Exposición sobre el Monopoly en Madrid por su 75 aniversario.

La semana pasada se celebró en madrid una exposición sobre el tradicional juego de mesa de compraventa de propiedades, “Monopoly”. El popular juego ha cumplido 75 años y se ha celebrado de este modo en el círculo de Bellas Artes de Madrid con 25 ediciones exclusivas. La exposición muestra un recorrido por las etapas históricas del juego, desde la primera, con calles de Atlantic City (Nueva Jersey), en 1935 hasta la última, el “Monopoly Revolution”. Además la exposición incluye un vídeo que explica la historia del juego.

Este clásico juego se ha mantenido fiel a sus reglas que no han variado desde que se creó pero si que han habido cambios en el diseño (más de 200 ediciones). El “Monopoly” ha sido editado en 43 idiomas y en 111 países, pudiendo haber varias ediciones en cada país como es el caso de España en donde existe la versión de Barcelona y la de Madrid. Además se han creado muchas ediciones especiales con equipos de deportes, programas de televisión, dibujos animados y muchos más (El Monopoly de los Pokemon, Bob Esponja, La Guerra de las Galaxias, etc).

En esta peculiar exposición celebrada la semana pasada se ha podido ver el primer “Monopoly” de la historia (una edición en caja roja del 77 con calles de Madrid), ediciones conmemorativas o las versiones “Mercado Búrsatil” y “los Beatles”, entre otros. También estaba expuesta la última versión, el “Monopoly Revolution”, que incluye varias novedades: Tiene el tablero redondo; los pagos y transacciones se hacen mediante tarjeta de crédito; ya no hay tarjetas de suerte ni billetes y además se incluyen efectos de sonido.

Los cambios del “Monopoly” a lo largo de su historia han sido símplemente estéticos, lo que lo hace algo repetitivo pero presentado de forma distinta, pero lo que si que está claro es que cada edición de “Monopoly” es un reflejo de la época en la que se ha editado ya que se ha ido adaptando a los nuevos tiempos.

El comic en Andalucía aún anda en pañales

Eso es lo que aseguran los artistas y entendidos en este sector, el medio esta ocupado principalmente por hombres y algunos de ellos subsisten a duras penas gracias a lápiz y papel.
Esto es lo que ocurre con Irene Rodríguez, una joven sevillana que se gana la vida con sus historietas manga. Ella es una de las artistas invitadas al XI Encuentro del Cómic y la ilustración de Sevilla, que un año más reunirá talleres, mesas redondas, conferencias y exposiciones.
Irene comenzó a dibujar con 14 años porque “tenía muchas historias en mi cabeza y tenía que darlas salida de alguna manera”. También dice que no es fácil dedicarse al manga ya que sigue cargando con prejuicios como el de que es un género exclusivo para adolescentes.
El manga se caracteriza por que la “cámara” se acerca demasiado a los personajes, hay mucho dinamismo y el lector se implica más en la historia al moverse a la misma velocidad que los personajes.
La próxima obra de Irene Rodríguez que llegará a las librería se titula “La canción de Ariadna”, una historia épica, ambientada en la antigua Grecia.

5ª Muestra Paulista de Cinema Nordestino

El Servicio Social de la Industria (SESI) de São Paulo presenta del día 04/10 hasta 09/12 la Muestra Paulista de Cine Nordestino, un movimiento que busca enseñar la identidad de un cine tan proprio y de tanta importancia para la producción nacional desde el Cinema Novo como el producido en la región del nordeste brasileño. En su quinta edición, la muestra visa fomentar este importante polo de producción audiovisual y de organización de festivales cinematográficos y además atraer el propio público retratado en las pelis que habita la ciudad de São Paulo debido al éxodo rural que ha predominado el último siglo XX. Para tanto, el festival cuenta con la exhibición de 14 largos metrajes y 37 cortos de la producción más recenté que están dispuestos en 319 sesiones grates, que además contan con discusiones acerca de la producción nordestina y su importancia para la historia del cine brasileño.
Para los que le gusten el cine poético y artístico con cuestionamientos sociales, el cine nordestino está inserido en un contexto de mucha desigualdad, que es el reflejo de la aridez climática y la falta de recursos monetarios que disponen la región esta, pero le sobra inteligencia y calidad para pensar su propia situación y el resultado san obras de mucha profundidad subjetiva y cubiertas de una cadencia típica de las trovas y las cantigas populares nordestinas. Entonces dejo aquí esta información y luego la página que contiene todas las pelis de la muestra:

Exposición fotográfica en la Sala del Canal de Isabel II en Madrid

Guy Bourdin, quizás este nombre no nos diga nada, pero hemos contemplado decenas de sus obras en la publicidad o en las revistas de moda. De hecho, con observar alguna de sus fotografías automáticamente identificaremos su estilo y sabremos de quien estamos hablando.

