina

Desde septiembre hasta la próxima semana se puede disfrutar en Ataria (Vitoria) de animales submarinos, sin necesidad de mar.
Está dirigido a todos los públicos los cuales podrán sumergirse en este mundo tan diverso y curioso.
Los creadores son ingenieros catalanes, Raúl y Toni Martínez que utilizando material de reciclaje, más bien piezas metálicas, han conseguido crear – gracias a la robótica, ingeniería, escultura cinética y la mecánica –, seres del mundo submarino con los que el público puede interactuar.

Es una forma de que el asistente a esta exposición temporal, pueda aprender interactuando con los objetos. De esta forma, con el mundo submarino, quieren hacer saber a los más pequeños la distinta diversidad, su forma y movimiento.

Otra cosa que pretenden hacer con su arte es acercar a todo el mundo lo que menos se imagina y con materiales que la gente común juzgarían como inservibles. Por tanto, enseñan al público a reutilizar materiales aparte de la función didáctica.

Desde un tiburón con sus dimensiones, cangrejos, hasta ranas que nadan por las piscinas instaladas en esta sala son unos de los pocos animales de los que se puede disfrutar, y una forma distinta de aprender un mundo muy cercano para algunos pero que para otros totalmente desconocido en cierta medida.

Un arte cada vez más reconocido sobre todo por el espectador que se acerca a diferentes museos dónde sabe que puede encontrar este tipo de figuras artísticas qué, sin dañar el medio ambiente son capaces de crear.

¿Verdadero o Falso?

Toda obra que se reproduzca varias veces y que no haya sido la primera es una copia. De ello habla, como dijimos en su día, Walter Benjamin, un filósofo y crítico literario alemán. Él decía que una obra cuando se crea y es la primera de todas las que vendrán después, es la obra buena. Cada obra, ya sea un cuadro, una imagen, una escultura… nace en un momento y lugar determinado, con un creador. A partir de ella, se hacen múltiples copias, pero ninguna de ellas tiene la misma esencia, el mismo aura que la primera. Es lo que ha llamado el “aquí y ahora”. Toda imagen o escultura se ha creado en lugar y en un momento determinado. Sólo esa es la original; todas las demás que se han reproducido, y que muchas de ellas han llegado hasta nosotros, son copias. Por otro lado sería imposible hacer llegar a toda la sociedad determinadas obras que se han hecho, se han fotografiado o se han esculpido hace años. También hace falta reproducirlas ya que, aunque sean del momento, no puede llegar a todos sitios, como he dicho antes. Es necesario que todo el arte y toda la cultura pueda ser conocida por la sociedad. En muchos de los casos en los que se hace la llamada “reproducción masiva”, nos parece que una imagen, por ejemplo, es la misma que la original. Nos pueden preguntar cuál es la original y cuál no y nos costaría muchísimo poder distinguirlas. En el vídeo que os muestro ocurre algo parecido. En la famosa serie de Antena 3 Los Hombres de Paco, hay una escena en la que falsifican un cuadro y uno de ellos, Kike, pinta y copia el cuadro haciéndolo exactamente igual. Cuando Lucas y Mariano preguntan a los demás por cuál de los dos es el verdadero (el primero y el original), no saben qué contestar. ¿Hasta qué punto podemos confundir lo que es original (la primera obra que se hizo) y lo que es falso (las copias que se han hecho de la verdadera obra)?

**En este vídeo podréis encontrar el momento que os digo. Concretamente en el minuto 5:53.

El 3D, fuera de las pantallas:

El pasado fin de semana tuvo lugar en Madrid la Feria de la Imagen y la Estética Integral, organizada por IFEMA. Al igual que las anteriores convocatorias, Salon Look se centró en ofrecer lo último en estética y peluquería. Este año venían con algo novedoso, algo que está últimamente muy de moda en el mundo de la comunicación; os hablo del 3D que, no solo se da en la gran pantalla, sino que, ahora también se sube al carro el mundo de la manicura.
Y es que este mundo ha evolucionado de tal manera que los profesionales nos demuestran que se pueden hacer autenticas obras de arte. El maquillaje ha pasado de ser algo que solamente utilizaban las mujeres para tapar las ojeras tras una mala noche a formar parte de nuestras vidas, tanto es así que, como bien dice Aucoin “tenemos la posibilidad de convertirnos en una persona diferente” como muy bien pudimos comprobar en la niñera mágica con Emma Thompson.