Siempre provocativo, este fotógrafo francés de moda fue el responsable de la campañas de, entre otros, Versace o de las de Loewe. Sus instantáneas poblaron las portadas de las principales revistas de moda de los años 70 y 80, aunque fue la revista Vogue su principal vía de publicación.

El cáncer nos arrebató su genio en 1991, aunque actualmente son muchos los fotógrafos que se sienten herederos de su peculiar y atrevido estilo, por lo que su legado sigue vivo. En 1988, el International Center of Photography, de Nueva York, le otorgó el premio Infinity Award, de manos de la otra reconocida fotógrafa, Annie Leibovitz, por su campaña publicitaria de Channel.

Expone estos días en la Sala del Canal de Isabel II. La exposición está abierta desde mediados de octubre y se prolongará hasta el 9 de enero. Es un conjunto de 75 fotografías, centradas en las series de microhistorias sobre su musa en los años 70, Nicolle Meyer.

El Piercing, ¿un arte?

Todos o casi todos nosotros sabemos lo que es un Piercing o “Pirsin” (abertura en el cuerpo humano para colocar un pendiente). En algunas ocasiones estas perforaciones suelen reflejar valores culturales, religiosos o incluso espirituales; además de formar parte de una moda, ¿Quiénes de nosotros no tenemos uno, dos o más pendientes colocados por distintas partes de nuestro cuerpo? Sobre todo en la cara, ya que es la parte del cuerpo que más se ve y por lo tanto, podemos lucirlos mejor. Aunque muchas veces se nos vaya de las manos y esta moda se vuelva en una obsesión casi imposible de controlar, transformándonos la cara de tal manera que ni nuestros padres nos conozcan. ¿Formamos parte del arte?

Las Hogueras de Alicante: Un arte efímero

En alicante cada año se celebran Las Hogueras de San Juan. Con motivo de esta fiesta se construyen monumentos por toda la ciudad que posteriormente la noche de la Cremá serán quemados. Los monumentos están formados por madera, cartón y material combustible. La construcción corre a cargo de verdaderos artistas, expertos en este tipo de construcciones y que trabajan todo el año para que su obra sea admirada tan sólo durante cinco días. De cada construcción sólo se indultan dos figuras (una de la hoguera infantil y otra de la adulta) que posteriormente pasan a exponerse en el Museo del Ninot, en el puerto de Alicante. Dichos monumentos están compuestos en gran parte por ninots, que son representaciones humanas. La temática base de las hogueras suele estar cargada de crítica y arte que se hacen alusiones humorísticas a los temas de actualidad.

Merece ser destacada la hoguera del puerto de Alicante que es construida sobre una plataforma flotante y a la que hay que hay que acceder por una pasarela desde tierra. Esta hoguera es de las más famosas y que más gente va a ver quemar. Es un auténtico espectáculo contemplar como arden cada uno de sus ninots en medio del puerto, con el Castillo de Santa Bárbara como testigo.


El humor suele ser el patrón con el que se fabrican las hogueras pero siempre hay artistas que buscan nuevos lenguajes: Por ejemplo merece destacar una hoguera del año 2009, titulada “Jaque”, y que hizo un homenaje al juego del ajedrez. En el centro un colosal caballo de madera coronaba el monumento. Un impresionante trabajo del artista Manuel García Ramírez que se tuvo que apoyar en carpinteros para su construcción. Lo interesante del colosal caballo no radica en su tamaño sino en la suavidad de las formas, que consiguieron impresionar y sorprender a toda la ciudad por su belleza y originalidad.

El mundo animado de Van Dijk

"La animación es la manera más poderosa de hacer películas porque, contrario al documental y a la ficción, puedes hacer lo que sea, lo que tienes en la cabeza.”

Hoy quiero hablaros de Gerrit Van Dijk, un animador, para mí, de los mejores. No voy a hablar de quién es sino de qué hace, que creo que es lo que aquí nos importa.
Su primer cortometraje, realizado en el año 1971 y llamado ''It is good in heaven'', es una animación creada con recortes. Vemos su peculiaridad en la abundancia de elementos de crítica, elementos transgresores, pero presentados de un modo estilizado, elegante, sin elementos demasiado violentos.