Never Mind the Bullets

Never Mind the Bullets es un comics creado por Microsoft con la ayuda de Steaw Web Design para demostrar todo el potencial del lenguaje HTML 5. Esa es la parte técnica, pero no es a respecto de eso que quiero hablar. Lo que me encanta en este proyecto es la interactividad proporcionada por la integración de la tecnología a esta cosa estática que son los cómics. En este sitio la historia tiene más de vida ya que todas las imágenes se mueven con el movimiento del puntero del ratón. Es un enfoque diferente y original para un medio que ha existido por décadas sin cambiar casi nada. Otra cosa bastante interesante es el modo como termina cada ‘página’ de la historia: ‘beba una copa’ o ‘juega al póquer’, por ejemplo. Es prácticamente un convite para el lector participar del cuento aunque sea solamente leyéndole. Aún podemos crear nuestra propia historia cambiando el texto de las burbujas de diálogo o injiriendo otras nuevas. Pero es una lástima que no podamos usar los dibujos libremente para criar viñetas diferentes.

Hay también aplicaciones para el iPad – la tableta de Apple – que siguen esta misma idea, pero la interacción es un poco más dinámica ya que podemos usar los dedos para mover un objeto en la pantalla o agitar el aparato para ver las cabezas de los personajes agitándose, por ejemplo.

Alice for iPad

Rapunzel

The First Witch

Una escultura con polémica

Sin duda alguna es la escultura de la polémica de estos últimos días. La noticia la encontré en el periódico. Su artista, Noam Braslavsky. La figura que vemos en la imagen, Ariel Sharon, ex primer ministro israelí.

La polémica sobre esta escultura es un tema muy interesante a tratar. Para quien desconozca el argumento, el ex ministro israelí permanece en estado de coma desde hace casi cinco años tras sufrir un derrame cerebral en 2006, cuando era ministro de Israel.

Si aun hoy sigue en este estado, y un artista sorprende un solo a su país si no a todo el mundo, ¿qué deberíamos pensar, que este señor, pues así lo dice, no pretende hacer un uso cínico de su figura, sino que simplemente pretende experimentar lo que sería una despedida como se merece al igual que a los líderes que hayan despedido?

Para la mayoría de personas que asistan a ver la escultura, pues se encuentra en el museo de arte Kishon de Tel Aviv y aun no ha sido abierta al público, no sea quizá en esto lo primero que piesen sobre la obra de arte.

Si el artista busca recordar a un líder por su trayectoria en el mundo, no es la forma más adecuada de representarlo. Si por el contrario todo este tema tiene un trasfondo "profesional" más interesado, ha dado en el clavo, no hay mejor manera de darse a conocer, ya que el ruido y la polémica es a lo que nos lleva, de una forma tan barata a nivel mundial que de esta manera. Aquí en nuestro país, ya ha hecho ruido en nuestros medios.

DISTRICT 9

District 9 (2009) es una película neozelandesa de ciencia ficción, dirigida por Neill Blomkamp (un experto del cinéma vérité) y producida por Peter Jackson, que plantea la llegada de alienígenas a la tierra, y como son recibidos y tratados por el hombre. Este film resulta un ejemplo claro del protagonismo de la imagen en nuestra cultura actual, y de los diferentes lenguajes visuales que existen hoy en día. El cine se apodera de estos lenguajes visuales con el fin de evocar ideas, conceptos y emociones, que automáticamente nosotros comprendemos e interpretamos en base a nuestra propia experiencia.

Así, en District 9, la historia se plantea inicialmente como un documental (con el lenguaje propio de este género), y también se incluyen imágenes pertenecientes a informativos, cámaras de seguridad, cámaras de investigación científica, cámaras de helicópteros, miras telescópicas de armas, etc.

También utiliza la imagen para crear un contexto histórico y social que nos recuerda a los peores momentos del apartheid en Sudáfrica (país en el que también se sitúa District 9). Una vez más, se evidencia la importancia y el poder de la imagen en nuestra sociedad, y como a través de ella, y de sus lenguajes, hacemos nuestras propias interpretaciones de la realidad.

Posible protagonista para el esperado remake de “El cuervo”

Mark Wahlberg, este es el nombre que suena más fuerte entre los candidatos. Wahlberg es conocido por películas como “El planeta de los simios”, “Infiltrados”, “Invencible”, “El incidente”, “Max Payne” o “The Fighter” entre otras muchas.

El protagonista original fue Brandon Lee, hijo del emblemático Bruce Lee, quien interpretaba a Eric Draven, un joven guitarrista que un día es asesinado junto con su novia por unos macarras, un año más tarde vuelve para vengarse. Brandon Lee tuvo un final dramático ya que fue asesinado durante un rodaje cuando recibió un disparo de una escopeta en la que se suponía que tenía que haber balas de fogueo.

Mark Wahlberg (izquierda), Brandon Lee (derecha)

Ahora queda ver si Mark Whalberg conseguirá meternos en la piel del vengador Cuervo como lo consiguió Brandon Lee aunque se habla de que la nueva versión presentará una historia distinta de este personaje y no estará relacionada con el personaje de Eric Draven.

En cuanto a los detalles técnicos y de producción ya se conocen algunos. El director por ejemplo será Stephen Norrington, director de “Blade” entre otras. También se rumorea que la leyenda del rock y actor, Nick Cave, volverá a escribir el guión de este nuevo "Cuervo". Relativity Media es el estudio que está detrás de este remake que tendrá lugar en Detroit y que llegará a los cines en 2011.

La película original “El cuervo” fue una de las mejores producciones que se hicieron basadas en un cómic en los ´90 y logró tener el respaldo de la crítica y una muy buena recaudación en su momento.

Más tarde la franquicia original generó tres secuelas y una serie de televisión, pero no tuvieron el mismo éxito, veremos qué pasa con este nuevo remake de “El cuervo”.

Tres grandes películas por fin tienen director...

Hollywood anunció hace unos días que tres importantes películas que estaban a la espera de producirse ya tienen su director:

• El hobbit, Peter Jackson, que no ha podido dejar al final morir a su criatura.
• Superman: el hombre de acero, Zack Snyder ha sido la elección de Christopher Nolan que aquí es el productor.
• La cuarta Bourne han fichado a Tony Gilroy, guionista de las tres anteriores producciones.

El hobbit se hará casi seguro en 3D. A Metro Goldwyn Mayer le interesa, a Warner también,(pronto anunciaran su fusión que salvará económicamente a las dos mayors), Peter Jackson, director de la trilogía del Señor De Los Anillos, ha decidido que él será quien dirija un proyecto que en teoría solo iba a producir y escribir, pero su supuesto director Guillermo del Toro se fue cansado de esperar, y Jackson al final se ha puesto al frente del proyecto.

El rodaje de las dos películas en las que se dividirá el libro de Tolkien arrancará en Nueva Zelanda(como todas las películas de la trilogía) y costarán unos 400 millones de dólares y durará unos 367 días. La primera película tiene fecha de estreno para el 19 de diciembre de 2012.

En cuanto a Superman: el hombre de acero, Zack Snyder se hará cargo de la dirección de esta película tras haber trabajado con cómics como 300 y Watchmen. En cuanto Snyder acabe su última producción Sucker punch, que se estrenará en Marzo de 2011, se pondrá con esta súper producción con una historia creada por Christopher Nolan como productor y David Goyer como guionista. Ahora solo falta encontrar el protagonista adecuado para el personaje de Superman, ya que Brandon Routh(el actor de la anterior entrega del Superhéroe) ha rechazado volver a encarnarlo.

Por último vamos hablar de Bourne 4,que dirigirá Tony Gilroy. En junio, el estudio Universal contrató a Gilroy como guionista del proyecto y ahora Universal le ha fichado como director. Gilroy ya ha demostrado su talento como responsable del guión de toda la saga de Bourne, y tras la retirada de la saga de Paul Greengrass (director de la segunda y de la tercera parte). Probablemente habrá que contratar a un nuevo actor ya que Matt Damon dijo que sin Greengrass él tampoco volvía. El guión de esta nueva entrega vuelve a sus orígenes, al hombre amnésico y con instinto asesino.

CARRETERA PERDIDA

Y no podía llamarse de otro modo, pues perdido te deja. Pero merece la pena.

La película, tan caótica y confusa como genial y deslumbrante, te sumerge en un mundo onírico gobernado por el suspense y el terror psicológico aderezado con una genial puesta en escena y una iluminación sorprendente. Simplemente, cautivadora.

Personajes enigmáticos encabezados por el "hombre misterioso" en una atmósfera aún más engimatica y fascinante te atrapan durante sus 134 minutos de película.

La capacidad del director para mantener en constante tensión al espectador hace de este largometraje un auténtico thriller psicológico que se revela contra toda lógica narrativa espacio-temporal.

Es una de esas películas que no puedes quitarte de la cabeza, pues es prácticamente indescifrable. Puedes estar preguntándote durante años por el significado de sus secuencias y no dar con la respuesta o encontrar innumerables soluciones, todas ellas válidas, lo que, a mi juicio, dota a la película de un carácter mágico.

Y, si a todo esto le sumamos el magistral trabajo del compositor Angelo Badalamenti y el cuidado con el que se elige cada canción introducida en el film, nos queda una película redonda.

Quizá, la mejor obra de David Lynch. Quizá, la mayor obra de arte cinematográfica contemporánea hasta el momento.