El artista es capaz de convertir la cruda realidad en algo cautivante, en algo seductor. Encuentra el lado poético incluso en los elementos más irreverentes y burlones. Sus animaciones contienen un fuerte carácter reflexivo, nos hacen pensar, y sobran siempre las palabras. Veamos alguna creación suya:

Sus películas son collages que combinan imágenes fotográficas y dibujo. En cuanto a la temática, casi siempre trata la injusticia social de los años ochenta de un modo crítico, personal, y una vision introspectiva del mundo. introspectiva del mundo.

Aquí podéis ver su trabajo:
http://www.gerrit-van-dijk.nl/

HIP-HOP MOVIMIENTO MUSICAL.

El hip hop surgió en los años setenta en los Estados Unidos, pero no empezó a desarrollarse profundamente hasta mediados de los años 80.
El primer estado que vio nacer este movimiento fue Nueva York, fundamentalmente en el distrito del Bronx, aunque también se desarrollo en los barrios marginales de Los Ángeles como en Comptom. Fue desarrollado en su plenitud por la población afroamericana.
Dentro del hip hop existían varios tipos; en primer lugar aquel que luchaba por los derechos de los afroamericanos, por la igualdad, por la protesta social. Pero fue el llamado "Gangsta Rap" el que más atrajo la atención de los medios y se introdujo en la población. Sus principales exponentes fueron Comptom Most Wanted y sobretodo NWA. Sus letras se basaban fundamentalmente en su vida en el guetto, en la violencia, las drogas, la misoginia, su pertenencia a las bandas...
Las principales sedes del hip hop por aquel entonces fueron Nueva York y Los Ángeles.
A principios de los 90 surgieron dos raperos que cambiarían totalmente el mundo del hip hop.
Por un lado estaba Tupac Shakur, carismático rapero que fue probablemente el más famoso y popular de todos los tiempos. Además de su labor de rapero fue compositor, productor, poeta y actor. Era junto con Dr Dre y Snoop Doggy Dogg el máximo representante de la Costa Oeste. Por otro lado, se encontraba Notorious B.i.g también conocido como Biggie Smalls nacido en Brooklyn. En un principio ambos raperos eran amigos a pesar de representar a dos discográficas rivales, pero una noche en Nueva york 2pac Shakur acudía a su estudio donde se encontraba Biggie Smalls junto con Puff Daddy su productor. Esa noche Tupac fue tiroteado y acusó directamente a Biggie y Puffy.
A partir de ahí surgió la famosa rivalidad entre la costa Este y la Oeste. En un principio esto no hizo más que conseguir más adeptos y vender millones de discos; sin embargo tuvo un trágico final con la muerte de ambos raperos siendo todavía asesinatos sin resolver.
Desde los años 2000 en adelante el hip hop da un giro radical y surge un nuevo estilo con canciones más bailables.
Sus nuevos máximos exponentes son raperos sureños fundamentalmente procedentes de Atlanta, Georgia.
Sus letras son para muchas personas ofensivas ya que alardean del dinero que poseen, de las chicas, los coches, joyas...
Podemos decir que Lil Wayne, T.I, Rick Ross, Young Jezzy, Gucci Mane son los raperos que más triunfan en la actualidad. Lo que se pensó que iba a ser una moda pasajera acabo convirtiéndose en uno de los principales géneros musicales de la actualidad.
Otro dato a destacar es la influencia que ejerce este movimiento musical en los jóvenes a la hora de vestir, de hablar, y también destacar la pasión por la que hasta muchos jugadores de la NBA siguen con tanto entusiasmo este movimiento (alguno incluso ha gravado discos como Kobe Briant, Allan Iverson, Shaquile Oneal...).

Maria Antonieta, la visión de Sofía Coppola

La película Maria Antonieta está escrita y dirigida por Sofía Coppola y protagonizada por Kirsten Dunst y Jason Schwartzman y es una adaptación de la novela de Antonia Faser “Marie Antoinette-The Journey”.

La película no fue bien aceptada por la crítica que la tildó de fría y banal porque se centra más en dar a conocer la vida de lujo de la corte de Versalles sin adentrarse más allá en la historia.

Según mi parecer, esta película merece ser comentada por su dirección artística ya que adapta estéticamente una historia del siglo XVIII a una historia de interés actual. Como ya he dicho los escenarios y el vestuario están muy logrados y nos hacen trasladarnos a aquella época. Vestidos repomposos, un palacio ostentoso, carruajes lujosos, etc. Pero la ambientación destaca por la predominancia de los colores pastel en el vestuario, en la comida o en otras escenas que reflejan momentos de ocio. La utilización de dichos colores hacen que la película parezca estar ambientada en la actualidad y que se asimile a los anuncios y obras artísticas actuales.

Toda esta recreación se acompaña de música barroca cercana a esa época pero con predominancia de música moderna de grupos como The Strokes, New Order, The cure, Siouxsie and the Banshees o Adam and the Ants. Además hay una escena, que bien merece la pena destacar, en la que Maria Antonieta está eligiendo ropa y zapatos y comiendo y bebiendo muy animadas y que está ambientada con la canción I wan Candy. En un momento dado se enfocan unos cuantos zapatos tirados por el suelo entre los cuales hay unas zapatillas Converse. Este detalle anacrónico llama la atención pero no queda para nada antiestético ni fuera del marco estilístico de toda la película.

La visión de Sofía Coppola a la hora de recrear la vida de Maria Antonieta en la corte de Versalles lleva a plantearnos si la protagonista tenía una mentalidad adelantada a su tiempo en algunos sentidos y mucho en común con la sociedad en la que vivimos actualmente. La historia de Maria Antonieta podría ser la de cualquier adolescente actual caprichosa insegura y desubicada en el entorno en el que le ha tocado vivir. La única diferencia que habría entre ella y una adolescente actual es que el centro de sus caprichos en vez de ser zapatos de tacón y vestidos repomposos lo serían Iphones o ropa de Zara y que en vez de pensar en jugar al poker y a acudir a bailes de máscaras lo haría con las mejores discotecas o restaurantes.

La nueva red social Moleskine

En los últimos años, hemos podido ver como estos legendarios cuadernos de viaje se han convertido en un ''must-have'' de cualquier artista, escritor, fotógrafo... O, en definitiva, de cualquiera.
Los Moleskine han vuelto más fuerte que nunca, y con ellos, una red social en la cual todos podemos colgar las imágenes de nuestras creaciones, bocetos y memorias, creadas en estos cuadernos y en cualquier parte del mundo.
Ojeando por la web, podemos descubrir desde artistas amateur hasta profesionales que emplean este espacio como un lugar más personal donde mostrar sus obras tal cual, con sus imperfecciones y sus borradores.

¿Qué mejor forma de descubrirlo que viéndolo? Aquí tenéis la página:

http://www.skineart.com/

Pongo aquí algunas de las obras y bocetos que más me han gustado

Creación de ''ArtyVelarde''. Recomiendo que echéis un vistazo a su espacio.

Martinsdoodles


Marco Nepomuneco

Manifestando el alma...

Me gusta mucho eso de encontrar siempre la convergencia entre el arte y la música. Anteriormente hablé de varios artistas que ilustraron discos de los grandes exponentes del jazz.
Ahora quiero hablaros del arte psicodélico vinculado al mundo de la música, y tratar el cómo y el por qué ha habido etapas en las que la cartelería de los artistas era representada por este tipo de tendencia artística.
El Arte Psicodélico se entiende como el arte inspirado por la experiencia psicodélica inducida por drogas como el LSD, cannabis, peyote u otros alucinógenos. Pero realmente la palabra psicodélico significa ''manifestando el alma''.
Este arte intenta plasmar estados alterados de conciencia producidos por estas sustancias psicodélicas (hongos alucinógenos, ayahuasca, ...).

Algunos artistas del movimiento modernista y surrealista empleaban estas drogas como fuente de inspiración.
Pero quiero hablaros, como siempre, de su relación con el arte musical.

Estos son ejemplos de ilustraciones empleadas para la cartelería de festivales musicales de los años 60/70. Hay una relacion en cada uno de ellos: el movimiento en espiral, las líneas curvas, los colores planos y vivos, el surrealismo total,... Algo que tiene que ver con esa manera de expresar la relación entre la música y ese estado subreal del alma.

A continuación os hablaré del artista más representativo de éste ámbito artístico

Estas obras son del pionero de esta forma artística, Lee Conklin.
La imagen que tenemos a la izquierda se convirtió en la portada de uno de los discos más importantes del músico Santana.
Era la publicidad de un espectáculo de Santana y The Grateful Dead. A base de pluma y tinta, dibujó los nombres de las bandas, que se centran en torno a un León. El pueblo escondido en la imagen son parte de lo que hace de este trabajo una obra única, pues cuanto más profundo miremos, más podremos ver. Digamos que es en lo que se basa el arte psicodélico. No podemos basarnos sólo en una primera vista, sino que debemos sacar conclusiones y formas a partir de nuestra visión personal.
Numerosas de sus obras han terminado en la mítica sala de conciertos ''FILLMORE'' de San Francisco, por donde han pasado artistas míticos como Jimmy Hendrix, The Allman Brothers, Tower of Power y James Brown.
He de deciros que tuve la suerte de visitarla, y es increíble. Las paredes de la sala están casi completamente cubiertas por carteles de Concklin.
Si podéis os recomiendo que la visitéis, para disfrutar de sus creaciones y de la mejor música.