Y como dijo Abel Gance, "el cine es la música de la luz". Y esto, amigos, es música para la vista. Esto es cine. Arte.

Sala de cine independiente Berlanga

El 19 de mayo del 2010 se inauguró en la calle Andrés Mellado, en el barrio de Argüelles, un cine nuevo:

El Berlanga. Aunque este hecho ocurrió hace ya varios meses, nadie ha escrito todavía una entrada sobre este hecho. Yo quiero recomendárselo a todos los amantes del cine diferente, de autor, y en versión original. Fue este verano, en las calurosas tardes de Agosto, cuando por casualidad descubrí este nuevo santuario del celuloide. La primera ventaja que tiene, debido a los tiempos que corren, es su precio: 6 euros, una cantidad más que razonable comparándolo con los 8 o incluso más que te piden en la mayoría de los macrocines. La segunda es su sonido. Aparte de estar en versión original, que yo personalmente lo prefiero, tiene una de las mejores acústicas que he oído en una sala. Sus principales desventajas son que solo tiene dos salas, y que solo echan una película en cada una al día, por lo que no hay mucho margen para elegir. Además la mayoría de sus películas ya han salido en cartelera unos meses antes, por lo que si hay alguna nueva película de un autor europeo, por ejemplo, que tienes muchas ganas de ver no esperes que la echen en este cine nada más salir a cartelera.

También cuenta con un proyector en 3D y otro en digital de 4K. Yo ya he visto Un profeta, de Jacques Audiard, y La cinta Blanca, de Michael Haneke, y salí muy contento con las dos proyecciones. Sobre todo porque la Cinta Blanca, que es una película un poco complicada pero que cuenta con una gran fotografía y un gran sonido, es realzada por las excelentes propiedades de la sala, que además es muy bonita y cuenta con unas elegantes butacas de cuero sintético. Definitivamente es muy recomendable probarlo.

Extrañamente todavía no cuenta con página web propia, y no se puede saber a qué hora empiezan las películas, pero suelen empezar entre las 6 y las 8, habrá que buscar en la guía del ocio.

La red social

"La red social" es la nueva película de David Fincher, director muy conocido por anteriores trabajos como “Seven”, “Zodiac”, “El club de la lucha” o “The game”.
La película nos cuenta como en el año 2003, Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) comienza a realizar una idea de red social que más tarde sería conocida en todo el mundo con el nombre de “Facebook”. La película nos muestra como lo que en principio iba a ser solo una red social para que los usuarios de Harvard interactuasen entre sí, fue adquiriendo dimensiones más amplias por lo que su creador tuvo que expandirla a las universidades cercanas a Harvard. Sin embargo este periodo de expansión continuó debido a la demanda de cientos de usuarios hasta que “Facebook” llego a ser lo que hoy en día conocemos, la red social con mayor número de usuarios del mundo y una fuente de ingresos inagotable. Pero David Fincher no solo refleja esto en su film, además de una dirección impecable y un guión bien construido por Aaron Sorkin basado en el libro "The Accidental Billionaires", se nos muestra a un Zuckerberg en un principio ilusionado e involucrado con su ambicioso proyecto pero que con el peso de la fama y del dinero acaba traicionando a sus únicos amigos y dejándose engañar por falsas amistades que solo buscaban la fama a través de su trabajo.
Por lo que la moraleja de esta película no es que “Facebook” sea un fenómeno social de gran envergadura o que su creador sea el millonario mas joven de la historia sino que, como reza el cartel de la película, "No se hacen 500 millones de amigos sin hacer unos cuantos enemigos."

BAILAR EN LA OSCURIDAD

Este film sobrepasa cualquier barrera posterior a lo convencional.

Desata sensaciones de distinta índole explorando la sensibilidad aparente de los espectadores y explotando con la parte musical, donde Björk se coronó como “artista” en todo su esplendor. Dotado del carácter propio de Lars von Trier, este fantástico material audiovisual completa su conjunto con un género musical distante de las Bandas Sonoras convencionales.

La música es protagonista en la película en parte proporcional a lo que lo es la iluminación o el guión con Björk como protagonista realizando un trabajo magistral ascendente en dramatismo. Estos trozos musicales acompañan a la historia, cruel historia cabría resaltar, de esas historias que mantienes firmemente en primer plano de tus pensamientos durante bastante tiempo.

No creo que deba escribir más sobre estos minutos de arte, pues lo consideraría una ofensa hacia toda esa gente que aún no la ha visto.

Bailar en la oscuridad es una película recomendadísima para todos los que aprecien el cine de Lars von Trier y el cine en general.