Aquí os dejo un vídeo en el que podréis ver ejemplos de carteles psicodélicos. Espero que os guste.

Ilustradores del Jazz...

A raíz del último post del artista Santos de Veracruz, quien se dedica a ilustrar y darle forma al mundo de la música, se me ocurrió que habría algún modo de encontrar un punto convergente entre el Jazz y la pintura. Encontré las respuestas, y hoy voy a tratar de contaroslo lo mejor posible.
Entendamos por Jazz a la música que nació en Louisiana, Nueva Orleans, creada por los grandes: Chet Baker, Miles Davis, The Bird (Charlie Parker), Louis Amstrong, Freddie Keppard, Nat King Cole,... Si os gusta la música, son más que imprescindibles.
La influencia de esta música en la obra de numerosos pintores modernos es inmensa. El punto de encuentro más común entre el jazz y la ilustración es la cubierta discográfica, pero hay otros ámbitos en los que el jazz y la pintura formaban, por decirlo de algún modo, una misma melodía.
Esta unión se produce en el momento en el que varios sellos discográficos emplearon en las portadas de los discos, las reproducciones de cuadros y pinturas de autores clásicos.
Pongamos un ejemplo: A principios de los setenga, el productor Norman Granz, durante una de sus visitas a su amigo Pablo Ruiz Picasso, le propuso que él mismo creara la marca para su sello discográfico.

Aquí tenemos el resultado

Un autor que inspiró y sirvió de referente a muchos ilustradores de la música (así llamaré a los dibujantes de portadas de discos), fué Ben Shahn (1898-1969). Aquí dejo varias muestras que emplean dibujos suyos.


El collage es una técnica muy empleada en el jazz, y su máximo exponente es Romare Bearden (1912 1988). Fue una figura muy importante de la cultura afroamericana. Aquí tenéis algunos ejemplos de su obra, en la que mezcla pintura, fotografía y otros elementos plásticos para formar las ilustraciones musicales.

Joan Miró y Salvador Dalí fueron grandes referentes en la pintura surrealista española. Los artistas veían reflejada ésta música en su obra, junto con sus valores y su estética.

Uno de los pintores surrealistas más representativos que optaron emplear el jazz como forma expresiva de su arte es Ted Joans. Tras la muerte de su amigo, Charlie Parker, pintó en las calles de Nueva York : ''Bird Lives'' (Charlie Parker era conocido como ''Bird'', el Pájaro).

Os hablaré también de los músicos que emplearon el pincel para ilustrar sus propios discos. El más grande: Charlie Parker. Veamos un ejemplo:

En los años ochenta, Miles Davis prácticamente desapareció debido a varias lesiones que le impedían seguir tocando. El trompetista se aisló del mundo y comenzó a emplear el pincel como forma de expresión. En sus pinceladas vemos un mundo agresivo, barroco, con trazos muy violentos, que posiblemente expresaban su tristeza.

Aquí os dejo otras obras artísticas claramente inspiradas en el mundo del Jazz creadas por Debra Hurd:

''Una color es una nota... Dos son un acorde''

Hace no mucho estuve viendo a Santos de Veracruz, un artista que se dedica, entre otras muchas cosas, a fusionar música y pintura. Pero ¿cómo?, pues veréis, forma parte de una banda que puede que conozcáis, ‘’Muchachito Bombo Infierno’’.

Él es un músico más, se dedica a alimentar cada concierto ilustrándolo a base de color, locura, pinceladas y un baile que otro. Leí una entrevista de la que sacaré una frase que resume mejor que bien su filosofía ''Un color es una nota... dos son un acorde''.
Sus ilustraciones aluden al mundo de la música, la noche, el flamenco... (título, por cierto, de una de sus colecciones de cómics).
Vamos a dejar que nos lo cuente él mismo con este documental que hace el programa ''Vidas Anónimas'' con el que conoceremos la rutina de Santos de Veracruz con su banda.
Aquí podéis ver todo su trabajo:

http://www.santosdeveracruz.com/